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Exposición “De la albúmina al píxel”, con fondos del Archivo Fotográfico del Banco de España

Hasta el 20 de julio de 2024 se podrá ver, en la sala de exposiciones de la sede central del Banco de España (Plaza de Cibeles, Madrid), la exposición “De la albúmina al píxel”, que recoge unas 300 imágenes del Archivo Fotográfico del Banco de España.

Un gran archivo
El Archivo Fotográfico del Banco de España se creó en 2019, con fondos del archivo general de la entidad, cuyas estanterías albergan más de 27 kilómetros de documentos. El archivo fotográfico cuenta con unas 25.000 fotos, que fueron hechas en su momento con un mero interés documental y que, hoy en día, constituyen un material de un gran valor histórico y sociológico. Estos fondos fotográficos venían siendo objeto desde 2013 de trabajos de localización, identificación, descripción y almacenamiento en condiciones adecuadas de conservación, hasta su digitalización, que comenzó en 2020.

La exposición
La exposición “De la albúmina al píxel”, panorámica fotográfica que abarca desde 1869 hasta 2024, consta de unas 300 fotografías, articuladas en cinco secciones cronológicas: “El tiempo amarillo (siglo XIX)”, “La fotografía como documento (1900-1925)”, “De la edad de plata a la transición (1925-1975)”, “Spain is different (1975-2023)” y “Hacia la Inteligencia Artificial (siglo XXI)”.
Sus comisarios han sido el catedrático y especialista en fotografía Juan Miguel Sánchez Vigil, Elena Serrano García, Jefa de la Unidad de Archivo Histórico y General del Banco de España, y Patricia Alonsodel Torno, archivera del Archivo Histórico del Banco de España.
La exposición se inicia con fotos de la llamada “Galería de los representantes de la nación española en las Cortes Constituyentes de 1869”, de Leopoldo Rovira Deloupy, para pasar luego a imágenes de identificación de los empleados, entre las que se incluyen las de las primeras mujeres que trabajaron para el Banco de España. Luego pasa por la fotografía arquitectónica, en la que aparecen fotografiadas sus diversas sedes por toda España, entre las que se incluye una serie hasta ahora inédita, en la que se recoge la construcción de la cámara acorazada del banco en los años treinta de siglo pasado, además de hitos en la historia económica de España y que finaliza con una foto de este mismo año en que aparecen retratadas todas las mujeres actualmente empleadas en la entidad, con puestos de mucho más fuste que aquellas primeras de hace más de 120 años.
El efectivo diseño museográfico ha corrido a cargo del arquitecto Francisco Bocanegra, especializado en exposiciones.

Visitas
La entrada es gratuita y el horario de visitas es de martes a sábado de 11 h a 14 h y de 16 h a 20 h, previa reserva a través de internet. Asimismo, hay disponibles visitas guiadas los miércoles y sábados.

Para más información: https://www.bde.es/

Colita, doblete en Madrid

La gran fotógrafa Isabel Steva, “Colita”, falleció en su ciudad natal de Barcelona el 31 de diciembre de 2023, a los 83 años. Hoy, en Madrid, han tenido lugar dos actos, que no son homenajes póstumos, sino la concreción de proyectos en los que la fotógrafa había trabajado durante bastante tiempo. Por una parte, la exposición “Antifémina”, en el Círculo de Bellas Artes, y por otra, la entrega del legado de Colita a la Caja de las Letras, del Instituto Cervantes.

