Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Novena edición del festival Panoràmic

La novena edición del festival Panoràmic se celebrará del 16 de octubre al 28 de diciembre de 2025, en las localidades de Granollers, Barcelona y Terrassa. Este festival, que se define como de cine, fotografía y más, contará este año en exclusiva con la obra de Hito Steyerl (1966), una de las artistas más influyentes del videoarte. Su propuesta se suma a las 20 exposiciones y más de 50 actividades culturales gratuitas abiertas a todos los públicos del festival.

Un nuevo orden visual
El eje temático de esta edición es “Break. Un nuevo orden visual”, que reflexiona sobre la ruptura y la reconfiguración del orden visual en un contexto de aceleración y profundos cambios en el primer cuarto del siglo XXI. Panoràmic 2025 examina cómo la producción de imágenes por agentes no humanos —especialmente a través de la inteligencia artificial— impacta en la autoría, la veracidad y la poética visual, proyectando posibles futuros de la cultura visual. Esta reflexión se materializa en las obras de un destacado elenco de artistas nacionales e internacionales.

Artistas nacionales e internacionales
Además de la obra de alemana Hito Steyerl, una de las artistas y pensadoras más influyentes en el campo del videoarte actual, quien presentará la exposición de gran formato “Hito Steyerl: Quicksand”, que incluye tres de sus videocreaciones más emblemáticas, se expondrá el trabajo de otros creadores internacionales de primer nivel, como Bruce Eesly (1984), con “New Farmer”, Chia Huang (1998), con “Silence is Speaking”, y otros artistas, como Franc Aleu (1966) y Mónica Rikić (1986).

Una programación diversa y multidisciplinar
Además de las exposiciones individuales, Panoràmic 2025 propone una programación diversa con proyectos colectivos, residencias artísticas en archivos y un sólido programa de pensamiento y debate, de forma que se consolida como un espacio de creación, reflexión y encuentro profesional.

Para más información: https://festivalpanoramic.cat/

Exposición “Leica. Un siglo de fotografía”

Como ya informamos aquí y, más extensamente, en la edición impresa de nuestra revista FV, Leica conmemora este año el centenario de su emblemática cámara Leica I. Aparte de otras actividades, en España se celebra con una magna exposición titulada “Leica. Un siglo de fotografía”, que se podrá ver hasta el 11 de enero de 2026 en el teatro Fernán Gómez - Centro Cultural de la Villa (Plaza de Colón, 4, Madrid).

Los fotógrafos que hicieron historia con una Leica en la mano
La exposición reúne 174 fotografías de destacados autores vinculados a Leica durante los siglos XX y XXI. La selección no sigue un criterio estrictamente cronológico, sino un hilo emocional, con imágenes capaces de contar una historia y transmitir “la magia de la mirada Leica” a través de diversas décadas, géneros y puntos de vista.
Entre los fotógrafos internacionales cuyas obras se exhiben se encuentran Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Alberto Korda, Ralph Gibson, Sebastião Salgado, Steve McCurry, Joel Meyerovitz y Jane Evelyn Atwood. Desde luego, también cuenta con una amplia participación de fotógrafos españoles, incluidos Agustín Centelles, Ricard Terré, Gonzalo Juanes, Manuel Sonseca, Clemente Bernard, Manolo Laguillo, Anna Turbau, Javier Campano y Alberto García-Alix, entre otros.
Además de las obras de grandes fotógrafos, la exposición ofrece un recorrido por la propia historia de Leica.
La comisaria Karin Rehn-Kaufmann, directora de la galerías de Leica de todo el mundo, ha declarado: “No sólo queríamos mostrar las fotografías más famosas e icónicas, sino también momentos personales, sorprendentes y llenos de intimidad. Nuestra selección no es estrictamente cronológica, sino que sigue un hilo emocional. Buscamos imágenes que cuenten una historia, que hagan tangible la magia de la mirada Leica, a través de décadas, géneros y puntos de vista. La cámara Leica es una herramienta, sí, pero son las personas que hay detrás de ella las que dan forma al momento. Por eso nos centramos en la voz visual única de cada fotógrafo”.
Un elemento destacado de la exposición es la escultura monumental de la emblemática Leica M6, conocida como Leica M6 XXL. Esta pieza, que fue vista por los responsables de esta revista cuando se presentó por primera vez en la feria Photokina de 1994, en la ciudad alemana de Colonia, rinde homenaje a la Leica M6, un modelo del que se fabricaron casi 175.000 unidades, entre 1984 y 2002, y que fue un instrumento clave para los mejores fotógrafos de la época, aún producido de forma casi artesanal en Alemania.
A la inauguración acudió, entre otras personalidades, Andreas Kaufmann, presidente del consejo de supervisión de Leica. Ese mismo día participó en una charla en el club privado, promovido por la revista homónima, Forbes House de Madrid, al que sólo se puede pertenecer, si se es admitido, previo pago de 4.000 euros de ingreso y una cuota anual de 4.800 euros.

