Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Espacio disponible”, de Eduardo Nave, en el Centro José Guerrero de Granada

El Centro José Guerrero (calle Oficios 8, Granada) acogerá, hasta el 12 de octubre de 2025, la exposición “Espacio disponible” del fotógrafo Eduardo Nave, una profunda reflexión visual sobre la decadencia de la publicidad externa impresa en el contexto del auge de las tecnologías digitales.

Una era que se desvanece
Las imágenes de Eduardo Nave documentan la progresiva desaparición de las grandes vallas publicitarias físicas, estructuras que en otros tiempos fueron emblemas de la modernidad industrial y del consumo masivo. Ahora, esas mismas estructuras, vacías, deterioradas y oxidadas, se alzan como ruinas contemporáneas en paisajes áridos, abandonados y deshabitados.
El filósofo francés Gilles Lipovetsky (1964), analista de la sociedad posmoderna, ha escrito un ensayo específico para el catálogo de la muestra, editado por el Centro José Guerrero en colaboración con la editorial francesa Éditions Loco. Según afirma: “lo que Eduardo Nave nos muestra es esa obsolescencia del anuncio tradicional y estático en papel en provecho de las pantallas de comunicación, los móviles, las pantallas gigantes LED, los soportes de exhibición digital y dinámica.” Lipovetsky define la serie como una estética y poética de la desaparición, contraponiéndola al bullicio visual de espacios como Times Square, en centro de la ciudad de Nueva York. En “Espacio disponible”, esta ausencia de publicidad se yergue como el signo de una era que se desvanece.

Eduardo Nave
Eduardo Nave (Valencia, 1976) es una figura consolidada dentro de la fotografía contemporánea española. Cofundador del colectivo NOPHOTO, ha desarrollado una trayectoria centrada en los lugares marcados por la historia y la memoria. Su trabajo se ha visto reconocido con numerosos premios y becas, como Arco y Revelación PhotoEspaña 06, además de otros muchos, como los de la Fundación Marcelino Botín, la Casa de Velázquez, la Colección CAM y FOTOPRES de la Caixa. Su obra ha estado presente en instituciones y ferias internacionales como ARCO, ParisPhoto, PhotoLondon.
Con “Espacio disponible”, Nave añade un nuevo capítulo a su estudio sobre las huellas del tiempo en el paisaje humano. En esta ocasión aborda la dimensión simbólica de la publicidad como vestigio del entusiasmo consumista del siglo XX. La exposición, cuya comisaria es Claude Bussac (1963), se perfila así como una propuesta crítica y poética sobre el presente de la imagen y el porvenir de la comunicación visual.

Para más información: https://centroguerrero.es/

“Adelaida”, de Mercedes Hausmann y Jorge Salgado, en el Museo del Romanticismo

Dentro de la programación de PHotoEspaña, el Museo del Romanticismo (San Mateo, 13, Madrid) ha programado la interesante exposición “Adelaida”, que vincula fotografías originales del siglo XIX con ilustraciones generadas por inteligencia artificial, especialmente concebida para este espacio expositivo.

Un gran proyecto
Como ya informamos aquí, Mercedes Hausmann, fotógrafa madrileña nacida en 1987, ha reunido alrededor de 600 fotografías familiares como parte de una investigación que comenzó tras una pérdida personal en 2021. Este proyecto, que arrancó como una indagación íntima, ha evolucionado hacia un trabajo académico sobre los orígenes de la fotografía en España, especialmente en Madrid, entre 1860 y principios del siglo XX.
Las imágenes incluyen retratos realizados por renombrados fotógrafos de la época como Jean Laurent, Kaulak o Christian Franzen, así como otros menos conocidos. Hausmann ha llevado a cabo un proceso exhaustivo de digitalización, análisis y contextualización histórica, empleando incluso métodos de investigación casi detectivescos para identificar a los protagonistas de las fotos y a sus autores. Su estudio permite conocer tanto la evolución de la fotografía como la representación visual de la alta sociedad española de aquel tiempo.
Basándose en esta investigación previa, Mercedes Hausmann y Jorge Salgado han establecido un vínculo entre un pasado fotográfico heredado y su recreación en su futuro, que es nuestro presente, con inteligencia artificial. La exposición se completa con piezas de época, como cartas, álbumes de fotos y otros elementos.

