Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible”, en la Fundación Canal

La Fundación Canal (Mateo Inurria 2, Madrid) presenta, del 28 de mayo al 24 de agosto de 2025, la exposición “Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible”. Esta muestra abarca más de 60 años de la obra de este artista estadounidense, considerado uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX y precursor de la fotografía conceptual. La exposición ofrece un recorrido por la trayectoria de un artista que ha renovado el lenguaje fotográfico al trascender la mera documentación de la realidad, para explorar lo invisible, lo intangible y el mundo interior humano a través de secuencias, textos manuscritos y una profunda carga conceptual y filosófica.

Precursor de la fotografía conceptual
La obra de Michals, que en sus comienzos en los años sesenta algunos fotógrafos se negaban a considerar fotografía, no muestra la realidad de lo visible, sino que más bien explora el mundo que no se puede ver. No el momento decisivo, sino lo que ocurre antes y después; de ahí surgieron sus series, que abordan visualmente temas fundamentales en forma de alegorías. Para superar lo que la fotografía no puede contar añadió textos manuscritos a sus imágenes. Todo ello ha generado un estilo propio y distintivo que ha hecho que se le considere el primer fotógrafo conceptual. A partir de ideas abstractas o conceptos que podríamos llamar filosóficos o vitales, así como sensaciones, Michals los plasma en imágenes fotográficas.
Quizá la sección más íntima —que no personal, porque personales son todas— sea la llamada “Revelación”, de marcado carácter autobiográfico. Allí nos habla de sus relaciones familiares y, en la serie ‘La casa que una vez llamaba hogar’, relata su regreso al lugar donde nació, que abandonó a los 17 años, décadas después para fotografiar un edificio en ruinas en medio de la maleza y superponer las imágenes actuales con fotos de familia en los mismos lugares, yendo del pasado al presente y viceversa.

Estructura temática
La comisaria de la exposición, Enrica Viganò (en la imagen que ilustra este artículo), es crítica de arte y periodista, fundadora de Admira, un estudio y editorial especializados en fotografía. Viene colaborando con PHotoEspaña desde 1998 y ha sido comisaria numerosas exposiciones, incluyendo algunas previas de Duane Michals, a quien define como su mentor. La exposición de la Fundación Canal se ha organizado en estrecha colaboración con el propio Duane Michals, quien ha participado en la selección de las obras. No se trata de un recorrido cronológico por la obra del fotógrafo, sino que se ha estructurado temáticamente en seis secciones: Imaginación, Visualización, Sensación, Intuición, Indignación y Revelación; que se completan con un vídeo del propio autor, que a sus 93 años se mantiene lúcido y con una envidiable jovialidad.
Esta es una de las exposiciones imprescindibles de la edición de 2025 de PHotoEspaña.

Para más información: https://www.fundacioncanal.com/exposiciones/duane-michals/

Exposición fotográfica “Paisajes Urbanos Compartidos: Orán y Alicante”

Casa Mediterráneo organiza este mes de mayo la llamada Semana Alicante-Orán, destinada a explorar y celebrar los profundos lazos históricos, culturales y sociales que unen a estas dos importantes ciudades mediterráneas. La Semana arranca con la exposición “Paisajes Urbanos Compartidos: Orán y Alicante”, que se podrá visitar en la sede de Casa Mediterráneo, en la Antigua estación de Benalúa (plaza del Arquitecto Miguel López, s/n, Alicante), desde el 12 hasta el 21 de mayo de 2025.

Reflexión histórica transmediterránea
La muestra propone una reflexión visual sobre la conexión histórica y urbana entre la argelina Orán y la española Alicante. Su objetivo es poner de relieve las similitudes entre ambas urbes a través de un enfoque fotográfico, para destacar elementos compartidos como calles, estructuras arquitectónicas, puertos, fortalezas y áreas de ocio urbano. No olvidemos que Orán fue una posesión española en los periodos 1570-1708 y 1732-1791, es decir, durante casi 200 años, y que durante la colonización francesa (1831-1962) albergó a una gran comunidad de españoles.
El comisario de la exposición, David Calle, doctor en Filosofía y Letras, con una larga carrera como guionista de cine y televisión y como fotógrafo, describe su labor como una gratificante “cirugía creativa” al seleccionar material de un gran volumen documental del Archivo Municipal de Alicante. David Calle subraya que la muestra recoge la mirada de distintos fotógrafos, de forma que logra una “comunión mágica y culturalmente muy potente”. Según él, ambas ciudades, a pesar de sus diferencias de tamaño —unos 2.200.000 Orán y unos 350.000 Alicante—, comparten una fuerte conexión con el Mediterráneo. Esta conexión se manifiesta en su arquitectura y configuración urbana, comparable a los “cantes de ida y vuelta” del flamenco, “que con los emigrantes españoles que iban a América, cuando volvían, venían con otros tonos y se mezclaban”, lo que refleja un intercambio cultural facilitado por el mar. El Mediterráneo ha actuado históricamente como una plataforma de intercambio, propiciando un “microclima cultural único” forjado por el tránsito de personas entre ambas costas, desde el tiempo de Cartago, hace más de 2.000 años, hasta nuestros días.

Diálogo intercultural
La muestra está concebida como un puente para el diálogo intercultural entre las nuevas generaciones de España y Argelia. En palabras del comisario, es fundamental reivindicar lo que une a las sociedades en tiempos actuales. En este contexto, Calle destaca el concurso fotográfico “Paisajes urbanos de Orán”, organizado por Casa Mediterráneo junto con el Instituto Cervantes de Orán. Este certamen, en el que participaron 13 fotógrafos argelinos, busca promover una mirada artística y documental sobre el paisaje urbano oranés. La exposición en Alicante incluirá trabajos de fotógrafos oraneses, como Benaissa Llyes, Belghomar Mehdi, Jelif Adil Malik, Medahi Tahar y Taibi Mohamed Al Amine; junto con imágenes del tangerino Juan Ramón Roca, especialista en la inmigración en Argelia, en los siglos XIX y XX, y autor de los libros “Españoles en Argelia. Memoria de una emigración” y “Españoles en Argelia. Emigración y exilio. Memoria gráfica”; y del propio David Calle.

Para más información: https://casa-mediterraneo.es/

Retrato de una transformación, de Bowie x Sukita

La exposición “Bowie x Sukita: Una mirada íntima a la transformación de un icono”, que se puede visitar en la nueva sede de FotoNostrum (carrer Princesa, 19, Barcelona), desde el 23 de mayo al 15 de septiembre de 2025, constituye no sólo una retrospectiva visual de la carrera artística de David Bowie (1947-2016), sino también una exploración profunda de los lazos creativos y personales entre el músico británico y el fotógrafo japonés Masayoshi Sukita (1938). Organizada por FotoNostrum, La Casa Mediterránea de la Fotografía y ONO Arte, la muestra articula, a través de más de setenta imágenes, una narrativa visual que abarca más de cuatro décadas de colaboración artística.

Una alianza estética y humana
La génesis de la colaboración entre Bowie y Sukita se remonta a 1972, año en que el fotógrafo —desplazado a Londres para retratar a Marc Bolan (1947-1977), considerado como padre del “glam rock” y líder del mítico grupo T. Rex— , conoció al entonces emergente artista británico. A partir de este encuentro fortuito se consolidó una relación profesional que progresivamente se transformó en una amistad íntima, que se prolongó hasta la muerte de Bowie, en 2016. La exposición se convierte en un testimonio visual de esa relación de amistad y admiración mutua.

La evolución de un artista en permanente cambio
La exposición destaca la capacidad de Bowie para reinventarse a lo largo del tiempo. A través del objetivo de Sukita, el espectador es testigo de la evolución del músico desde sus inicios en el “glam” (como Ziggy Stardust), pasando por sus años berlineses, hasta llegar a sus trabajos más introspectivos de los años 2000.
La célebre portada del álbum “Heroes” (1977), incluida en la exposición, podría considerarse el epítome de esa transformación constante.
Las fotografías menos conocidas —especialmente aquellas tomadas en Japón— ofrecen una perspectiva inédita del artista, alejada de los escenarios y de la exposición pública. Estas imágenes en contextos íntimos muestran facetas menos exploradas de su personalidad y estética, aportan una mirada al artista, más allá del mito. En este sentido, la exposición opta por una aproximación no cronológica ni temáticamente rígida, en la que se produce un diálogo entre imágenes de conciertos, retratos posados y momentos cotidianos.

Para más información: https://www.fotonostrum.com/

V Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León

Palencia acogerá, del 30 de abril al 1 de junio de 2025, la quinta edición del Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que reúne la obra de 15 artistas nacionales e internacionales en un programa que incluye 20 exposiciones y 26 actividades.

“Todos somos nómadas”
El festival se presenta bajo el lema “Todos somos nómadas”, en alusión al constante movimiento que ha definido al ser humano desde sus orígenes. La directora general de Políticas Culturales, Inmaculada Martínez, ha destacado cómo el festival quiere reflejar esa “pulsión ancestral que define al ser humano”.
Las muestras se distribuirán en 13 espacios expositivos, tanto interiores como exteriores. Además, 12 cubos expositivos acercarán la fotografía a calles, plazas y espacios públicos de la ciudad de Palencia.

Un programa muy variado
El programa aborda diversas facetas del nomadismo y del movimiento humano. Por ejemplo, el Museo de Palencia albergará las exposiciones “El arte de un nómada universal”, de Jesse A. Fernández (1925-1986), y “Vidas de mujeres”, de Mary Ellen Mark (1940-2015). Por su parte, la Sala Unicaja acogerá la obra de César Dezfuli (1991), “Passengers”, que retrata a migrantes rescatados en el Mediterráneo, trabajo que mereció un premio World Press Photo en 2023; y la de Mandy Barker, “Mares de plástico” (1964), la cual denuncia la contaminación marina y su vínculo con el desplazamiento humano.
En el Centro Cultural Provincial se podrán ver “Los adioses”, de Alberto Martí Villardefrancos (1922-2017), que documenta la emigración gallega a América en los años 50 y 60; y “Rostros de mujer, caminos infinitos”, del italiano Frank Horvat (1928-2020), cuya obra explora las culturas del mundo y la figura femenina, y quien hizo de París su hogar pese a sentir que no pertenecía a ningún sitio.
La Biblioteca Pública presentará “Duelos y quebrantos”, de Sebastián Bruno (1989), un recorrido por Castilla-La Mancha tras los pasos de Don Quijote para establecer un paralelismo entre el pasado y el presente de la comunidad. Por su parte, el Archivo Histórico Provincial acogerá “De 1900 a nuestros días”, muestra que recorre más de un siglo de historia a través de imágenes, centrada en la emigración y la llegada de nuevos migrantes a la provincia.

Otras exposiciones y actividades
En la Fundación Díaz-Caneja se podrá ver la obra de Graciela Iturbide (1942), “Entre el viento y los sueños”, que explora las raíces indígenas mexicanas y se aleja del realismo; y la de Nicolás Combarro (1979), “La materia del silencio”, que reflexiona sobre la arquitectura como forma de resistencia.
El Museo del Agua albergará la pieza audiovisual “¿Qué es un río?”, de Mariuca García-Lomas (1991) e Ignacio Simón (duo Northwest), que utiliza ríos europeos como símbolo del nomadismo y el tránsito.
Las exposiciones urbanas presentarán, entre otras, las obras “Camino al Tepeyac”, de Alinka Echeverría (1981), que muestra a los fieles que peregrinan cargando imágenes de la Virgen de Guadalupe en México; “We in Ireland (Nosotros, en Irlanda)”, de Alfredo Cáliz (1968), un diario sobre los veranos de su familia en Irlanda; “Suspensión”, de Laura Martínez Lombardía (1975), sobre el nomadismo y el cambio a través de las flores; y “Adeus”, de Vicente Fraga (1978), lamento por una forma de vida en vías de extinción en el medio rural gallego.
Además de las exposiciones, el festival contará con un ciclo de cine durante el mes de mayo en el Teatro Principal, coordinado por la actriz y cineasta Aia Kruse (1994). Las proyecciones abordarán temas relacionados con la migración y el movimiento. El festival también incluirá visitas guiadas a las exposiciones en colaboración con PallantiaPhoto, iniciativa de la Asociación Fotográfica Palentina Contraluz.

Para más información: https://fifcyl.com/

“Sugestiones de Italia. Del Neorrealismo al siglo XXI”, en el Istituto Italiano di Cultura de Madrid

El 22 de mayo de 2025 se inauguró la exposición “Sugestiones de Italia. Del Neorrealismo al siglo XXI”, en el Istituto Italiano di Cultura de Madrid (calle Mayor, 86), con la presencia del embajador de Italia, Giuseppe Buccino Grimaldi, la directora en funciones del Istituto, Susi Baldasseroni, y Riccardo Passoni, comisario de la exposición y director de la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino (GAM).

Una gran retrospectiva
Las imágenes, todas ellas copias originales de época, que proceden de las colecciones de la GAM Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino y de la Fondazione CRT per l'Arte Contemporanea, pretenden mostrar al público una Italia diferente, poco convencional y auténtica, de dos periodos bien diferenciados: desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta los años ochenta y desde entonces hasta los primeros del siglo XXI.
La selección fotógrafos recoge lo más granado los últimos ochenta años de la historia fotográfica de Italia, alejada de los tópicos recurrentes, en dos líneas: el paisaje físico y el humano. Los artistas presentes en la exposición son Nino Migliori (1926), Gianni Berengo Gardin (1930), Mimmo Jodice (1934), Mario Cresci (1942), Enzo Obiso (1954), Mario Giacomelli (1925-2000), Luigi Ghirri (1943-1992), Ferdinando Scianna (1943), Gabriele Basilico (1944-2013), Franco Fontana (1933), Bruna Biamino (1956), Uliano Lucas (1942) y Ugo Mulas (1928-1973).
Esta exposición es una oportunidad única para conocer o descubrir la obra de estos grandes fotógrafos del siglo XX, de los que quizá el mejor representante sea Nino Migliori, quien a sus 99 años sigue en activo.

Para más información: Para más información: https://iicmadrid.esteri.it/es/

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la mirada reflexiva de Ricard Terré

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF) (Alcalá 13, Madrid) presenta la exposición “La mirada reflexiva de Ricard Terré”, dedicada a la obra de este fotógrafo singular. La exposición, que se inauguró el 30 de abril de 2025, estará abierta hasta el 19 de octubre de 2025. Se sitúa en la escueta sala de fotografía del Museo, en la tercera planta. Esta es la octava entrega de la colección “Maestros de la fotografía en la Academia de Bellas Artes de San Fernando”.

Un verso suelto
Ricard Terré (1928-2009) es descrito por Publio López Mondéjar, comisario de la exposición, como un “verso suelto” de su generación, en la órbita del grupo Afal, pero con una marcada y personal voluntad de descifrar la realidad y penetrar en sus ámbitos más oscuros. Su obra toca temas como la muerte, el rito y la religión, pero verdaderamente se centra en el ser humano. La suya es una fotografía sensible y escueta, atenta a lo inmanente y a lo que perdura. Terré entendió que la realidad trasciende la mera apariencia y, de forma personalísima, no buscó ni el artificio ni la mera belleza en su trabajo. Su interés fotográfico tiene como núcleo al hombre o la huella que éste deja, con una obra respetuosa, indulgente y considerada con el ser humano. Él mismo afirmó: “Con mi fotografía, sólo pretendo mostrar lo que hay de trascendente en el ser humano... Lo que busco es el espíritu del hombre, esa esencia fundamental que permanece en el tiempo y que está en todos los lugares”.
Ricard Terré, hombre de grandes inquietudes, fue pintor y caricaturista en su juventud, antes de dedicarse a la fotografía, que practicó principalmente desde 1955, con un paréntesis entre 1970 y 1982. Su reencuentro con la fotografía en los ochenta fue, en sus propias palabras, un reencuentro con el hombre.

Obras de época donadas por Laura Terré
La muestra exhibe un conjunto de quince obras de Ricard Terré, que forman parte de los fondos de la RABASF. Trece de ellas, positivadas por el propio fotógrafo, provienen de una donación de su hija, Laura Terré, y las dos restantes del Ministerio de Cultura. La selección fotográfica se complementa con material bibliográfico y hemerográfico, cedido desinteresadamente, procedente de la colección Pedro Melero/Marisa Llorente. Además, con motivo de esta exposición se ha editado un catálogo de 48 páginas, con las fotos de la muestra y textos de su comisario, Publio López Mondéjar, del escritor Javier Pérez Andújar y de Laura Terré, historiadora de la fotografía y especialista en la fotografía de posguerra, generación a la que perteneció su padre. La presentación a los medios tuvo lugar el 30 de abril de 2025, con la participación de Tomás Marco, director de la Academia; Publio López Mondéjar, académico y foto-historiador, y la propia Laura Terré.

Reflexivo, honesto y humano
Ricard Terré era una persona reflexiva, honesta y profundamente humana, un inconformista vocacional ajeno a los círculos oficialistas. Consideraba que una sociedad que olvida la tolerancia y la misericordia es una sociedad enferma. Su fotografía siempre fue en blanco y negro, un trabajo íntimo y solitario, donde la técnica podía incluso ser subvertida para potenciar la expresión.
Esta pequeña exposición ofrece una buena oportunidad para explorar la profunda y personal visión de este destacado fotógrafo español, que sólo en el otoño de su vida comenzó a ver su obra finalmente reconocida al nivel que merece.

Para más información: https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/

“Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”

Hasta el 20 de julio de 2025, la Sala Canal de Isabel II (calle Santa Engracia 125, Madrid) acoge la exposición “Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”, consistente en una panorámica de la larga carrera de esta reconocida fotógrafa de prensa, de más de cincuenta años.

La historia reciente de España a través de la mirada de Marisa Flórez
Integrada en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025, la muestra presenta más de 184 imágenes —algunas inéditas—, elegidas entre las más de 1.000 fotografías revisadas por la propia Marisa Flórez y por la comisaria Mónica Carabias Álvaro en una primera selección, las cuales documentan y reinterpretan la historia reciente de España a través de la mirada singular de una fotógrafa con un ojo tan perspicaz como el de Marisa Flórez (1948).
La exposición se articula de forma temática en las cuatro plantas de este antiguo depósito de agua del Canal de Isabel II, rehabilitado como sala de exposiciones. A través de sus imágenes, se descubre el lado más íntimo de figuras relevantes del cambio social y político de la España de la Transición, pasando por hitos como la inauguración de la vida parlamentaria, una vez recuperada la democracia, tras la muerte del dictador, o la llegada de un gran símbolo nacional, como “El Guernica” de Picasso.
La obra de Marisa Flórez combina una gran valor patrimonial y documental, al tiempo que demuestra una extraordinaria habilidad para saber encontrar el momento único. Su capacidad para combinar la precisión informativa del fotoperiodismo con una riqueza expresiva y formal convierte su trabajo en arte, sin necesidad de proponérselo.

Estilo inteligente, directo y sencillo
Su estilo se caracteriza por la sencillez, el uso habitual de la luz natural y una técnica sencilla directa, sin artificios formales. Todo ello basado en cualidades como la intuición, la paciencia, la decisión y la valentía, junto a una mirada humana, respetuosa y coherente. Pero, por encima de todo, implica un trabajo previo de estudio y previsión de lo que se podría encontrar a la hora de realizar su trabajo. Como cuando a la llegada de “El Guernica” a España, investigó con precisión todos los puentes de la carretera de Barajas, de forma que se pudiera situar en el más adecuado posible. Algo que realizó el día de su llegada, el 10 de septiembre de 1981, cuando a lomos de una moto conducida por un compañero del diario “El País” siguió a la comitiva que transportaba la pintura del aeropuerto al Casón de Buen Retiro, donde reposó hasta que casi once años después encontró su ubicación definitiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Sus fotos han servido para ilustrar una parte de la historia de España, y mucha de ellas se han convertido en símbolos, como la Susana Estrada (1949), pecho al aire, con quien luego sería alcalde de Madrid, el profesor Enrique Tierno Galván (1918-1986), o Lola Flores (1923-1995) pidiendo una pesetita a cada español, además de lo más granado de la clase política de los últimos cincuenta años.

Fotógrafa pionera
Pionera en el ámbito de la fotografía de prensa, históricamente masculino, Marisa Flórez inició su carrera en 1971 en el diario “Informaciones”, cuyo subdirector, Juan Luis Cebrián, la fichó más adelante para “El País”, que vio la luz en 1976 con él como director. En aquel momento era la única mujer que formaba parte del equipo de fotografía del periódico.
Curiosamente, sería el mismo Cebrián quien se desharía de ella en 2012, junto a otros 148 trabajadores del diario, despedidos o jubilados anticipadamente mediante un expediente de regulación de empleo. En concreto, en aquella ocasión, de los ocho trabajadores de los que se deshizo “El País” en la sección de fotografía, seis eran mujeres. Un dato llamativo que lleva a pensar que, o bien el sector femenino había logrado una notable presencia en la sección o el recorte se cebó especialmente con ellas.
La labor de Marisa Flórez, a quienes sus compañeros de “El País” llamaban cariñosamente “La Flowers”, ha sido reconocida con galardones como el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio de Fotografía Piedad Isla (2015) y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024).
Esta importante retrospectiva supone un merecido homenaje a su extensa trayectoria profesional y ofrece la oportunidad de apreciar, destilado, el conjunto de una obra tan vasta que resulta casi inabarcable.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-marisa-Flórez-tiempo-mirar-1970-2020

Art Photo Bcn 2025

Art Photo Bcn 2025, duodécima edición del festival y feria de fotografía contemporánea de Barcelona, se celebrará del 23 al 25 de mayo de 2025, en el Disseny Hub Barcelona (Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38). Este festival se consolida en la Ciudad Condal como un punto de encuentro para el sector profesional, artistas y público general.

Gran presencia femenina
El festival Art Photo Bcn, dirigido por Isabel Lázaro, contará con 24 galerías, espacios expositivos, escuelas y marcas de siete países: España, Alemania, Francia, Hungría, Perú, México y Eslovenia. Esta edición se centra especialmente en artistas que han participado en visionados anteriores y regresan representados por galerías, como es el caso de Àlex Domenech, Bárbara Traver y María Moldes. También estarán presentes galerías habituales como Taché Art Gallery o PH21 Gallery. Destaca la presencia femenina, con más del doble de autoras que autores, en línea con el ánimo del festival de visibilizar a las mujeres en la fotografía contemporánea. Se expondrán obras de Michaela Weber, Rada Akbar, Zanele Muholi, Rosalía Bronstein, Haidé Costa, Oleñka Carrasco y Mapi Rivera, entre otras. Por otra parte, se acentúa la internacionalización del festival con la inclusión de galerías de México, Perú, Francia y Eslovenia. Los socios tecnológicos de Art Photo Bcn, Xiaomi y Canon, colaborarán destacando la importancia de la tecnología en la evolución del medio fotográfico.

Visionados, premios y Photobook Market
Los visionados y premios está programados para el viernes 23 de mayo. Nueve fotógrafos emergentes, seleccionados por convocatoria abierta, presentarán sus proyectos a un jurado profesional con representantes de instituciones como la Fundación Foto Colectania y el MNAC. Esta sesión busca impulsar nuevos talentos. Entre los galardones destaca el Premio Art Photo Bcn, dotado con 2.000 euros, la imagen institucional de la edición 2026 y una exposición en la feria de ese mismo año. También se conceden becas de formación y premios de producción. En 2025 se han seleccionado nueve proyectos. La imagen que sirve para ilustrar esta edición es obra de Peter Pflügler “Now is Not the Right Time” (Ahora no es un buen momento), ganador de los visionados de 2024.
Por su parte, Art Photo Bcn Photobook Market, dirigido por Anna Benavent, se celebrará el domingo 25 de mayo, designado como “Día del Fotolibro”, y donde participarán 20 editoriales y proyectos independientes. En esta edición, el programa explorará la relevancia del fotolibro en la narrativa visual contemporánea.

Programa de Actividades abiertas
Finalmente, el denominado programa de Actividades abiertas tiene como propósito estimular el pensamiento crítico y el diálogo sobre la fotografía. En él se incluyen conferencias, mesas redondas y presentaciones sobre diversos temas del medio fotográfico. Una amplia oferta de talleres, dirigida a profesionales y nuevos talentos, abarcará la autopublicación, el multimedia fotográfico o la autoría y los bloqueos creativos. Asimismo, y como novedad, se presentan talleres infantiles, impartidos por Elena Almagro, dirigidos a niños de entre 6 y 11 años, para acercarles la fotografía a través del juego.

Para más información: https://artphotobcn.com/