Otras actividades
Durante el tiempo que dure la exposición, estará disponible una audioguía para que los visitantes puedan conocer detalles y curiosidades sobre las fotografías expuestas. Además, se ha organizado un programa de actividades que incluye coloquios y mesas redondas. El jueves 18 de septiembre se celebrará el coloquio “El papel del fotógrafo ante el riesgo de la imagen falsa de la IA”, con la participación del fotógrafo Álvaro Ybarra y de Rodrigo Rivas, Leica Akademie Manager. El jueves 25 de septiembre tendrá lugar “Leica 100: Historia de una evolución consciente”, con los fotógrafos Valentín Sama, Manolo Laguillo y Rodrigo Rivas, quienes explorarán la evolución técnica y la filosofía de la serie Leica M. El jueves 9 de octubre César Lucas y Bernardo Pérez, referentes del fotoperiodismo español, junto con Rodrigo Rivas, compartirán sus experiencias en la mesa redonda “Leica: Trabajo, trabajo y más trabajo”. Finalmente, el jueves, 16 de octubre, el fotógrafo Clemente Bernard y Rodrigo Rivas presentarán el coloquio “No hay tregua”, en el que Bernad compartirá su visión comprometida de la fotografía como un acto necesario para activar la capacidad crítica de las imágenes.

Para más información: https://leica-camera.com/es-ES

El Museo Nacional de Antropología convierte su valla exterior en una ventana al genocidio de Gaza

El Museo Nacional de Antropología (MNA) (calle Alfonso XII, 68, Madrid), dependiente del Ministerio de Cultura, ha transformado su valla protectora exterior en una galería al aire libre que denuncia, a través de imágenes de fotoperiodistas gazatíes de la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA), el genocidio y los crímenes de guerra cometidos por el gobierno de Israel en el territorio palestino de Gaza.

Exterminio, hambruna y desplazamientos forzados
Las fotografías retratan con crudeza la catástrofe humanitaria que viven desde hace casi dos años los más de dos millones de habitantes de esta parte de Palestina, sometidos a exterminio, hambruna y desplazamientos forzados por parte del ejército y el gobierno de Israel. Más de medio millón de personas sufren inseguridad alimentaria extrema, mientras el colapso de hospitales y escuelas debido a su sistemática destrucción por parte del gobierno de Netanyahu —contra quien pesa una orden internacional de detención por crímenes de guerra y de lesa humanidad emitida por el Tribunal Penal Internacional— convierte a Gaza en un lugar inhabitable. Según datos de UNRWA, el 90% de la población ha tenido que huir repetidamente de los constantes bombardeos y el 82% del territorio se encuentra bajo órdenes de expulsión, también se han reducido al mínimo los espacios que Israel denomina “seguros”.
La muestra también pone de relieve el trabajo de las 12.000 personas que integran la plantilla local de UNRWA, quienes, en medio de la devastación, ofrecen refugio, asistencia médica, apoyo psicosocial y servicios básicos a la población todavía superviviente. De esos trabajadores, han sido asesinados hasta ahora más de 500 personas.
“El objetivo de esta exposición es que la sociedad madrileña tome conciencia de una tragedia que a menudo queda reducida a cifras”, indican desde el museo. La instalación se puede visitar desde la calle a cualquier hora del día.

“Gaza a través de sus ojos”, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Además, como ya informamos aquí, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge la exposición “Gaza a través de sus ojos”, que también reúne imágenes de fotoperiodistas gazatíes y refuerza la denuncia de un pueblo sometido a exterminio y privación sistemática de los más básicos derechos fundamentales.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mnantropologia/portada.html

“Entre Bastidores”, en el Museu Pau Casals

El Museu Pau Casals (Av. Palfuriana, 67, Sant Salvador, Tarragona) acoge la exposición “Entre Bastidores. El Festival de Prada desde el objetivo de François Serre”, del 10 de julio al 31 de agosto de 2025. La muestra presenta 60 fotografías de los más de 900 negativos recientemente donados a la Fundación Pau Casals por el fotógrafo François Serre.