“Antifémina”
En 1977, la Editora Nacional, de titularidad pública y hoy desaparecida, publicó el libro “Antifémina”, con textos de Maria Aurèlia Capmany (1918-1991) y fotografías de Colita. Se trata de una obra singular, que tuvo un recorrido también singular. Una obra feminista que ponía el dedo en la yaga de la situación de las mujeres de aquel entonces. Afortunadamente, las cosas han ido cambiando en estos 47 años, pero no lo suficiente, y poner en valor esta reivindicación feminista no está de más.
La exposición de la sala Goya del Círculo de Bellas Artes (calle de Alcalá, 42, Madrid), al contrario que otras no cuenta con un catálogo, ni con un libro a modo de compendio, sino que nace de este libro seminal. En la exposición no se incluyen las 176 fotos del libro original, pero sí una cuidada selección de 96, a cargo de la cual estuvo la propia Colita, asistida por el comisario de la misma, Francesc Polop, depositario del archivo personal de la fotógrafa tras su fallecimiento.
Se trata de imágenes que, excepto en un caso, Colita no había realizado para ese libro, sino como parte de otros trabajos, pero su mirada hacia la mujer cuadraba perfectamente con los postulados de Maria Aurèlia Capmany, y crearon el libro conjuntamente, mecanografiando textos y haciendo collages sobre una mesa de la casa de Colita.
El libro se retiró a los pocos meses de la venta y no fue hasta 2022 cuando por insistencia de Francesc Polop se realizó una nueva edición, que hoy en día no es fácil de conseguir.
La exposición se podrá ver en las instalaciones del Círculo de Bellas Artes hasta el 5 de mayo de 2024.

Legado de Colita a la Caja de las Letras de Instituto Cervantes
La Caja de las Letras es la antigua cámara acorazada con cajas de seguridad del antiguo banco Central, que se encontraba antes en la actual sede del Instituto Cervantes. Allí, reconocidos escritores, artistas y científicos han depositado un legado con retazos de su trayectoria vital y profesional. Estas cajas sólo se podrán abrir cuando lo haya indicado el testador. Puede ser pasado un determinado tiempo, en una fecha concreta o al fallecimiento del mismo.
En el año 2022, Colita y el Instituto Cervantes entraron en contacto para recibir el legado de la fotógrafa. Por diversas circunstancias, esto no se pudo llevar a cabo en vida de la fotógrafa. De hecho, estaba previsto que se realizase coincidiendo con la inauguración de la exposición del Círculo de Bellas Artes, separado de la sede central del Instituto por unos centenares de metros. La inesperada muerte de Colita dio al traste con su presencia, pero no con su memoria.
Como quiera que la caja que iba a entregar debería abrirse tras su fallecimiento, Francesc Polop ha hecho entrega de la misma y en el mismo acto se ha abierto. Contenía: dos libros fundamentales en su carrera y en su vida, “Antifémina” y Luces y sombras del flamenco”, una foto de ella disfrazada de payasa, una pequeña cámara de fotos, una pajarita y una nariz roja de payaso. Según ha explicado Francesc Polop, el contenido de la caja se debe a que Colita tenía un lema: “Tómate la vida en serio, haz tu trabajo, pero no dejes de ser un payaso”.
Además de Francesc Polop, la figura de Colita la han glosado durante el acto el director del Instituto, Luis García Montero (1958), y la periodista, amiga íntima de Colita, Maruja Torres (1943).

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/

El centro KBr Fundación Mapfre Barcelona presenta sendas exposiciones de Consuelo Kanaga y “La cámara doméstica”

Hasta el 12 de mayo de 2024 se podrán visitar en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona (Av. del Litoral, 30) la primera exposición retrospectiva de Consuelo Kanaga en Europa y una muestra colectiva titulada “La cámara doméstica”, centrada en los inicios y la evolución de la fotografía amateur en Cataluña, desde 1880 hasta el estallido de la Guerra Civil, en 1936.