Adelaida Martínez-Corera y Grande
Adelaida Martínez-Corera y Grande (1853–1920), tatarabuela de Mercedes Hausmann, es la protagonista de esta exploración visual, que a partir de la IA inventa ilustraciones de una cotidianeidad fantástica, creada por medios artificiales.
Se trata de un pasado que pudo ser y del que no hay testimonio fotográfico, pero la pareja de autores, Mercedes Hausmann y Jorge Salgado, lo han generado, indicándole a la IA lo que sabían sobre Adelaida. Se trataba de una mujer, viuda, pero que gestionaba el patrimonio familiar y cuidaba de sus tres hijos y tres sobrinos huérfanos; además estudió música a nivel casi profesional y era una habilidosa pintora. De esta forma trascendió del papel al que, como mujer, le relegaba la sociedad de la época. Partiendo de esa base, y con un largo trabajo delante de la consola de la IA, los autores de la exposición generaron unas 600 ilustraciones, de las que seleccionaron 48 para la exposición, junto con 17 fotografías originales del siglo XIX. Dicha exposición, junto con las piezas mencionadas, es nuestro vínculo con ese pasado. Un elemento físico que ha sobrevivido al tiempo, y que tocaron otras manos hace muchas décadas.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/inicio.html

“Mirabilia”, de Joan Fontcuberta, y Premios Fundación ENAIRE, en Santander

El pasado 26 de junio se inauguraron en Santander dos exposiciones, una de JoanFontcuberta, titulada “Mirabilia”, y la colectiva XVIIIPremios de Fotografía Fundación ENAIRE, que forman parte de la edición 2025 de PHotoEspaña. Ambas exposiciones, promovidas por la Fundación ENAIRE, se pueden ver en las Naves de Gamazo (Av. de Severiano Ballesteros, 3, Santander), hasta el 18 de enero de 2026.

“Mirabilia”
“Mirabilia”, cuyo comisario es Sema D’Acosta, presenta una gran selección de la obra reciente de Joan Fontcuberta: desde trabajos con inteligencia artificial —como “Génesis.IA” y “DeRerumNatura”— hasta piezas inéditas y emblemáticas obras de su trayectoria de más de cinco décadas. El autor desarrolla un discurso visual sobre la tensión entre realidad y ficción, lo natural y lo artificial, y plantea un cambio de paradigma en el panorama visual contemporáneo.
La exposición incluye la instalación “Cápsula de Arte”, ubicada en el aeropuerto de Santander, para reforzar la conexión entre arte, tecnología aeronáutica y territorio.
Joan Fontcuberta recibió el pasado mes de marzo el Premio Trayectoria 2025 de Fotografía de la Fundación ENAIRE, de quien destacaron: “Su trabajo explora la relación entre la imagen y la ficción, cuestionando la veracidad y la autenticidad de las fotografías. A menudo crea narrativas inventadas a través de imágenes manipuladas, desafiando la percepción del espectador sobre la realidad. Además de su faceta como fotógrafo, Fontcuberta es escritor y ha sido profesor en varias instituciones. Su obra ha sido exhibida en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Fue Premio Nacional de Fotografía en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011”.

XVIIIPremios de Fotografía ENAIRE
En esta exposición de los últimos Premios de Fotografía Fundación ENAIRE se exhiben las tres obras ganadoras, de Tanit Plana, “Stress position”; Daniel Ochoa de Olza, “La Frontera”; y Françoise Vanneraud, “El eco de las cumbres”—, junto con 15 obras finalistas, entre las que se incluye la mención especial de PHotoEspaña, otorgada a José Quintanilla, por su obra “Et in Arcadia ego”.
Estos galardones, para los que en 2025 se recibieron 1.375 obras de 547 artistas, son un referente para impulsar la fotografía profesional española e iberoamericana.

Para más información: https://www.enaire.es

“Street Art & People BCN”, de Manel Antolí

“Street Art & People BCN” es el nombre de la exposición de fotógrafo barcelonés Manel Antolí, que se podrá ver hasta el 30 de junio de 2025 en Foment Martinenc (calle Rogent, 57, Barcelona). Se trata de fotografías de grafitis pintados en las persianas metálicas de diversos locales y aparcamientos de Barcelona, con un elemento distintivo: la inclusión espontánea de personas anónimas, que, por casualidad, pasaban por el lugar en ese preciso momento, generando escenas y contrastes inesperados y curiosos.