Orígenes y propósito del festival de Prada
El Festival de Prada se inició en 1950, con el primer concierto del Festival Bach, para conmemorar el bicentenario de la muerte de Johann Sebastian Bach. Este hecho marcó el inicio de los Festivales de Prada de Conflent, una cita musical que se celebra anualmente en esta localidad francesa del departamento de Pirineos Orientales. Pau Casals, exiliado en Prada desde el fin de la Guerra Civil, en 1939, fue quien consolidó el festival en 1950, lo que transformó a la localidad en un espacio de encuentro internacional para destacados intérpretes de la música. Durante dos semanas, Prada se convertía en un centro de convivencia donde la música y la amistad se entrelazaban entre los artistas.

Participantes destacados
El festival atrajo a numerosas figuras de renombre, como Alexander Schneider, Isaac Stern, Joseph Szigeti, Paul Tortelier, Rudolf Serkin, Eugene Istomin, Clara Haskil, Mieczysław Horszowski, Yehudi Menuhin, Wilhelm Kempff, David e Igor Oistrakh, Sándor Végh, Julius Katchen y Christian Ferras. Desde la década de los sesenta, François y Michel Serre, apasionados por la fotografía, documentaron el festival. Michel Serre se encargaba de la organización diaria del festival, gestionando contratos, ventas y reuniones con el director, entre 1955 y 1966, Enric Casals, hermano de Pau Casals.
La exposición presenta, en su mayoría, fotografías captadas en la sacristía de la iglesia de Saint-Pierre, un espacio que actuaba como el verdadero núcleo del festival y lugar de reunión para músicos, organizadores y periodistas. “Este espacio, aparentemente discreto, se convertía durante el festival en un verdadero centro neurálgico para aquellos que conocían sus secretos. Reinaba una atmósfera singular: íntima, acogedora y profundamente humana. Pau Casals, figura central de este entorno, compartía allí con naturalidad su sencillez, su calidez y una alegría contagiosa”, señala François Serre. Con sus cámaras Leica, Serre logró captar instantes de complicidad y escenas irrepetibles que ahora pueden volver a contemplarse.

Para más información: https://www.paucasals.org/es/

Exposición “14 millones de ojos”, con fotografías de la colección del Museo Centro de Arte Dos de Mayo

La Comunidad de Madrid presenta la exposición “14 millones de ojos. Colección, fotografía, público”, en la Sala Canal de Isabel II (calle Santa Engracia, 125), hasta el 11 de enero de 2026. Esta nueva exposición no sólo exhibe el patrimonio fotográfico de la Comunidad, sino que también narra la propia historia de esta singular sala, habilitada en un antiguo depósito de agua, a lo largo de tres décadas.
“14 millones de ojos. Colección, fotografía, público” —un par de ojos por cada uno de los siete millones de madrileños—, lejos de ser una mera retrospectiva, es una autorreflexión institucional. A través de 175 imágenes seleccionadas entre un total de casi 3.000, la exposición ofrece una cuidada selección de la colección fotográfica regional, depositada en el CA2M (Museo Centro de Arte Dos de Mayo). Como señala su comisaria, Olga Fernández López (en la foto), se trata de una colección “heterogénea” y “fruto de distintas políticas”, que constituye un relato fascinante que ahora se abre a la mirada de sus legítimos dueños: los madrileños.

Un viaje ascendente
La arquitectura de la Sala Canal de Isabel II, ubicada en un antiguo depósito de agua elevado, de estructura vertical, inaugurado en 1912, sirve de armazón perfecto para el relato pergeñado por la comisaria de la exposición. En lugar de una línea de tiempo convencional, la exposición se organiza en cuatro grandes ejes temáticos, uno por planta, que interrogan a la propia colección desde distintas perspectivas: el lugar, el tiempo, el medio y el cuerpo.

