Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Existencias”, de Miguel Trillo, en la galería Swinton Gallery

La exposición “Existencias” ofrece una visión panorámica de la trayectoria del fotógrafo Miguel Trillo, quien ha captado la esencia de las tribus urbanas y la estética juvenil a lo largo de casi cinco décadas. Desde sus inicios documentando la Movida madrileña, este fotógrafo ha explorado la identidad de los jóvenes en contextos tan diversos como el hip hop, el universo del manga y las megaciudades asiáticas.
La muestra, que se puede ver en la galería madrileña Swinton Gallery (calle Miguel Servet, 21), destaca por la puesta a la venta de piezas originales en distintos formatos —copias fotográficas, fanzines y sellos— que reflejan su enfoque artístico singular. Los precios son increíblemente asequibles, pues se podrá comprar una obra original del autor desde 150 a 500 euros.

Una gran obra
La obra de Miguel Trillo ha recibido importantes galardones y reconocimientos, además de formar parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas, lo que consolida su estatus como cronista visual imprescindible de las subculturas contemporáneas.
La exposición se puede visitar en la galería Swinton hasta el 21 de marzo de 2026.

Para más información: https://swintongallery.com/

FotoFest Cartagena 2026

El festival FotoFest Cartagena 2026 se presenta como una nueva bienal fotográfica que celebra la profunda vinculación histórica de la ciudad con este arte, relación que se remonta al nacimiento de la fotografía. Este festival pretende transformar el entorno urbano de Cartagena en un escenario cultural diverso, con una amplia variedad de exposiciones y actividades, que exploran cuestiones como la identidad, la memoria y la realidad social contemporánea.
Con la participación de diversas instituciones, FotoFest Cartagena rinde homenaje a figuras consagradas como Josep Maria Ribas i Prous (Barcelona, 1940), al tiempo que impulsa el talento contemporáneo de la Región de Murcia. La programación incluye una innovadora muestra al aire libre denominada “Caleidoscopio”, concebida para integrar la imagen visual de 66 autores en el espacio público y en la vida cotidiana de los ciudadanos. Esta iniciativa busca consolidar a Cartagena como un referente del pensamiento visual y la creación artística contemporánea, mediante un diálogo plural, abierto y participativo. El festival, que se desarrollará en un total de catorce espacios repartidos por toda la ciudad, se podrá visitar hasta el 12 de abril de 2026.

Ejes temáticos y exposiciones destacadas
La programación se estructura en torno a distintos ejes que abordan la realidad social, la introspección y la tradición. Entre las exposiciones más destacadas, además de la de homenaje dedicada a Josep Maria Ribas i Prous, se encuentran:

• “Hijas de ningún Dios”, de Nuria López Torres (Barcelona, 1968). Se trata de un proyecto que da voz a las víctimas de feminicidios y de las redes de trata de personas en México. Mujeres y niñas cuyos casos revelan la negligencia policial y el “maquillaje” estadístico de una violencia estructural que superó las diez mujeres asesinadas al día, en 2024.
• “Vida después de Chernóbil”, de Quintina Valero Martínez. Testimonio de resistencia en la zona de exclusión de Ucrania, donde comunidades conviven con el “enemigo invisible” de la radiación en condiciones tremendamente difíciles, agravadas por la actual guerra en Ucrania, tras la invasión rusa.
• “08001”, de Sasha Asensio. Presenta un mapa humano del barrio barcelonés de El Raval, en Barcelona, que utiliza el retrato para documentar un “laboratorio social” donde conviven diversas lenguas, religiones e identidades de género.
• “Tenebrae”, de Fátima Ruiz. Exploración de una “belleza incómoda” y oscura. A través del autorretrato, la autora utiliza su propio cuerpo como herramienta de autoexploración y confesión silenciosa, que invita al espectador a un ejercicio de introspección.
• “Hispania Sacra”, de Carmenchu Alemán. Ofrece un recorrido por la iconografía simbólica de lo sagrado en la Península Ibérica, que analiza cómo la herencia pagana y la cristiana se entrelazan en ritos contemporáneos que pueden parecer extraños o incluso grotescos.
• “Menonitas”, de Miguel Bergasa (Pamplona, 1951). Proyecto de documentación de las transformaciones en la colonia menonita de “Old Colony”, en Paraguay, durante 36 años. El proyecto cierra un ciclo al observar cómo la tradición cede ante el progreso y cómo los menonitas se adaptan o emigran a comunidades más tradicionales en otros lugares de América.
• “Garum”, de Antonio González Caro (Conil de la Frontera, Cádiz, 1984). Presenta una visión personal sobre la pesca del atún en las almadrabas. El autor convivió tres temporadas con los pescadores, integrándose en sus rutinas de trabajo para captar la atmósfera y la humanidad detrás de este ancestral arte de pesca.
• “Conversaciones en silencio”, de Julio López Saguar (Madrid, 1954). Ofrece una invitación a observar los objetos y rincones olvidados de la existencia humana, que actúan como testigos mudos del paso del tiempo.

Para más información: https://fotofest.cartagena.es/

El colectivo Al’Akhawat, en la Universidad Autónoma de Madrid

La propuesta artística “Y el oeste no existía”, del colectivo Al’Akhawat, se exhibirá en la sala de exposiciones de la Universidad Autónoma de Madrid (plaza Mayor, 1.ª planta, Campus de Cantoblanco), del 23 de febrero al 10 de abril de 2026.
La muestra recurre a la ficción especulativa y a objetos cotidianos para visibilizar recorridos migratorios y espacios geográficos que suelen quedar fuera de los mapas oficiales. A través de una combinación de superficies textiles, paisajes sonoros y documentos, los artistas exploran la memoria de la diáspora del norte de África en España. El proyecto pretende desafiar las narrativas convencionales sobre el territorio e invita al espectador a participar en una reescritura cartográfica, basada en gestos y experiencias personales.

Colectivo Al’Akhawat
El Colectivo Al’Akhawat (La Hermandad) es un grupo artístico y cultural con sede en Madrid, formado por artistas, poetas e investigadores de la diáspora marroquí en España. Su trabajo —que incluye exposiciones, talleres y publicaciones— explora la pertenencia múltiple, las realidades de la población migrante y la intersección entre lo personal y lo comunitario.
El Colectivo está integrado por Sanae El Mokaddim Ayadi, Youssef Taki Miloudi, Karim Khourrou Gadour, Oumaima Manchit Laroussi, Aicha Josefa Trinidad Gououi y la colaboradora Salma Bechar Aatif.

Para más información: https://www.uam.es/uam/oficina-actividades-culturales-sala-exposiciones

“El Prado multiplicado”, en el Museo del Prado

“El Prado multiplicado” es una exposición que conmemora el papel de la fotografía como herramienta esencial para la difusión y memoria visual del madrileño Museo del Prado desde el siglo XIX. La muestra se podrá visitar hasta el 5 de marzo de 2026 en la sede del museo (Paseo del Prado, s/n, Madrid).

Fotografía: de registro funcional a disciplina artística
A través de una cuidada selección de 44 obras, la exhibición pone de relieve cómo las reproducciones fotográficas permitieron que las obras maestras, tanto pictóricas como escultóricas, depositadas en el museo, alcanzaran una proyección internacional y, al mismo tiempo, documentaran la evolución de las salas del museo. El recorrido expositivo muestra el uso de diversos formatos históricos, como la albúmina, el carbón y la gelatina, así como procedimientos fotomecánicos —tarjetas de visita y tarjetas postales—, además de estereoscopías, realizados por fotógrafos pioneros como Juan Laurent (1816-1886) y José Lacoste (1872-¿?), entre otros.
Más allá de su valor artístico, estas imágenes funcionan como un archivo patrimonial de gran relevancia, que revela disposiciones museográficas y detalles arquitectónicos hoy desaparecidos. La colección subraya así la transición de la fotografía desde un medio de registro funcional hasta su consolidación como una disciplina artística con entidad propia dentro de los fondos de la institución.
En definitiva, la exposición sirve para hacer un recorrido técnico e histórico, que muestra cómo la imagen fotográfica ha servido para construir, desde su uso sistemático a partir de 1860, la identidad pública del Museo del Prado.

Para más información: https://www.museodelprado.es/

“Letra y compás”, de Chema Madoz, en el Centre del Carme de València

El fotógrafo madrileño Chema Madoz (1958) presenta su exposición “Letra y compás” en el Centre del Carme de València (carrer Museu, 2). La muestra, que propone un recorrido visual que fusiona el surrealismo característico del autor con los universos de la literatura y la música, se podrá visitar del 6 de febrero al 17 de mayo de 2026.
A través de composiciones simbólicas y poéticas, las imágenes se articulan en lo que se podría definir como una sinfonía visual acompañada por reflexiones de diversos pensadores. La exposición está organizada por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, bajo la coordinación de Juan Pedro Font de Mora, director de la librería y galería Railowsky, de Valencia, especializada en fotografía.

Para más información: https://www.consorcimuseus.gva.es/

“Guardianas de la Bahía”, de Antonio Aragón Renuncio, en Santander

La exposición “Guardianas de la Bahía. La última mariscadora de la bahía de Santander” presenta el sentido trabajo del fotógrafo Antonio Aragón Renuncio, con el que rinde homenaje a las recolectoras de marisco de Santander. La muestra, que se podrá visitar hasta el 19 de abril de 2026, en el Palacete del Embarcadero de la capital cántabra (calle Muelle Calderón, s/n), se centra específicamente en la figura de Geli, quien representa a la última profesional que mantiene viva esta tradición laboral en un entorno abocado a la extinción.
A través de una instalación multimedia, el autor busca visibilizar el sacrificio histórico de las mujeres que se enfrentaron a climas adversos y mareas vivas para sustentar a sus familias. El proyecto documenta visualmente una actividad económica ancestral, que ha sido fundamental para la identidad de las riberas de la bahía de Santander durante siglos y resalta la importancia de preservar la memoria colectiva y las crónicas de heroínas anónimas, antes de que su oficio desaparezca por completo.

Antonio Aragón Renuncio regresa a su tierra natal
Antonio Aragón Renuncio (1971), reconocido fotógrafo documental santanderino, galardonado internacionalmente y de quien publicamos un porfolio en FV 267, es el artífice de este proyecto. Tras una dilatada y exitosa carrera en el panorama fotográfico internacional —actualmente está radicado en Puerto Rico—, regresa a Cantabria para enfocar su cámara en las realidades de su tierra.
El propio autor describe a las mariscadoras con una fuerza expresiva que evoca su carácter indomable: “Mujeres, siempre mujeres. Aguerridas. Valientes, trabajadoras, resolutivas y con carácter. Anónimas. Siempre pendientes de la familia, los hijos, la casa, los animales y, sobre todo, del clima y de los flujos y reflujos de las mareas. Atentas a los matices en el rolar de los vientos. Que alzaban sus ojos, pidiendo a los santos del cielo esquivar, un día más, a los perturbadores solano y ábrego, que soliviantaban y enfurecían las aguas que inundaban los altos, incitando a las almejas a no marcar sus ojos”.

Inmersión en una realidad olvidada
La visión de Antonio Aragón Renuncio se materializa en un “ensayo, concebido a modo de instalación multimedia”, formato que trasciende la fotografía estática para sumergir al espectador en el universo sensorial y laborioso de Geli, en los bajíos de la bahía de Santander. Sobre ella escribe: “Geli, siempre Geli. De sonrisa furtiva y hablar directo. Sin pelos en la lengua. Ruda a la par que cariñosa y cercana. Dura heroína de ojos francos. Chicarrona del norte. Del norte de verdad. De ese norte que se levanta temprano. Del que nunca deja de trabajar, allá en los altos o en la casa, o en cualquier otro lado. Ella es, aunque le duela reconocerlo e intente eludir todo lo posible ese dudoso honor, la última amayuelera. La última mariscadora de nuestra querida bahía de Santander. La verdadera guardiana de sus aguas… y sus secretos”. Amayuelas es un término pejino, con el que se denomina en la costa cántabra a las almejas.
Las fotografías, realizadas entre octubre de 2024 y febrero de 2025, principalmente en lugares como Pedreña y la ría de Cubas, captan la esencia de esta labor en su entorno natural.

Para más información: https://www.puertosantander.es/es/noticias/guardianas-de-la-bahia

“Urban & nature 2”, de José Arias Cuevas, en el centro de exposiciones FIAP de Antequera

José Arias Cuevas presentará su obra “urban & nature 2” en el centro de exposiciones FIAP de Antequera (calle Carreteros, 8), del 6 y al 27 de febrero de 2026.
A través de una fotografía en blanco y negro de cuidada factura, Arias busca transformar la realidad en pura emoción pura. El autor define su trabajo como “el resultado de una constancia innegociable y un esfuerzo continuado, herramientas que utilizo para volcar mis sensaciones interiores sobre el papel fotográfico”.

Para más información: https://cultura.antequera.es/?agenda=jose-arias-cuevas-urban-nature2

“Ramón Masats. Visit Spain”, en el Centro Niemeyer

El Centro Niemeyer (Avenida del Zinc, s/n, Avilés, Asturias) ha anunciado la próxima inauguración de la exposición “Ramón Masats. Visit Spain”, la cual recorre la geografía de España entre los años 1955 y 1965, a través del objetivo de Ramón Masats, uno de sus fotógrafos más insignes. La exposición, cuyo comisario es Chema Conesa (1952), podrá visitarse del 30 de enero al 10 de mayo de 2026.

Más allá de los tópicos
Esta exposición se adentra en el periodo de apertura del régimen franquista, etapa marcada por el fin de la autarquía y una apertura diseñada por el gobierno con la creación del Ministerio de Información y Turismo en 1951 y el subsiguiente Plan Nacional de Turismo de 1953. Fue en este escenario de promoción turística oficial donde Ramón Masats inició su viaje.
Entre ritos folclóricos, costumbres castizas y ceremonias religiosas, la cámara de Masats revela como una herramienta de análisis desvela el contraste entre la propaganda y la realidad. Sus imágenes documentan un país atrapado en la pobreza material, laminado en lo social y acérrimo en su atadura religiosa, construyendo un panorama que va más allá de la mera descripción.

Ramón Masats, cronista de una era

La obra de Ramón Masats (1931-2024) es inseparable de la historia de la fotografía española, ya que fue uno de los protagonistas clave en la renovación del reportaje documental durante la década de los años sesenta. Su influencia se ha extendido a lo largo de generaciones.
Masats inició su fascinación por el reportaje en 1953, demostrando desde sus primeras obras un gran instinto para captar el espectáculo de la vida sin invadir ni manipular la realidad. Junto a fotógrafos como Xavier Miserachs, Ricard Terré y Oriol Maspons, participó activamente en la modernización de la disciplina, proponiéndose documentar el tiempo y el país que le tocó vivir.
A partir de 1965, Masats dio un giro a su carrera, dejando temporalmente la fotografía para dedicarse a la realización de cine y televisión. En concreto, dirigió documentales para Televisión Española como “Conozca usted España” y dirigió películas de ficción, como “Topical Spanish”. En 1981 regresó a la fotografía, adoptando casi exclusivamente el color y publicó diversos libros. Su trayectoria fue reconocida con una gran muestra antológica en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en 1999 y, de forma definitiva, con el prestigioso Premio Nacional de Fotografía en 2004.

Para más información: https://www.centroniemeyer.es