Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Décima edición de la Hybrid Art Fair, en Madrid

La décima edición de la Hybrid Art Fair se celebrará del 5 al 8 de marzo de 2026, en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara de Madrid (Plaza de Santa Bárbara, 10), el cual transforma sus habitaciones en espacios expositivos dinámicos. Esta feria internacional destaca por su enfoque disruptivo y experimental. Además, reúne a más de 150 artistas y 40 expositores provenientes de once países y cuatro continentes.
La programación incluye instalaciones inmersivas, videoarte y performances, con un énfasis especial en el monográfico “Taiwan Tide”, patrocinado por el Ministerio de Cultura de Taiwán. Las propuestas abordan temáticas contemporáneas críticas como la crisis ecosocial, el feminismo y la identidad “queer”, con el objetivo de promover un coleccionismo accesible. Organizada por Boreal Projects Art & Communication —constituida por las gestoras culturales Ana San Frutos Caro y Aida del Mar Fernández Chaves—, la feria cuenta con el respaldo de numerosas instituciones culturales y patrocinadores privados para fomentar el intercambio creativo.

Presencia de la fotografía
La fotografía está representada en esta feria por galerías como Ache Galería (México), Railowsky (Valencia), Canal Gallery (Barcelona), Rebel Hadas (Madrid), Espacio Difuso Galería (Badajoz), Margullo Books y AICAV (Canarias), Galería Piece of Cake (Ecuador) y The Pop-Up Gallery (Estados Unidos), que cuentan con fotógrafos y videoartistas

Para más información: https://hybridart.es/

Eclosión, el resurgimiento del Círculo de Bellas Artes

En el año del centenario del señero edificio del Círculo de Bellas Artes (CBA) (calle Alcalá, 42, Madrid), la exposición “Eclosión”, cuya comisaria es Oliva María Rubio (1954), se erige como un hito de la memoria cultural de España. Más que una revisión histórica, la muestra documenta el efervescente periodo en el que el Círculo de Bellas Artes abandonó su letargo para convertirse en el laboratorio de la modernidad. El punto de partida de esta nueva etapa se sitúa en la Fiesta del Resurgimiento del 31 de mayo de 1983, que congregó a cuatro mil personas —entre ellas el alcalde de Madrid, Enrique Tierno Galván (1918-1986) y el entonces ministro de Cultura Javier Solana Madariaga (1942)—, con la intención de recuperar un espacio común para la creación, algo que se encontraba en el espíritu fundacional una institución artística y cultural como el Círculo, que se vio convertido en poco menos que un erial durante el franquismo.

Contexto histórico
Para comprender la magnitud del cambio, es necesario recordar el Círculo previo a 1983, época considerada como tenebrosa y en la que la institución funcionaba a la manera un casino privado, asfixiado por las deudas derivadas de una gestión deficiente. La institución se enfrentaba a embargos, subastas de su patrimonio artístico para solventar impagos y a la amenaza de una huelga indefinida del comité de empresa, debido a las condiciones laborales.
La metamorfosis radical llegó con la nueva Junta Directiva presidida por el escultor Martín Chirino (1925-2019), que transformó aquel adocenado reducto aristocrático en un motor cultural con vocación multidisciplinar. Esta apertura se cimentó institucionalmente con la creación del Consorcio del Círculo de Bellas Artes en 1984, que sirvió para proporcionar el soporte administrativo necesario para que esta nueva etapa fuera sostenible y se consolidara como un auténtico espacio de encuentro cultural sin par para la joven democracia española.

El papel de la fotografía
En este contexto, la fotografía actuó como documento imprescindible para reflejar la efervescencia de la época. La exposición utiliza la imagen para reconstruir una narrativa en la que la convivencia entre maestros y discípulos resultó clave. Un hito fundamental fue el taller “En torno al modelo fotográfico”, en 1987, donde figuras hoy consagradas como Chema Madoz (1958), Cristina García Rodero (1949) o Juan Manuel Castro Prieto (1958) participaron como alumnos.
Asimismo, la cámara fue el único medio capaz de atrapar la naturaleza efímera de las performances que definieron este periodo, como la de Brigitte Aschwanden bailando sobre las mesas de inscripción de nuevos socios en 1983 o las intervenciones dirigidas por Paloma Navares (1947), además de documentar actos, exposiciones y actividades.
Así, la fotografía se convirtió en el pilar del legado histórico de la institución, transitando del concepto abstracto a la materialidad del archivo.