Un canto al arte callejero
“Street Art & People BCN” es un canto al arte callejero como fundamento de transformación urbana y, al mismo tiempo, una invitación a descubrir una dimensión oculta de la ciudad, que sólo se puede contemplar una vez cerrados los comercios, en festivos o por la noche.
En palabras de su autor: “El propósito de este ensayo fotográfico es dar vida a estas joyas, que, las más de las veces, nos pasan desapercibidas..., pero incorporando en los ‘shots’ [las tomas] a gentes anónimas de Barcelona que, en un momento dado, pasaban por allí. Y generaban a veces curiosos contrastes solo perceptibles cuando el ojo del fotógrafo los ve y espera pacientemente el momento oportuno de integrarlos, congelando la imagen y haciendo que el tiempo se detenga. ¡Clic!”.
La obra de Manel Antolí no es solo una colección de fotografías de arte callejero, sino que es también una invitación a redescubrir Barcelona, prestando atención a los detalles efímeros y sorprendentes que la transforman y que, a veces, sólo el ojo de un fotógrafo puede descubrir.

Para más información: https://www.instagram.com/p/DKHLSA1NG2G/

Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran, en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona

Hasta el 31 de agosto de 2025 se podrán visitar en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona (Avenida del Litoral, 30) sendas exposiciones de los fotógrafos Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran. Ambas muestras ofrecen una visión de la fotografía desde diferentes perspectivas y contextos históricos, en las que se destaca la versatilidad y el impacto del medio fotográfico.

La materia de las formas
La exposición antológica “La materia de las formas”, de Edward Weston, cuyo comisario es Sergio Mah, está organizada con el apoyo del Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona, Tucson. La misma “se concibe desde una mirada europea al legado de la fotografía moderna norteamericana. Un contrapunto estético y conceptual al modernismo fotográfico en Europa que emerge con las primeras vanguardias del siglo XX”. La muestra se compone de unas 200 imágenes, primeras ediciones de sus libros y catálogos, así como una película.
La obra de Edward Weston (1886-1958) es fundamental para comprender la consolidación de la fotografía como medio artístico y el comienzo del estilo fotográfico moderno con imágenes de gran detalle, en oposición al pictorialismo imperante en la época, del cual él mismo fue partícipe en sus inicios.
Esta exposición se podrá ver el otoño próximo en la Fundación Mapfre de Madrid.

La década convulsa (1929-1939)
En la exposición “La década convulsa (1929-1939)”, de Joan Andreu Puig Farran,se presenta una selección de fotografías positivadas a partir de placas de vidrio conservadas por los herederos del fotógrafo, así como un amplio número de copias originales provenientes de los fondos del diario “La Vanguardia”. Asimismo, se complementa con publicaciones de la época.
Joan Andreu Puig Farran (1904-1982) jamás llegó a exponer sus obras en vida, aunque sí se publicaron en revistas y periódicos. Desde 1929 trabajó como reportero gráfico para varios diarios catalanes. Durante la Guerra Civil estuvo cubriendo los frentes de Aragón y Mallorca. Tras el fin de ésta se tuvo que exiliar en Francia, y acabó regresando en 1945 a Barcelona, donde ya no pudo trabajar en la prensa, por lo que se tuvo que dedicar a la fotografía publicitaria y turística. Junto con su amigo Antoni Campañà (1906-1989), creó en los años sesenta el sello de postales CYP, que tendría mucho predicamento durante dos décadas.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org

“Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, en la Serrería Belga

La exposición “Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, se podrá visitar hasta el 27 de julio de 2025 en el Espacio Cultural Serrería Belga (calle Alameda, 15, Madrid). Esta interesante exposición forma parte de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025 y nos ofrece un recorrido visual por cien años de historia europea, así como un diálogo entre el pasado y el presente, a través de una selección de fotografías de arquitectura, de la Colección de Helga de Alvear, galerista, marchante y coleccionista de arte de origen alemán, pero que vivió muchos años en Madrid y donde falleció a primeros de este año, a los 88 años.