Consuelo Kanaga
Consuelo Kanaga (1894-1978) está considerada por derecho propio como una de las figuras fundamentales en la historia de la fotografía del siglo XX. Centrada en grandes cuestiones sociales como la marginación, la pobreza, el racismo o la desigualdad, particulamente en lo que se refiere a la situación de la población negra en los Estados Unidos.
Su importancia no sólo radica en el hecho de la calidad de su trabajo, sino en que fue una de las pocas mujeres que llegó a ser fotoperiodista profesional, en la segunda década del siglo pasado, en los Estados Unidos. Asimismo, mantuvo una estrecha relación con los círculos de vanguardia estadounidenses, tanto en San Francisco, con el Grupo f.64, como en Nueva York, con la Photo League.
A pesar de que en vida logró un gran reconocimiento, su obra fue cayendo en cierto olvido y sólo recientemente se está recuperando como merece. Esta exposición pretende contribuir de forma concluyente al reconocimiento que la obra de Kanaga sin duda merece.
La exposición del KBr, que el mes de mayo de 2024 viajará a Fundación Mapfre Madrid, está organizada por el Brooklyn Museum de Nueva York, junto con la Fundación Mapfre y el San Francisco Museum of Modern Art. La exposición incluye cerca de 180 fotografías y otros materiales documentales y de archivo, de forma que recorre y contextualiza el trabajo de Kanaga.

La cámara doméstica. La afición fotográfica en Cataluña (CA. 1880-1936)
Compuesta de unas 300 piezas, esta exposición realiza un recorrido temático por la historia de la fotografía amateur en Cataluña, en el periodo comprendido entre los años 1880 y 1936. Para su realización se ha precisado de la colaboración de diecisiete instituciones públicas —entre archivos, museos, bibliotecas y centros de investigación— y nueve colecciones privadas.

Para más información: www.fundacionmapfre.org

“New York”, de David Jiménez, en Ivorypress

Ivorypress presenta en su galería de Madrid (calle Comandante Zorita 48) su primera exposición en solitario del fotógrafo David Jiménez (Madrid, 1970).

La vista más poética de la ciudad de Nueva York
La exposición, tendrá lugar del 1 de marzo hasta el 29 de junio de 2024, y se centra una serie de fotografías en blanco y negro sobre la ciudad de Nueva York, tanto fotografías de la calle, como imágenes arquitectónicas, y ambientes y escenas cotidianas de la Gran Manzana.

Libro “New York Memories”
Las imágenes de David Jiménez son sencillas y poéticas, y realizan un recorrido se cautivador más allá del tiempo y del espacio.
Estas imágenes se publicaron originalmente en 2023 en el libro “New York Memories”, la primera colaboración entre el escritor estadounidense Bob Colacello (1947) y David Jiménez, publicado como parte de la colección Ivorypress Cities.

David Jiménez
Desde que en 1999 recibiera el premio Fotógrafo Revelación en PHotoEspaña, no ha dejado de cosechar éxitos profesionales, y su obra se encuentra tanto en colecciones públicas, como privadas, españolas, como las colecciones de arte de la Fundación MAPFRE, la del Centro de Arte Dos de Mayo o la colección DKV, entre otras. Ha publicado hasta la fecha ocho libros monográficos, entre ellos “Infinito” (Photovision, 2000), considerado como uno de los fotolibros pioneros en el panorama editorial español.

Para más información: https://ivorypress.com/es/

Surrealismos, diálogo entre el arte y la máquina en una fascinante exposición en Madrid

Hasta el 21 de abril de 2024, la Fundación Canal (Mateo Inurria 2, Madrid) presenta la exposición “Surrealismos. La era de la máquina”, la cual explora la fascinante relación entre el movimiento surrealista y la tecnología emergente de principios del siglo XX. La muestra, que conmemora el centenario del primer Manifiesto Surrealista, publicado por André Breton el 15 de octubre de 1924, reúne más de 100 obras de artistas, tanto plásticos, como Francis Picabia y Marcel Duchamp, y fotógrafos, como Alfred Stieglitz y Man Ray, todos ellos figuras clave en el desarrollo de este diálogo entre arte y máquina.