Obras en exhibición
La riqueza de “Eclosión” reside en su pluralidad archivística, gracias a que rescata el valor del objeto físico frente a la amnesia digital. La muestra integra registros fotográficos que recorren la historia de este periodo y piezas audiovisuales, a lo que se añade una gran colección de carteles de carnavales.
Lo que otorga un valor singular a este material es la manera en que el CBA rompió las jerarquías tradicionales, de forma que grandes maestros de la pintura como Antonio Saura, Julio Le Parc, Juan Genovés y Eduardo Arroyo, entre otros muchos, aceptaron el encargo de diseñar los carteles del recuperado carnaval, prohibido durante el franquismo. Al elevar la fotografía, el diseño gráfico, el videoarte y el cartelismo al mismo nivel que las bellas artes, el Círculo legitimó disciplinas hasta entonces no lo bastante consideradas y las integró en un discurso visual plural que definió la identidad de la época.

De FOCO a PHotoEspaña
La audacia institucional se manifestó en proyectos pioneros que actuaron como catalizadores de la profesionalización artística en España. Destaca el I Festival Nacional de Vídeo (1984) y, de manera especial, el festival de fotografía FOCO, celebrado entre 1985 y 1989, propuesto en 1984 por Alejandro Castellote (1959) —coordinador del Área de Fotografía del CBA entre 1985 y 1996— y Manuel Santos —quien también ocupó esa área entre los años 1985 y 1990—, autor, tras abandonar el Círculo, del seminal proyecto “Cuatro direcciones. Fotografía contemporánea española. 1970-1990”.
Gracias a estas iniciativas, vieron su obra expuesta en el Círculo autores como Manel Esclusa, Javier Vallhonrat, Cristina García Rodero, Toni Catany, Koldo Chamorro, Miguel Oriola, Antonio Bueno, Lee Friedlander, Gary Winogrand, Franco Fontana, Bill Brandt, Ralph Gibson, Joel Meyerowich, Eikoh Hosoe, Josef Koudelka y Andres Serrano, por nombrar sólo unos pocos.
La exposición del fotógrafo peruano Martín Chambi (1981-1973), en 1990, supuso también un hito. Estas propuestas permitieron al público español acceder tanto a autores nacionales como internacionales y consolidaron una programación estable donde la fotografía pudo adquirir su verdadero valor.
Desde luego, resulta muy destacable la colaboración del Círculo con el festival PHotoEspaña, desde su primera edición en 1998.

Relevancia
La trascendencia de “Eclosión” radica en su capacidad para demostrar que la fotografía fue el medio indispensable para descifrar la evolución social de la institución y del país. La exposición subraya que, sin el riesgo asumido por la gestión del CBA durante aquellas dos décadas, la escena cultural española carecería de uno de sus cimientos más sólidos y experimentales.
La labor de Oliva María Rubio rescatando este material pone en valor el papel del Círculo en la definitiva “eclosión” de la fotografía como disciplina de pleno derecho. En definitiva, redescubrir estos años permite comprender cómo la audacia de una institución fue capaz de transformar una crisis terminal en el motor de la vanguardia cultural española contemporánea.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/

Dalí/Horst. Miradas cruzadas, en la Fundación Gala-Salvador Dalí

“Dalí/Horst. Miradas cruzadas” es una muestra organizada por la Fundación Gala-Salvador Dalí que se celebrará en el Castillo de Púbol (calle Gala Dalí s/n, Púbol, Girona) hasta el 6 de enero de 2027. La exposición describe y profundiza en el vínculo creativo surgido en los años treinta entre el pintor surrealista Salvador Dalí, su musa Gala y el fotógrafo de moda Horst P. Horst.
A través de una selección de veintisiete piezas, que incluyen imágenes inéditas, entre las que destacan tres hojas de contacto, así como vestuario histórico y pinturas, se ilustra cómo ambos artistas fueron capaces de fusionar el clasicismo con la vanguardia en proyectos para revistas de moda como “Vogue”. El punto de inflexión de esta relación tuvo lugar en 1939 con su colaboración en la creación del pabellón “Sueño de Venus”, para la Feria Mundial de Nueva York, y diversas puestas en escena donde la moda y el arte se entrelazan de forma poética.
Esta colaboración interdisciplinar sentó las bases de una nueva modernidad visual. Más allá del mero registro histórico, en el que la pintura, la fotografía y el diseño de moda se retroalimentaron para generar un nuevo estándar estético, que aún perdura hasta nuestros días.