Planta baja: En este lugar, Madrid
La muestra arranca con una inmersión en la ciudad de Madrid, que no es aquí un mero escenario, sino un protagonista multifacético. Para ello, se aprovecha la singular arquitectura del antiguo depósito de agua. En las capillas —huecos que arropan los arranques de los machones que sustentan la edificación— se encuentran los habitantes, captados por la mirada singular de Ouka Lele (1957-2022), la fotografía de calle de Luis Baylón (1958-2023) y la maestría documental de Ramón Masats (1931-2024). En las paredes perimetrales cuelgan los paisajes de sus periferias y descampados, retratados por artistas como Javier Campano (1950) y Clemente Bernad (1963).
La primera fotografía, hecha por el holandés Cas Oorthuys (1908-1975), en 1955, establece el punto de partida de la exposición, que concluye con la última adquisición fotográfica, exhibida en la planta más alta, de Lúa Ribeira (1986), la cual nos recuerda que la imagen de Madrid siempre ha sido una construcción de miradas, tanto propias como ajenas, de dentro y de fuera.

Primera planta: En este tiempo, el giro de los noventa
Al ascender a la primera planta, el visitante encuentra una “foto fija” de un período crucial, tanto para la sala como para la fotografía en Madrid: los años comprendidos entre 1993 y 2000. Esta sección reconstruye el momento en que la fotografía española experimentó una profunda redefinición, en gran parte gracias a la labor del comisario y gestor cultural Rafael Doctor Roncero, injustamente tratado en su salida del MUSAC y, de forma aún más sangrante, en la del Centro Andaluz de Fotografía en 2019.
Su trabajo en la Sala Canal de Isabel II resultó fundamental para alejar la fotografía de su anclaje puramente documental y acentuar el aspecto subjetivo del medio. A través de catálogos y obras de exposiciones clave como “Impuros” o “Miradas y visiones”, la muestra actual explora como la fotografía se desplazó hacia el arte contemporáneo. Esta sección también evoca la iniciativa democratizadora llamada “Canal Abierto”, que fue una propuesta radical en la que se ofrecía a cualquier creador la posibilidad de exponer su obra libremente durante unos días en la sala, sin tener que someterse a criterios de selección previos.

Segunda planta: En esta fotografía, el medio se cuestiona
El recorrido continúa con un giro reflexivo. La segunda planta reúne obras de finales de los noventa y principios de los dos mil que interrogan la naturaleza misma del medio fotográfico. Artistas como Joan Fontcuberta (1955), Jorge Ribalta (1963) y Javier Vallhonrat (1953) utilizan la ficción, la maqueta y la ironía para cuestionar la capacidad de la fotografía para reflejar la verdad. A través de sus obras, se exploran las paradojas y ambivalencias de la imagen en una revisión de los géneros tradicionales como el paisaje o el bodegón.

Tercera planta: En este cuerpo, identidades en construcción
Finalmente, la planta superior está dedicada a la representación del cuerpo más allá del retrato y del desnudo clásicos. Esta sección aborda la representación de los cuerpos desde diversos puntos vista. Obras de artistas como las de Carmela García (1964) y de Costa Badía (1981) dialogan con la última adquisición de la colección que cierra la muestra, la mencionada obra de Lúa Ribeira, donde la imagen, perteneciente a la serie “Agony in the Garden”, expuesta en PHotoEspaña 2024, muestra a una joven vinculada a las escenas del “trap” y el “drill” en el momento de hacerse un autorretrato, un gesto que sólo se puede entender al ver proyectada en el suelo la sombra de su móvil.
La riqueza de obras y miradas que ofrece este recorrido por los fondos fotográficos de la Comunidad de Madrid no es casual, sino el resultado tangible de unas políticas culturales sostenidas, pero que han ido cambiando en el tiempo. Desde la etapa contemporánea y seminal de Rafael Doctor, hasta el posterior retorno a la fotografía documental —que podríamos llamar clásica—, se configura un relato que permite entender la colección en toda su amplitud.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-14-millones-ojos

“American people”, en el Museo Carmen Thyssen de Málaga

El Museo Carmen Thyssen de Málaga (calle Compañía, 10) ha presentado su nueva exposición “American people. Fotografía documental americana (1930-1980)”, consistente en una retrospectiva que recorre medio siglo de fotografía documental estadounidense, a través de las obras de once de sus autores más influyentes. La muestra, que reúne ochenta imágenes de la Colección José Luis Soler Vila, podrá visitarse hasta el 13 de octubre de 2025.