Nueva York, nuevo centro del arte
En un contexto marcado por la tragedia de la Primera Guerra Mundial, Nueva York, centro de un país industrializado y en plena ebullición, se convirtió en un hervidero de creatividad. Artistas de diversos países se refugiaron en la ciudad, donde encontraron un terreno fértil para la experimentación y la ruptura con las tradiciones artísticas. La máquina, símbolo de la modernidad y la industrialización, se convirtió en una fuente de inspiración y un elemento central en sus obras.
La fotografía tiene un papel protagonista en esta exposición. Alfred Stieglitz, pionero del movimiento vanguardista en Estados Unidos, defendía la fotografía como una forma de arte autónomo, cuando todavía se discutía su entidad artística. Su trabajo, junto al de Man Ray, explora en esta exposición las posibilidades de la cámara para captar la esencia del mundo moderno, distorsionando la realidad y creando imágenes oníricas.
El cuerpo humano también se reinterpreta a través de un punto de vista surrealista. Se le ve como una máquina capaz de generar sueños, deseos y emociones. Dalí, figura clave del surrealismo, llego a declarar “el surrealismo soy yo”, consideraba el arte como una “máquina del pensamiento”, una ventana abierta al inconsciente, a lo irracional y a lo artificial.

Cuatro secciones temáticas
La exposición se divide en cuatro secciones temáticas. “El nuevo mundo y la fotografía pura”, que se desvincula de la, entonces triunfante, corriente fotográfica pictorialista. “Del desnudo artístico al cuerpo como máquina”, donde analiza la representación del cuerpo humano desnudo recobrado, desde el ejercicio devaluado del clasicismo académico, como un generador de deseo, a lo que contribuyó el collage fotográfico. “De la abstracción a la máquina” muestra cómo la fascinación por la tecnología llevó a artistas como Man Ray a combinar formas geométricas y antropomorfas como representación de la relación entre el hombre y la máquina. Y, finalmente, “Eros y máquina”, un apartado completamente dedicado a Marcel Duchamp, en el que la fotografía y los nuevos medios de reproducción mecánica le abrieron un mundo completamente nuevo en el mundo del arte. Se trata de un debate sobre el original y la copia, cuestionando la experiencia única de la obra de arte, la autoría y la manufactura. En cierto sentido, en una forma similar a lo que estamos viviendo hoy en día con la inteligencia artificial.

Para más información: www.fundacioncanal.com

“Becoming Marilyn & Becoming Elvis”, en FotoNostrum

Hasta el 24 de marzo de 2024 se puede ver en FotoNostrum (Calle Diputació 48, Barcelona) la exposición “Becoming Marilyn & Becoming Elvis, dedicada a los primeros tiempos de los míticos artistas Elvis Presley y Marilyn Monroe, mucho antes de que alcanzasen el estrellato.
La exposición recoge obras de los fotógrafos André de Dienes sobre Marilyn Monroe y Alfred Wertheimer sobre Elvis Presley.

Alfred Wertheimer y Elvis
Alfred Wertheimer (1929) tuvo que huir de Alemania natal en 1936, junto con su familia, para escapar de nazismo, ya que eran de origen judío. Asentados en Nueva York, Wertheimer estudió diseño, y tras trabajar como fotógrafo independiente, se enroló en el Ejército en 1952. Allí ejerció como fotógrafo durante dos años.
En 1956 la compañía discográfica RCA le contrató para fotografiar a un desconocido y prometedor joven con mucho talento. Era Elvis Presley, a quien Wertheimer acompañó durante casi año, una vez acabado el encargo de RCA. Aquellas fotos se convertirían en históricas.

André de Dienes y Marilyn
Andor György Ikafalvi-Dienes nació en 1913 en un lugar del Reino de Hungría que ahora está en Rumanía. A los 20 años se instaló en París, se cambió el nombre por el de André de Dienes, y se inició como fotógrafo en el periódico “L'Humanité” y también trabajó como fotógrafo de moda. En 1938 se mudó a Nueva York, y en 1945 fue el primer fotógrafo profesional que fotografió a Marilyn cuando ésta era sólo una modelo llamada Norma Jeane Baker. Tras ello, se convirtieron en amantes y luego en amigos. Su relación duró hasta la muerte de la actriz en 1962. Sus icónicas fotografías retratan su transformación de una ingenua sensible muchacha en una problemática y atormentada estrella de Hollywood, que falleció en circunstancias aún hoy no todavía totalmente aclaradas.