Horst P. Horst y la fotografía del siglo XX
La figura de Horst P. Horst (1906-1999) resulta esencial para comprender la evolución de la fotografía de moda hacia su consideración como disciplina artística. Formado inicialmente en arquitectura con Le Corbusier, en París, Horst aportó a la fotografía un notable rigor estructural y una refinada sensibilidad estética.
Su encuentro con el barón George Hoyningen-Huene (1900-1968), fotógrafo estrella de la revista “Vogue” y pionero de la fotografía de moda, resultó fundamental. Fue él quien lo introdujo en los círculos intelectuales parisinos y le ayudó a descubrir su vocación como fotógrafo, que lo llevaría a convertirse en uno de los pilares del imperio editorial Condé Nast.

Para más información: https://horst.salvador-dali.org/es/

Walker Evans y Carlos Pérez Siquier, en el KBr Fundación Mapfre de Barcelona

El centro KBr Fundación Mapfre (Avenida del Litoral, 30, Barcelona) ha inaugurado la nueva temporada con sendas exposiciones dedicadas a Walker Evans (1903-1975) y Carlos Pérez Siquier (1930-2021). Ambas se podrán visitar del 26 de febrero al 24 de mayo de 2026.

Walker Evans: Now and Then
La muestra “Walker Evans: Now and Then” (Walker Evans: ahora y entonces) se centra en uno de los cronistas más lúcidos de los Estados Unidos del siglo XX, que fue una piedra angular del lenguaje visual contemporáneo. El recorrido, compuesto por 217 fotografías, organizadas en 12 secciones, abarca desde sus autorretratos iniciales de los años veinte hasta su giro más íntimo con la cámara Polaroid en la década de los setenta.
Más allá de su faceta como fotógrafo, la exposición subraya su labor como editor, escritor y docente en la Universidad de Yale, donde formuló su concepto fundamental de “documental lírico”, clave para entender su aproximación a la imagen y al relato visual.

Pérez Siquier. Colecciones Fundación Mapfre
Asimismo, el centro presenta “Pérez Siquier. Colecciones Fundación Mapfre”, muestra que recupera la gran retrospectiva del autor almeriense que se tuvo que clausurar prematuramente en Barcelona, en la antigua sede de Fundación Mapfre en la ciudad —la Casa Garriga Nogués— debido a la pandemia. Posteriormente, la exposición sí se pudo ver en Madrid (véase la edición impresa de FV 269).
Carlos Pérez Siquier fue un innovador fundamental que, desde la periferia andaluza, conectó la fotografía española con las corrientes internacionales gracias a su labor en el grupo AFAL. Su trayectoria es un testimonio de la transición desde el neorrealismo hacia una modernidad cromática sin precedentes en la península.

Actividades paralelas y clausura
Las exposiciones se complementan con el ciclo de conferencias “El estilo documental reconsiderado. Polemizando con Walker Evans”, dirigido por Jorge Ribalta, entre marzo y abril de 2026. La colaboración con el Port Olímpic permitirá además disfrutar de la obra de Pérez Siquier en el Muelle de Gregal, donde se desarrollará el ciclo “KBr Live”, que incluye conciertos de jazz y talleres familiares gratuitos.

Para más información: https://kbr.fundacionmapfre.org/

Fujifilm debuta en ARCO

Fujifilm participará por primera vez en ARCO Madrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo más relevante de España, cuya 45.º edición se celebrará del 4 al 8 de marzo de 2026, en el recinto ferial IFEMA Madrid. Fujifilm estará presente en el Pabellón 7, stand 7B38, con una propuesta centrada en la digitalización, difusión y puesta en valor de la obra fotográfica, con el objetivo de reafirmar su compromiso con los fotolibros, como soporte cultural y herramienta de preservación de la memoria histórica.
Durante la feria, los visitantes podrán conocer algunos de los principales productos de la marca, como el proyector Fujifilm FP-ZUH6000, las cámaras GFX de formato medio, así como los cartuchos de datos LTO, consistentes en cintas magnéticas de almacenamiento de alto rendimiento y gran capacidad. Todos estos productos ofrecen soluciones orientadas bien a la creación como a la conservación y archivo de contenidos visuales.
En el marco de la programación de la feria, Fujifilm protagonizará el encuentro “Fujifilm en el entorno cultural”, organizado junto a la feria especializada en la edición de fotolibros ArtsLibris y la galería barcelonesa RocíoSantaCruz. La sesión tendrá lugar el sábado 7 de marzo, a las 13:00 horas, en el Foro de ARCO (pabellón 9) y abordará el papel de los fotolibros como espacio de creación, experimentación y relato visual.
El encuentro contará con la participación de Eduardo López, director de Imaging y Recording Media, de Fujifilm España; José Márquez, Senior Product & Project Manager - Professional Imaging, de Fujifilm España; además del fotógrafo, artista y docente Toni Amengual, autor del libro “Terra Ferma”. Los ponentes compartirán su visión sobre la evolución de los fotolibros en el entorno cultural contemporáneo y las soluciones tecnológicas que permiten su producción, difusión y conservación.

Para más información: https://www.fujifilm.com/es/es-es

Exposición “Mirar a otro lado”, de Nicolás Combarro

La exposición “Mirar a otro lado”, de Nicolás Combarro (A Coruña, 1979) se podrá visitar desde el 25 de febrero hasta el 9 de agosto de 2026 en el Museo Universidad de Navarra (MUN) (calle Universidad s/n, Pamplona).
La muestra presenta una amplia selección de obras del autor, centradas en la intersección entre la arquitectura y la memoria histórica. A través de seis proyectos distintos, el artista utiliza la fotografía y la iluminación como herramientas para rescatar del olvido estructuras que suelen pasar desapercibidas, desde antiguos campos de concentración hasta construcciones industriales abandonadas, pasando por el subsuelo de populosas ciudades.
Su trabajo transforma vestigios físicos en herramientas de reflexión social, para explorar realidades ocultas y la tensión entre lo individual y lo colectivo.
Esta muestra actúa como un catálogo de acciones que invitan al espectador a cuestionar las ideologías grabadas en el entorno construido y la fragilidad del recuerdo.

La materia del silencio
El corazón de la muestra se encuentra en la serie “La materia del silencio”, surgida de la residencia artística del autor dentro del programa “Tender Puentes” del MUN. Este proyecto, que subraya la importancia estratégica de utilizar los archivos de la Colección MUN como punto de partida, surgió al encontrar Combarro una fotografía histórica de Agustí Centelles (1909-1985), que documenta el Campo de concentración francés de Bram, donde el fotógrafo estuvo recluido tras el final de la Guerra Civil, entre marzo y septiembre de 1939. A partir de este referente, Combarro emprende una investigación sobre la red de campos de concentración y represión que permanecieron activos en España y Francia entre 1936 y 1947. Lo interesante de esta obra radica en su capacidad de denuncia: mientras que los campos de concentración y exterminio de la Alemania nazi ocupan un lugar central en la memoria histórica de Europa, los de España y Francia permanecen silenciados, en un intento de borrarlos de la historia.
Mediante una técnica de fotografía nocturna basada en la iluminación artificial de los vestigios arquitectónicos, Combarro rescata de la oscuridad las huellas físicas de estos lugares tan simbólicos.
El resto de las series que componen la exposición son “Serie Negra”, “Arquitectura oculta”, “Arquitectura espontánea”, “Desvelar desplazar” y “Sotterranei”.
La muestra se complementa con una clase magistral inaugural el 25 de febrero, en la que participarán Nicolás Combarro junto con Marta Ramos-Yzquierdo (Francia, 1975), comisaria de la exposición.

Para más información: https://museo.unav.edu/

VIII Congreso de la Federación Andaluza de Fotografía

El VIII Congreso de la Federación Andaluza de Fotografía (FAF) se celebrará en Algeciras (Cádiz), del 5 al 8 de marzo.
El programa del congreso incluye desde la apertura institucional y los recorridos expositivos del jueves hasta las sesiones magistrales del fin de semana sobre fotografía editorial, talleres sobre el manejo de la iluminación narrativa en exteriores, sesiones prácticas dedicadas a técnicas antiguas, exposiciones y otras actividades.

Ponentes y especialistas invitados
El estudio creativo Los Juanchys, formado por Juanchy y Gabry, ofrecerá una clase titulada “Una visión de la fotografía editorial”, en el Auditorio Pérez Villalta, en la que analizarán su experiencia en publicaciones internacionales como “Vogue” y “L'Officiel Hommes”. Por su parte, Antonio Garci aportará quince años de trayectoria en el ámbito del retrato para impartir el taller “Iluminación consciente para una mirada personal”, en el Hotel Reina Cristina. Anabel Pacheco, docente de Escuelas de Arte, impartirá un taller sobre la cianotipia. Estos perfiles abarcan desde el sector editorial de alto nivel hasta la recuperación de procesos clásicos.

Exposiciones
Se exhibirán un total de once exposiciones de lo más variado, desde las colectivas de la Escuela de Arte de Algeciras y fotografía callejera hasta las que recogen momentos históricos de Algeciras y el Campo de Gibraltar, seleccionadas por la Asociación Memoria de Algeciras.
Por su parte, la muestra de Jorge Pérez Fresquet recoge un trabajo desarrollado durante años sobre la llamada muralla del Estrecho, red de fortificaciones construidas durante el franquismo debido al miedo a una invasión tras su apoyo a la Alemania nazi y la Italia fascista durante la Segunda Guerra Mundial.
La propuesta de Pepe Gutiérrez, titulada “Islas”, reflexiona sobre la fragilidad y las conexiones humanas. Katy Gómez (véase la edición impresa de FV 289) realiza un recorrido por la trashumancia en la provincia de Jaén.

Actividades paralelas y espacios de encuentro
El Centro de Negocios NEXUS acogerá el Concurso Internacional de Fotografía Iulia Traducta organizado por iNFOCUS, mientras que la Sala Caja Sur presentará “Naturaleza”, mezcla infinita de obras de 36 autores de la Asociación Gaditana de Fotógrafos de Naturaleza, junto a la muestra de la VIII Liga Andaluza de Fotografía, compuesta por 47 imágenes.
La programación se completa con visitas al Centro de Interpretación Paco de Lucía, un concurso fotográfico dotado con 600 euros en premios y la Gala Anual en el Auditorio de la Escuela Técnica Superior de Ingeniería. En este acto se entregarán las distinciones de Artista, Excelencia y Maestro, los reconocimientos para jurados y asociaciones en niveles Bronce, Plata y Oro, además del Premio Andaluz de Fotografía.

Para más información: https://www.federacionandaluzafotografia.com/u

Helen Levitt, en Madrid

Tras el éxito de la muestra en su centro KBr de Barcelona, la Fundación Mapfre presenta en su sala de Madrid (paseo de Recoletos, 23) una amplia retrospectiva dedicada a la fotógrafa estadounidense Helen Levitt (1913-2009), que se podrá visitar hasta el 17 de mayo de 2026.
Se trata de una completísima exposición que realiza un amplio recorrido por toda su obra fotográfica y en el que se incluye, además de 200 fotografías estructuradas en nueve secciones, la proyección de su película “In the Street”, un pase de diapositivas en color y una fotografía original de Henri Cartier-Bresson —amigo personal de la autora—, que le regaló en 1935, al principio de su relación. La exposición se completa con un cuidado catálogo de más de 300 páginas.

Helen Levitt
Los suscriptores y lectores de la edición impresa de FV ya están bien al tanto de la importancia de Helen Levitt, gracias al artículo que publicamos en el número 304 de la revista.
Helen Levitt fue una pionera que transformó la fotografía callejera, con una mirada cargada de misterio y sensibilidad. Sus inquietudes, formación técnica y sus vínculos con figuras como Henri Cartier-Bresson la impulsaron a documentar la vida cotidiana en los barrios de Nueva York, con una gran habilidad para captar la esencia de la infancia y los vínculos humanos sin recurrir a narrativas explícitas ni artificios.
Tras una primera etapa en blanco y negro, que abarca los años treinta y cuarenta, pasó por el cine documental y la fotografía en color —de la que se conservan muy pocos originales debido a que desaparecieron en un robo—, para volver al blanco y negro en los últimos años de su carrera.
La exposición subraya la dimensión histórica de su legado, consolidado por muestras en el Museum of Modern Art (MoMA) y por su capacidad única para convertir escenas aparentemente ordinarias en enigmas visuales de alcance universal.
Cabe recordar que la primera vez que Helen Levitt expuso en España fue entre el 1 de diciembre de 1994 y el 8 de enero de 1995. Entonces, Carlos Gollonet (1962) —actual conservador jefe de fotografía de la Fundación Mapfre y, en aquel momento, director de publicaciones de la Diputación de Granada— presentó su obra en el Palacio de los Condes de Gabia (Granada), en colaboración con la Fraenkel Gallery de San Francisco.
Podría decirse que con esta nueva retrospectiva en Madrid se cierra un círculo.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/