Un recorrido por medio siglo de fotografía documental
La exposición ofrece una extensa panorámica de la vida cotidiana en Estados Unidos desde prismas muy diversos, de la mano de fotógrafos consagrados. La fotografía de estilo documental es un género basado en el registro de la realidad, que conecta con el testimonio histórico, el retrato, la vida en la calle, la sociología, la denuncia social, la ironía y la narración. Entre las ochenta fotografías expuestas, algunas son míticas, como la de Garry Winogrand de Marilyn Monroe, captada durante la filmación de la película “La tentación vive arriba”, dirigida por Billy Wilder, en 1955.
La Sala Noble del Museo Thyssen acoge la primera parte de la exposición, que abarca la fotografía documental de la vida cotidiana estadounidense entre 1930 y 1980, entre las que se incluyen imágenes de personajes anónimos y celebridades, calles lujosas y barrios marginales, en blanco y negro y en color.
La selección incluye a figuras esenciales de la fotografía estadounidense como Walker Evans (1903-1975), quien sentó las bases del documentalismo en los años treinta. Las décadas de los cuarenta y cincuenta están representadas por Helen Levitt (1913-2009), Louis Faurer (1916-2001), Robert Frank (1924-2019), Harry Callahan (1912-1999) y Garry Winogrand (1928-1984). El giro hacia un documentalismo más subjetivo en los años sesenta lo protagonizan Lee Friedlander (1934), Imogen Cunningham (1883-1976) y Tod Papageorge (1940). El recorrido cronológico concluye en los setenta con Susan Meiselas (1948) y en los ochenta con Anthony Hernandez (1947).

El universo de Studio 54, en “Beautiful People”
El recorrido expositivo se completa en el Espacio ArteSonado del museo, situado en la misma primera planta del Palacio de Villalón. Allí se presenta “Beautiful People”, colección de treinta fotografías en blanco y negro realizadas por Tod Papageorge (1940) en el mítico club nocturno neoyorquino Studio 54, a finales de los setenta. Abierto en Manhattan de abril de 1977 a febrero de 1980, Studio 54 fue el corazón de la vida nocturna más exclusiva de la Gran Manzana. Allí se dieron cita celebridades y figuras del cine, las artes y la política, así como fiesteros y golfos de diverso pelaje en busca de visibilidad, pero todos ellos admitidos a través de una rigurosa selección.

Colaboración y compromiso con la fotografía
Esta exposición es la tercera colaboración entre el Museo Carmen Thyssen Málaga y la Colección José Luis Soler Vila, gracias a la generosidad de Susana Lloret, viuda de José Luis Soler Vila (1956-2024). De la gestión de este fondo se encarga la Fundació Per Amor a l’Art, fundada por Soler Vila —copropietario de Ubesol, empresa cofundada por su padre, y fabricante de los productos Deliplus y Bosque Verde, que comercializa Mercadona— y su esposa, en 2014. La colección se compone de más de 2.500 obras, de las cuales casi 2.200 son fotografías. La fundación es muy activa a la hora de organizar exposiciones en su sede del Bombas Gens Centre d’Arts Digitals (Valencia), así como en la cesión de sus fondos a otras instituciones, como en este caso.

Para más información: www.carmenthyssenmalaga.org

Exposición sobre la huella humana en la naturaleza, en el Museo Nacional de Ciencias Naturales

Hasta el 15 de febrero de 2026 se podrá visitar la exposición fotográfica “De la mano con la conservación”, de Javier Lobón-Rovira. en el Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN-CSIC) (Calle de José Gutiérrez Abascal, 2, Madrid). Con más de veinte imágenes y paneles informativos, esta exposición busca dar visibilidad a personas y organizaciones que trabajan por la protección de la biodiversidad. Las manos humanas y los animales son los protagonistas de estas imágenes, donde el fotógrafo ecologista refleja la estrecha relación entre ambos.

Concienciación y reconocimiento
Según Borja Milá, vicedirector de Exposiciones del MNCN, el impacto humano ha provocado la desaparición de más del 60% de los vertebrados terrestres en los últimos cincuenta años. La exposición pretende sensibilizar sobre esta crisis ambiental y reconocer la labor de quienes dedican su vida a conservar y recuperar la naturaleza.