Momentos históricos de transformación
Organizada en colaboración con el Museo Helga de Alvear (Cáceres), la exposición tiene como comisarias a Sandra Guimarães, directora de la institución, y María Jesús Ávila, su coordinadora. Ambas han articulado un relato expositivo en torno a tres momentos clave del siglo XX: el periodo posterior a la Primera Guerra Mundial, la crisis industrial de mediados de siglo y la reconfiguración geopolítica tras la caída del muro de Berlín. En estos contextos, la arquitectura se convierte en testimonio mudo, pero elocuente, de las transformaciones sociales, económicas y políticas que han marcado el devenir del continente.

Figuras fundamentales de la fotografía
La muestra reúne obras de figuras fundamentales de la historia de la fotografía, como Eugène Atget —con la imagen más antigua de las expuestas, 1904—, Bernd y Hilla Becher, Thomas Struth, Candida Höfer, Andreas Gursky y Axel Hütte, entre otros. En su obra, el espacio urbano —y no el retrato o el paisaje— se convierte en protagonista: fábricas abandonadas, interiores institucionales, barrios obreros y construcciones monumentales aparecen captados como reflejo de sociedades en proceso de transformación o desaparición.
Desde la estética documental de la “Nueva Objetividad” —movimiento artístico surgido en Alemania a principios de la década de 1920 como una reacción al expresionismo, que buscaba realizar una representación objetiva y realista de la realidad— hasta la sofisticación conceptual de la Escuela de Düsseldorf —basado en la “Nueva Objetividad” de treinta años antes y opuesto al estilo subjetivo de Otto Steiner (1915-1978)—, la exposición revela también la evolución del lenguaje fotográfico y su progresiva integración en los discursos del arte contemporáneo. En este sentido, “Después de todo” no ofrece una mera mirada histórica, sino también crítica, sobre los modos en que la fotografía ha interpretado y construido la memoria colectiva de Europa.

Recuerdo a Helga de Alvear
La sede de la muestra, el edificio de la Serrería Belga —una antigua estructura industrial de principios del siglo XX— contribuye significativamente al discurso expositivo. Su arquitectura dialoga de forma orgánica con las obras presentadas, amplificando su resonancia y profundidad simbólica. De hecho, María Santoyo, directora de PHotoEspaña, ha definido “Después de todo” más como una instalación que como una exposición.
Por su parte, Sandra Guimarães, destacó la figura Helga de Alvear, cuyo sueño era: “Transformar la vida de las personas a través del arte”. Asimismo, destacó su legado como coleccionista visionaria en una etapa en la que la fotografía no tenía apenas consideración de arte.
María Jesús Ávila también señaló que la clarividencia de Helga de Alvear sobre el momento de cambio en cuanto a la fotografía, y relató una anécdota de Art Basilea de 1990, cuando se impuso al director de la feria que quería relegar la fotografía con respecto al resto de las artes.
Ambas comisarias animaron a visitar el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear de Cáceres, depositario de la colección de esta gran galerista y coleccionista.

Para más información: https://www.serreria-belga.es/

La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, llega Palencia

La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, se podrá visitar en Palencia, del 3 al 30 de junio de 2025, dentro del festival Pallantiaphoto, que celebra su duodécima edición. Previamente, la exposición ha visitado Santander y otros lugares. Además, seguirá recorriendo otros ciudades de España en los próximos meses.

Profundización en la psicología de los personajes
Daniel Sánchez Alonso, fotógrafo madrileño con una amplia trayectoria desde 1993, colaborador de medios como “El País Semanal”, “Rolling Stone”, “Vanity Fair”, “Elle” y “FHM”, presenta su obra en el Museo de Palencia (Plaza del Cordón, 1). Esta muestra reúne una selección de más de 50 retratos editoriales realizados en blanco y negro a destacadas personalidades del espectáculo, el arte, la política y la cultura a lo largo de los últimos treinta años. El título “SMS”, que hace referencia a una época previa a los móviles inteligentes, donde la comunicación y la atención a los medios eran diferentes, busca evocar una sensación de conexión y conversación.
En sus retratos, el fotógrafo profundiza en la psicología de cada personaje, para intentar revelar su verdadera personalidad, más allá de la imagen pública, incluso disponiendo de menos de medio minuto, como cuando fotografió al grupo norteamericano “REM”.

Otras actividades
Además de la exposición, el próximo 13 de junio, a las 19 horas, Daniel Sánchez Alonso dará una charla sobre este trabajo en el Centro cultural Lecrác (avenida de Valladolid, 26), en la que compartirá su visión sobre el papel del retrato editorial en el contexto actual de comunicación cada vez más efímera y acelerada, centrándose en la autenticidad del personaje, la dirección durante la sesión, la estética de la sobriedad y la evolución del lenguaje visual, desde la prensa impresa hasta las plataformas digitales
El 14 de junio realizará un taller con el mismo título que la exposición en el Palacio Provincial de Palencia (calle Burgos, 1), con un grupo de sólo 12 personas, para el que es necesario inscribirse.

Catálogo
Asimismo, el fotógrafo ha promovido la edición de un catálogo, que ahora se halla en preventa y financiación colectiva. Una edición limitada, con más de 70 retratos e información sobre las sesiones donde se hicieron las fotos, de 112 páginas y un formato de 220 x 280 mm.

Para más información: https://dansanphoto.com/

https://www.pallantiaphoto.net

Lumínic, Festival de Fotografía 2025

El Festival de Fotografía Lumínic 2025 celebrará su sexta edición en su tradicional sede de Sant Cugat del Vallès (Barcelona), entre el 30 de mayo y el 13 de julio de 2025.
El tema central de la edición de este año son las relaciones de poder, que se concretan en cómo se visibiliza el poder establecido, cómo afecta a las relaciones humanas, las relaciones de poder cotidianas y cómo estrategias, tales como el control, la persuasión y la influencia pueden representarse a través de la fotografía. Los directores del festival son Amanda Bernal, Bernat Millet y Marc Vidal.

Un programa variado
La programación incluye doce exposiciones fotográficas, además de charlas, proyecciones y mesas redondas. Estas actividades se desarrollarán en diversos espacios emblemáticos de la ciudad, como el Museo del Monasterio de Sant Cugat, la Casa de Cultura, el Ateneu Santcugatenc, el Archivo Nacional de Catalunya, Mercantic, Cal Gerrer, Abacus, Concessionari Movento Sarsa Škoda, Sala de Exposiciones EMD Valldoreix, ERAI – Blanca Galeria d’Art, Ayuntamiento de Sant Cugat Del Vallès, Celler Modernista y la Biblioteca Gabriel Ferrater, entre otros.

Exposiciones destacadas
Entre las exposiciones destacadas se encuentran las de tres grandes fotógrafas invitadas: Nuria López Torres, con “Pelo malo”, sobre el orgullo afro de las cantantes cubanas de hip hop; Gloria Oyarzabal, con “Usus Fructus Abusus _ La Blanche et la Noire”, acerca de cómo los museos refuerzan imaginarios coloniales y supremacistas; y Paula Artés, que con “Energía sumergida” reflexiona sobre las relaciones de poder a través del caso de la plataforma Castor, un ejemplo de la capacidad de control de las empresas privadas sobre el Estado y su impacto ambiental.
Por su parte, Ángel Biyanueba presenta “Control”, un testimonio de la vigilancia masiva ejercida por el Estado; Valentín Valette muestra “Ashes of the Arabian’s Pearl”, en la que explora las jerarquías sociales en Omán y contrasta la migración laboral con la vida privilegiada de las familias omaníes nativas; y Javier Arboledas que con “Ciudad secreta” habla de la memoria de una ciudad soviética creada para el desarrollo de la energía atómica.

Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Franco
Con motivo de la conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Franco, que dio paso a la Transición y a la democracia, cuatro exposiciones se centrarán en estos periodos de nuestra historia reciente.
“El poder de la imagen y la imagen del poder: representación de la dictadura franquista en el Fondo Cabanas”, cuyo comisario es José Fernando Mota, muestra la vida social en Sant Cugat durante la dictadura a través de la cámara de Joan Cabanas Alibau (1907-1952), que deja patente en la omnipresencia de símbolos franquistas que ocultaban una realidad de hambre y represión. Por su parte, Jordi Pol (1949) presenta “Entre la multitud”, en la que se documenta la Barcelona de los años 60, 70 y 80. Carlos Bosch (1945-2020), con “Transmite Transición”, recoge sesenta imágenes que cubren desde 1976 a 1981, y donde se muestran las movilizaciones sociales que contribuyeron al fin del régimen franquista. Finalmente, Jordi Jon, ganador de la convocatoria abierta Lumínic 2025, expone su obra “Eroding Franco”, de la que hablamos extensamente en la edición impresa de FV 299.

Para más información: https://es.luminicfestival.com/