Para más información: www.fotonostrum.com

Nemotipos de Joan Fontcuberta, en la sala Verónicas de Murcia

La sala Verónicas de Murcia (Calle Verónicas, 4) —antigua iglesia del siglo XVIII desacralizada exhibe, hasta el 28 de abril de 2024, la exposición “Nemotipos”, que recoge trabajos recientes en los que Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha utilizado la inteligencia artificial (IA) y otros más antiguos, con imágenes generadas por algoritmos o programas específicos. La exposición está patrocinada por el Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia.

Nemotipos
“Nemotipo” es un neologismo relacionado con el origen de la fotografía, que hace referencia a términos como calotipo, daguerrotipo, talbotipo, cuyo sufijo “tipo” proviene del griego “molde”, mientras que la palabra latina “nemo” significa nadie. Así, el uso de la IA hace que “nadie” tenga participación en la creación de la imagen.
En los últimos cinco años, Fontcuberta ha realizado series en coautoría con Pilar Rosado, como “La petite mort” (2020), “Frenografías” (2021) y “Déjà-Vu” (2021-2023). Y “De rerum natura” (2023-2024) y ‘”Freak-Show II (La parada de los monstruos)” (2024) en solitario. Todas ellas aplicando una tecnología GAN (Generative Adversarial Networks) y procesos de aprendizaje automático. Además de éstas, se exponen otras series anteriores en las que no tuvo participación la IA, pero si distintos programas informáticos: “Topofonías” (1993-1995), “Orogénesis”(2002-2006) y “Googlegramas” (2004-2010).
En la edición de 2023 de PHotoEspaña se pudo ver esta misma exposición, a la que se han añadido ahora obras más recientes, realizadas durante el pasado y el presente año.

Reflexiones sobre IA y fotografía
Asimismo, cabe resaltar que coincidiendo con la exposición se ha editado una completa monografía de casi 300 páginas, que reflexiona sobre lo que el advenimiento de IA supone para la fotografía, con textos de especialistas de la imagen como Juan Martín Prada, el propio Joan Fontcuberta y el comisario de la exposición Sema D’Acosta. Completa el libro un relato de ficción inédito, escrito especialmente para el mismo por el escritor Miguel Ángel Hernández.

Para más información: www.salaveronicas.es

Jordi Socías: “Al final de la escapada”

La Sala Canal de Isabel II (Santa Engracia 125, Madrid) expone, hasta el 21 de abril de 2024, “Al final de la escapada”, una muestra que recorre los cincuenta años de carrera profesional del fotógrafo Jordi Socías.

Recorrido cronológico de más de cincuenta años de carrera
La exposición de la Sala Canal de Isabel II, ubicada en un antiguo depósito de agua, está organizada en cuatro plantas y hace un recorrido cronológico por la obra de Jordi Socías, desde sus inicios en los años setenta hasta la actualidad, salpicado de rupturas en el tiempo y en la técnica, aunque la mayor parte de las obras son en blanco y negro, hay imágenes en color estratégicamente dispuestas.

Organizada por plantas
La planta baja recibe al visitante con grandes ampliaciones de algunos de sus retratos más emblemáticos, Pedro Almodóvar y Paloma Picasso entre ellos, además de vitrinas con selección de su álbum personal, ejemplares de las grandes revistas donde trabajó y muestras de sus referentes en el mundo de la fotografía, con especial hincapié en el libro de Susan Sontag “Sobre la fotografía”, que considera una obra fundamental.
En la primera planta se pueden ver sus inicios y su etapa de consagración con fotos de hechos clave en la historia de España.
La segunda planta está dedicada a una de las grandes especialidades de Jordi Socías, el retrato. Arte en el que es maestro. Así podemos ver a Francis Ford Coppola, Anna Galiena, John LeCarré, Javier Bardem, Marina Abramović, