Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Ramadani-ART”, 30 días de luz y ayuno, por Adil Azemat

Adil Azemat (1981), fotógrafo y miembro activo del colectivo PhotoEstepona, conocido por nuestros lectores por el hermoso porfolio publicado en FV 242, se encontraba sumido en un impasse creativo. Sin embargo, el Ramadán de 2024 no fue para él sólo un periodo de observancia religiosa, sino el catalizador de una transformación estética orientada a atrapar lo efímero.

30 días, 30 fotos
Con un móvil de gama media, porque el arte no reside en el aparato, sino en el ojo, —un Xiaomi Redmi 11 Pro— y la aplicación Snapseed, Adil Azemat se autoimpuso la labor de hacer una foto por cada uno de los días del Ramadán: 30 días, 30 fotos. Su objetivo: captar, editar y publicar una imagen diaria inmediatamente después de romper el ayuno, cuando el sol desaparece y no se puede distinguir un hilo blanco de un hilo negro, el llamado “iftar”.
Esta autoexigencia diaria, esta “obligación” de publicar una foto cada día tras el “iftar”, funciona como una forma de disciplina creativa, a modo de ascesis creativa. Se podría establecer una conexión entre el hambre física de quien ayuna durante un día y la búsqueda de una “nutrición visual”, algo que cualquier fotógrafo necesita. La disciplina del ayuno aquí no sería una cárcel, sino un andamio, un ritual fotográfico diario que sirve para entrenar la mente en la resiliencia, lo que viene a demostrar que la inspiración no es un hecho fortuito, sino el resultado de un compromiso permanente con la observación.
El conjunto presenta una notable diversidad estética, con propuestas que abarcan desde el minimalismo y la arquitectura hasta el collage y la naturaleza; siempre desde la sensible y avezada mirada de Adil Azemat.

Colectivo PhotoEstepona
Aunque radicado en Estepona (Málaga), el colectivo PhotoEstepona está abierto a cualquier amante de la fotografía. En ese sentido nos recuerda a la histórica de AFAL, aquella agrupación fotográfica almeriense que acogió a fotógrafos de distintos lugares.
La exposición “Ramadani-ART”, se podrá visitar en la sede del colectivo (calle Tres Banderas, bloque 4, local 1, Estepona, Málaga), del 10 de abril al 23 de mayo de 2026, los viernes y sábados, de 19:00 a 21:00.

Para más información: https://photoestepona.es/

“Háptica", de Joan Fontcuberta, en la Fundación Unicaja de Sevilla

La exposición “Háptica”, de Joan Fontcuberta, tras su paso por el Centro Cultural Fundación Unicaja de Almería, se podrá visitar ahora, desde el 17 de marzo hasta el 19 de julio, en el Centro Cultural Fundación Unicaja de Sevilla (Avenida de la Palmera, 45)

Háptica
La muestra, que incluye 55 obras pertenecientes a cinco series, ofrece una aproximación a la visión de la fotografía contemporánea del artista. La exposición propone recuperar la fisicidad, la textura y el deterioro como vías para revalorizar la imagen como objeto frente al flujo incesante de lo visual en pantallas y redes sociales. Por eso su nombre es “Háptica”, es decir, que se puede percibir a través del tacto.
De este modo, la propuesta acerca al público la dimensión táctil y material de la imagen mediante fotografías fragmentadas, erosionadas y manipuladas, que adquieren, en ese estado, un nuevo tipo de presencia más cercano a la pintura y a la escultura.
Es la primera vez que se muestran en España la serie “Élevage de Poussière” (2022-2024), presentada por el artista en Venecia y en la que retrata documentos de los archivos nacionales italianos a través de un microscopio electrónico. Además, se incluyen una docena de imágenes del proyecto “Dermis” (2018), centrado en el paso del tiempo y la memoria, a través del grafoscopio del Museo del Prado. Y, finalmente la serie “Acheronta Movebo” (2016), además de las series “Trauma” (2015-2022) y “Gastropoda” (2009-2016).

La visión del comisario
Sema D’Acosta (Gerena, Sevilla, 1975), comisario de la exposición, plantea que, en una era digital en la que la fotografía se ha desmaterializado y circula como un algoritmo sin soporte físico, las series de Joan Fontcuberta reivindican así la importancia de la materia y del soporte como parte esencial de la imagen. Más allá de su función representativa, la fotografía se entiende como un objeto con biografía propia, marcado por el tiempo, el deterioro y las transformaciones que revelan su dimensión física y simbólica. A través de la exploración de texturas, huellas y procesos de desgaste, Fontcuberta investiga la existencia y realidad de la naturaleza de la fotografía y cuestiona de qué están hechas realmente las imágenes, de forma que propone una mirada que va más allá de la mera narración documental para adentrarse en su estructura material y conceptual. En este contexto, las fotografías se interpretan como complejas codificaciones culturales y como vestigios de un tiempo vivido, cuyos daños y mutaciones las convierten en testimonios únicos. Así, en contraste con el consumo acelerado de imágenes en la era digital, esta obra fotográfica invita al espectador a detenerse y reflexionar sobre la vida, la memoria y la inevitable decadencia tanto de las imágenes como de la propia existencia humana.

Joan Fontcuberta
Durante más de cinco décadas, Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha desarrollado un trabajo artístico centrado en la fotografía, al tiempo que ha mantenido una actividad plural como docente, ensayista, comisario de exposiciones e historiador. Tanto su producción creativa como su reflexión teórica se sitúan en una perspectiva crítica del lenguaje visual y se centran en los conflictos entre naturaleza, tecnología, fotografía, memoria y regímenes de verdad, explorando la condición narrativa y documental de la imagen.
A lo largo de su trayectoria ha realizado exposiciones individuales en instituciones de referencia como el Museum of Modern Art de Nueva York, el Massachusetts Institute of Technology (Cambridge) y el Art Institute of Chicago, en Estados Unidos; el Museum of Fine Arts, Boston, el Australian Centre for Photography (Sídney) y el Science Museum (Londres); y en España el ARTIUM Museoa (Vitoria) y el Museu Nacional d'Art de Catalunya (Barcelona), entre otros. Su obra forma parte también de los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Entre sus reconocimientos se encuentran el nombramiento como Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura de Francia, el Premio Nacional de Cultura en Artes Plásticas de la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Fotografía y el Premio Nacional de Ensayo.

Para más información: https://www.fundacionunicaja.com/nuestros-centros/#link-CentroFundaci%C3%B3nUnicajaSevilla

“La casa del agua”, de Ángel Marcos, en el Museo Lázaro Galdiano

El Museo Lázaro Galdiano (calle Serrano, 122, Madrid) presenta la exposición y propuesta visual “La casa del agua”, de Ángel Marcos (1955), que se podrá visitar desde el 9 abril hasta el 28 de junio de 2026.
A través de tres instalaciones principales compuestas por fotografías y vídeos, la muestra explora conceptos profundos como los viajes, la memoria y la relación emocional del ser humano con su entorno natural. El proyecto es una invitación al espectador a reflexionar sobre lo cotidiano y lo simbólico mediante obras que transforman elementos comunes —como casetas de riego o una cabaña guardabarreras— en espacios de introspección poética.
Con Begoña Torres González, directora de la Fundación Lázaro Galdiano, como comisaria, la exposición redefine el paisaje no sólo como un escenario geográfico, sino también como un refugio antropológico y político donde convergen el pasado y el presente. En sus palabras, se trata de “una muestra llena de simbología, quizá dirigida a los visitantes para convertirse en ‘soñadores de casas’, como escribía [el filósofo francés] Gaston Bachelard [1884-1962], aquellos que recrean imágenes de ese primer lugar que habitamos en el mundo; quienes lo presentan gracias a la escritura poética o a la lectura, a través de la cual se imaginan estos espacios. O tal vez a la mirada detenida en el ejercicio creador de la evocación”.

Para más información: https://www.museolazarogaldiano.es/actividades/la-casa-del-agua-de-angel-marcos

Martín Ruano, en el Centro Leonés de Arte

El Centro Leonés de Arte (CLA), gestionado por el Instituto Leonés de Cultura (ILC), acoge la exposición “Historias de cárcel”, del fotógrafo Martín Ruano, del 13 de marzo al 19 de abril de 2026, en la sede del mismo (Avenida de la Independencia, 18, León). El proyecto reúne cerca de cuarenta fotografías que forman parte de dos trabajos esenciales en la trayectoria del autor, centrados en la vida cotidiana en dos instituciones penitenciarias, situadas en contextos geográficos y sociales diferentes. Uno de ellos está realizado en la cárcel femenina de El Buen Pastor, en Bogotá (Colombia), y la otra en la prisión masculina de Bissau Velho (Guinea-Bissau). El primer proyecto, que se centra en la experiencia de mujeres privadas de libertad, está realizado en blanco y negro. El segundo es en color y se aproxima a la realidad de una prisión masculina en África. Ambas propuestas parten de un enfoque documental, que se combina con un tratamiento visual de carácter creativo y plástico.

La visión del comisario
Según explica el comisario de la exposición, Luis García Martínez, Director del Departamento de Arte y Exposiciones del ILC, la selección de fotografías ofrece “una realidad directa y concreta de la situación de estos dos modelos diferenciados de cárceles, partiendo de un lenguaje visual muy cuidado y sofisticado, que nos muestra imágenes de gran fuerza e impacto”. El responsable del proyecto señala que las composiciones generan “un espacio conceptual y formal tremendamente sugestivo, evocador y envolvente”, que sitúan al espectador ante aspectos poco visibles de la realidad social y humana de los países en los que fueron tomadas.
García Martínez subraya que el trabajo realizado en la cárcel de mujeres busca mostrar “la capacidad innata de resistencia y resiliencia del ser humano”, revelando momentos de celebración o entusiasmo, que permiten a las internas evadir temporalmente su situación. En cambio, el proyecto centrado en la prisión de Bissau Velho plantea “una visión diferente” marcada por la dureza del entorno, el hacinamiento y la tensión constante, mostrando los límites de supervivencia en ese contexto.

Sobre Martín Ruano
Martín Ruano (Gijón, 1971) comenzó a interesarse por la fotografía en 1998, de forma autodidacta, tras encontrar una cámara Praktica en la vivienda familiar. Sus primeros trabajos consistieron en ejercicios básicos, que fueron evolucionando gracias al contacto con otros fotógrafos y a la participación en cursos especializados, entre ellos uno de iniciación organizado por el Ayuntamiento de León, en 1999.
A lo largo de su trayectoria ha participado en talleres impartidos por fotógrafos de referencia, como Antoine D’Agata (Francia, 1961), en 2012, y Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958), en 2022. Desde 2003 ha desarrollado diversos proyectos centrados en realidades sociales y situaciones marginales en distintos lugares del mundo, entre ellos trabajos sobre campos de refugiados palestinos en Líbano, encuentros indígenas en Bolivia o diferentes series realizadas en Guinea-Bissau y Colombia. Su obra aborda habitualmente contextos de exclusión y precariedad, con una mirada centrada en colectivos situados en los márgenes del sistema social.

Para más información: https://www.institutoleonesdecultura.es/

Quinta edición de “Brotes”

La quinta edición de “Brotes”, proyecto artístico que pretende destacar el talento de los estudiantes de Comunicación Audiovisual de la Facultad de Filosofía y Letras, se podrá ver, hasta el 24 de abril de 2026, en el Claustro de Caracciolos (calle de la Trinidad, 3, Alcalá de Henares, Madrid) de la Universidad de Alcalá (UAH).
El eje central de este proyecto consiste en una exposición fotográfica, que surge tras un proceso formativo dirigido por el fotógrafo José Manuel Navia (Madrid, 1957), y cuya comisaria es la estudiante Inés Fernández Ramos. Además de la muestra visual, la programación incluye talleres especializados de revisión de porfolios, orientados a profundizar en la edición y el lenguaje técnico de la imagen, así como la edición de un fanzine descargable que recoge y amplía las miradas de los autores.
Diversos departamentos universitarios colaboran en esta iniciativa que persigue conectar el aprendizaje académico con la práctica profesional y la difusión cultural.

Autores participantes
Los participantes en el proyecto son: Alexandra María Bota, Celia Bracho, Aurora Dal, Erika Fernández, Aitor García, Sofía Gil, Julián González, Sara Jiménez, Diego Ledo, Ignacio Lledó, Inés Mediavilla, Nerea Morales, Pablo Nacarino, Agustín Olivera, Lora Petrova Peycheva, Candela Rodríguez, Diana Lolbeh Rubio, Cintia Sánchez, Nuria Sánchez, Luna Sevilla, Mariano Mayor, Elisa Toquero y Beatriz Villacieros.

Para más información: https://cultura.uah.es/es/evento/Brotes-2026/

Experimental Photo Festival 2026

El festival de fotografía alternativa Experimental Photo Festival 2026 celebrará su séptima edición en Barcelona, durante el mes de julio de 2026. El programa ofrece más de 120 actividades, entre talleres especializados, conferencias y exposiciones centradas en técnicas analógicas y digitales. Esta convocatoria internacional, cuyo proceso de inscripción ya está abierto, contará con la participación de 61 artistas y prevé atraer a miles de visitantes. Entre las novedades destaca el Día Universitario, orientado a fomentar el contacto profesional entre instituciones académicas y el sector artístico. Coordinado por la asociación sin ánimo de lucro del mismo nombre, el festival impulsa la experimentación creativa y la igualdad dentro de un entorno de aprendizaje compartido.

Edición de 2026
El programa principal de la séptima edición del festival se desarrollará del 22 al 26 de julio de 2026. Durante esos días se concentrará una intensa agenda académica y expositiva. La organización prevé la asistencia de unas 10.000 personas y la participación de más de 600 en las distintas modalidades de formación técnica y profesional. El Centre Cívic Pati Llimona (Carrer del Regomir, 3, Barcelona) volverá a servir como sede central. El alcance temporal del festival se amplía más allá de esas fechas principales, con actividades previas que permiten una aproximación prograsiva a la creación experimental, antes del inicio del programa principal.

Programa de actividades
La estructura de 2026 se basa en un modelo híbrido, que combina actividades presenciales con participación virtual. El programa incluye 71 talleres técnicos, 16 conferencias magistrales y 3 sesiones de revisión de porfolios. En total, participan 61 artistas invitados, que actúan como referentes del intercambio creativo. Uno de los componentes esenciales es la “Residència Artística Experimental”, que se llevará a cabo del 11 al 21 de julio. Durante estos diez días previos al programa central, los residentes desarrollarán proyectos de investigación y producción artíctica.

Talleres y formación en fotografía experimental
La pedagogía experimental constituye la columna vertebral de esta propuesta. La transmisión de procesos técnicos resulta fundamental para la supervivencia de las prácticas analógicas e híbridas en la era digital. La formación se orienta a la preservación de metodologías químicas y físicas, de modo que el conocimiento técnico se convierta en una herramienta de autoría contemporánea.
En la edición de 2026, especialistas internacionales impartirán talleres muy especializados. El de María Solaguren-Beascoa será sobre cianotipia tricolor; Henri Blommers profundizará en los procesos de insolación directa y química ambiental, desarrollados fuera del entorno controlado del laboratorio; y Célica Véliz enseñará la técnica marrón de Van Dyke, aplicada a distintos soportes.

Exposiciones y comunidad internacional
Las 21 exposiciones incluidas en el certamen actúan como instrumentos de democratización cultural. Entre las muestras destacan “The Time Between” (El tiempo entremedias), de Lluís Estopiñan; “Liens invisibles” (Vínculos invisibles), de Louve Delfieu; y “Threads of What Remains” (Hebras de lo queda), de Katel Delia. La dimensión institucional del festival se lleva a cabo a través del encuentro internacional de festivales de fotografía en Barcelona, que en esta edición congregará a 50 directores y organizadores de festivales de todo el mundo.

Novedades de esta edición
La edición de 2026 introduce varias iniciativas orientadas a reforzar la profesionalización del sector. Entre ellas destaca el “Día Universitario”, concebido como un espacio de contacto entre instituciones de educación superior, estudiantes y profesionales de la fotografía. Esta iniciativa pretende integrar de manera efectiva el ecosistema educativo con el ámbito profesional, mediante el establecimiento de vínculos directos con los 50 directores de festivales internacionales presentes. Asimismo, la organización, dirigida por Laura Ligari y Pablo Giori, ha reafirmado su compromiso con un modelo de gestión basado en la transparencia financiera y la igualdad de género.

Para más información: https://www.experimentalphotofestival.com/

“The Grain of Our Hearts”, artistas palestinos en París

La Galerie du Jour agnès b. presenta en París (plaza Jean-Michel Basquiat) la exposición colectiva “The Grain of Our Hearts” (La fibra de nuestros corazones), en colaboración con el colectivo Maan (Ayuda) dedicado al apoyo de artistas gazatíes. La muestra se podrá visitar hasta el 15 de mayo de 2026.
Esta nueva exposición reúne las obras de seis artistas palestinos de distintas generaciones, que utilizan medios de expresión como la fotografía, el vídeo y el dibujo. El proyecto busca visibilizar la memoria, la identidad y la resistencia poética frente al exterminio a que se ve sometida Gaza y al desplazamiento forzado de los supervivientes. Además de mostrar su trabajo creativo, la iniciativa tiene un carácter solidario, ya que los beneficios económicos se destinarán directamente a los artistas participantes.
A través de archivos y relatos personales, la exposición plantea un espacio de reflexión humanitaria sobre la persistencia de la vida y la creación artística en contextos de conflicto.

Raíces literarias
El título “The Grain of Our Hearts”, que se puede interpretar como “la esencia más íntima”, trasciende la documentación para subrayar la importancia de aquello que perdura. La narrativa visual se basa en un poema de Donia Al-Amal (1971), escritora e investigadora palestina actualmente refugiada en Francia, cuyo título simboliza ese núcleo de sensibilidad que la guerra intenta destruir. Esta “fibra del corazón” se complementa con las “cinco tentativas de aproximación” del escritor Karim Kattan (1989), quien propone una cartografía del cuerpo como último espacio de soberanía frente al exilio.
Para este conjunto de artistas, tanto gráficos como literarios, la creación se conforma como una resistencia poética frente a aquellos que no sólo pretenden despojarles de su hogar ancestral, sino de su propia personalidad?????, hasta el punto de querer reducirlos a subhumanos.

El colectivo Maan y la diversidad disciplinar
La muestra se estructura como un espacio de pensamiento material, donde el diálogo entre la imagen técnica y el gesto plástico pone de relieve la fragilidad de lo cotidiano. Participan los artistas gráficos Samaa Abu Allaban (2000), Maisara Baroud (1976) y Adel Al-Taweel (1995), junto con los fotógrafos Taysir Batniji (1966), Rehaf Al-Batniji (1990) y Amer Nasser (1991).
Taysir Batniji, formado en la Universidad Al-Najah de Nablus y la École Nationale Supérieure d’Art de Bourges, es una figura de referencia con presencia en la Bienal de Venecia y en el Centro Pompidou de París. Su obra, marcada por la fragilidad y la ausencia de permanencia, se nutre tanto de su experiencia personal como del contexto histórico. Mediante un enfoque distanciado, desvía, alarga y juega con sus temas iniciales, con el fin de ofrecer una mirada poética, a veces mordaz, sobre la realidad.
Rehaf Al-Batniji, de formación autodidacta y actualmente estudiante en la Escuela de Bellas Artes de Marsella, reflexiona sobre el papel de las imágenes en la preservación de identidades constantemente amenazadas. Su trabajo examina cómo las fotografías cotidianas de Gaza se convierten en documentos urgentes de la existencia, retratando las vidas en un espacio donde el tiempo se ve continuamente fragmentado por la violencia y la pérdida. También aborda el ecosistema costero de Gaza, donde el mar, que antes era un refugio, es ahora un espacio disputado de supervivencia e incertidumbre.
Amer Nasser, fotógrafo y docente en la Escuela de cine Kourtrajmé de París, ha sido reconocido con galardones como el Tasweer Award 2025 y el premio de la sección Una cierta mirada, en el festival de Cannes, por la película “Once Upon a Time in Gaza” (Érase una vez en Gaza). Su obra se centra en la resistencia a través de los gestos mínimos de la vida cotidiana.
El colectivo Maan impulsa iniciativas de evacuación y acogida en Francia para artistas, investigadores y estudiantes de Gaza que se hayan en peligro de muerte. Ha facilitado residencias a numerosos creadores, apoyando su acceso a visados, su refugio y el desarrollo de su trabajo en colaboración con instituciones culturales.

Para más información: https://www.agnesb.com/en-us/lafab.html

Exposiciones de la Deutsche Börse Photography Foundation

La Deutsche Börse Photography Foundation acogerá hasta el 16 de agosto de 2026 dos exposiciones dedicadas a la fotografía contemporánea: “Worlds within Worlds” y “Human Topographies. Art Collection Deutsche Börse”. Ambas muestras se presentan en el espacio expositivo The Cube (Mergenthalerallee 61, Eschborn, Alemania).

“Worlds within Worlds”
La exposición “Worlds within Worlds” (Mundos dentro de mundos) reúne obras de 14 estudiantes del departamento de fotografía de la Hochschule für Gestaltung (HfG), de Offenbach. El proyecto es fruto de una colaboración entre esta escuela y el máster Curatorial Studies de la universidades Goethe y Städelschule de Frankfurt. Las obras exploran lo que los comisarios denominan “mundos intermedios” de la realidad contemporánea, que abordan cuestiones políticas, históricas y sociales. A través de fotografía, vídeo e instalaciones, los artistas reflexionan sobre experiencias biográficas, memoria histórica, migraciones o tensiones sociales, cuestionando las narrativas simples y proponiendo miradas más complejas sobre la realidad.

“Human Topographies”
Por su parte, “Human Topographies” (Topografías humanas) presenta unas 70 obras procedentes de la Art Collection Deutsche Börse. La muestra examina cómo la actividad humana ha modelado el territorio y el paisaje, desde densas megaciudades asiáticas hasta pequeñas localidades europeas o amplias regiones del medio oeste estadounidense. A través de fotografías realizadas desde la década de los cincuenta hasta la actualidad, por más de 25 artistas internacionales, la exposición aborda la relación entre paisaje, arquitectura y vida cotidiana, poniendo de relieve tanto la creatividad como las tensiones derivadas de la urbanización y de la adaptación humana a entornos transformados.

Deutsche Börse Photography Foundation
La Deutsche Börse Photography Foundation es una organización sin ánimo de lucro, con sede en Frankfurt, dedicada a coleccionar, exhibir y promover la fotografía contemporánea. Fue creada en 2015 por el grupo financiero alemán Deutsche Börse Group. Gestiona la Art Collection Deutsche Börse, una de las colecciones internacionales más relevantes, con más de 2.400 obras de alrededor de 170 artistas. Además de organizar exposiciones públicas, la fundación impulsa premios, becas y programas de apoyo a jóvenes fotógrafos, además de colaborar con museos e instituciones internacionales para fomentar la investigación y el debate en torno a la fotografía.

Para más información: https://www.deutscheboersephotographyfoundation.org/