Autor y trayectoria
Javier Lobón-Rovira, biólogo y fotógrafo ecologista asturiano, es doctor en Biodiversidad por la Universidad Complutense de Madrid y especialista en la conservación de la herpetofauna africana. Ha colaborado en proyectos en países como Canadá, Estados Unidos, Costa Rica, Madagascar y Angola. Sus investigaciones se centran en la evolución de reptiles y anfibios del sur de África, sus fotografías se han publicado en medios como “National Geographic”, “Africa Geographic” y “Quercus”.

Para más información: https://www.mncn.csic.es

El Centro Nacional de Fotografía español inicia sus actividades

El Centro Nacional de Fotografía de España, con sede en la ciudad de Soria, se convierte hoy en el epicentro de la fotografía nacional, con la inauguración de la exposición “La elocuencia de la imagen. Català-Roca en América”. Esta primera exposición, que marca el inicio de las actividades del Centro Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura, se podrá visitar en el Centro Cultural Gaya Nuño (calle Económica, 26, Soria) hasta el 28 de septiembre. La exposición ofrece un recorrido, en gran parte inédito, por la obra en color del prestigioso fotógrafo Francesc Català-Roca (1922-1998), con una mirada específica a la América de los años setenta del pasado siglo.

Recorrido por América
La exposición presenta 225 imágenes, seleccionadas entre los más de 7.000 negativos que Català-Roca realizó durante sus viajes por el continente americano en la década de los años setenta. Estos viajes, que comenzaron en México en 1973 y concluyeron en Ecuador en 1979, formaban parte de un encargo de la Editorial Blume para ilustrar catálogos de arte popular americano. Sin embargo, fiel a su mirada característica, Català-Roca trascendió el objetivo inicial, captando no solo los objetos de producción artesanal, sino también las condiciones y formas de vida de una sociedad tradicional en vías de desaparición.
La fotografía de Català-Roca se distingue por su capacidad de captar el entorno social, político y cultural, prestando atención a los detalles de la cotidianidad. En sus imágenes, los protagonistas son las personas —hombres, mujeres y niños— y su relación con el entorno, a través de sus usos y costumbres. El fotógrafo registró los profundos cambios sociales que experimentaba Latinoamérica en esos años, manifestados en nuevas modas o materiales, como plásticos en lugar de cerámica o telas industriales. Sus imágenes revelan paisajes y habitantes, formas de producción artesanal, mercados, tradiciones y ritos. Aunque no aborda directamente las dictaduras, guerras civiles o problemas de pobreza y vivienda que marcaban muchos de los países que visitó, estas realidades aparecen de forma sutil, como, por ejemplo, en los retratos de personas que transportan sus artesanías con medios precarios, a menudo usando su propio cuerpo. La exposición promete una mirada social y cultural de la América en los años setenta, reflejando la misma capacidad de Català-Roca para revolucionar la fotografía callejera en España.
Además de las fotografías, la muestra incluye documentación relacionada con los viajes del artista, como las cámaras empleadas, listados de fotografías seleccionadas por él mismo, positivos de época y recortes de prensa. También se exponen publicaciones de los catálogos de artesanía popular de Editorial Blume, incluyendo maquetas, planchas de grabados, contratos de edición y los propios catálogos, fruto de la investigación de la documentalista Núria Gil Ros.

El Centro Nacional de Fotografía ya es una realidad
El Centro Nacional de Fotografía, impulsado por el nombramiento de Mónica Carabias como directora del mismo, el pasado mes de enero de 2025, inicia así su ansiada trayectoria.
Aunque esta primera exposición se celebra en el Centro Cultural Gaya Nuño, esta ubicación es temporal mientras avanzan las obras de acondicionamiento de su futura sede permanente en el antiguo edificio del Banco de España de Soria, un proyecto con una inversión de 8,5 millones de euros y cuya finalización está prevista para el segundo semestre del próximo año.
El Centro Nacional de Fotografía no solo albergará exposiciones, sino que también tiene planes ambiciosos para el último trimestre del año, incluyendo la organización de las I Jornadas Fotográficas del Centro Nacional de Fotografía, talleres de formación y otras propuestas.
Asimismo, gestiona una línea de ayudas específicas para el ámbito de la fotografía, convocadas por primera vez este año y dotadas con un millón de euros, destinadas a entidades que desarrollen proyectos de creación o difusión fotográfica.
Con esta ambiciosa inauguración, Soria se posiciona como un referente clave en el panorama fotográfico español.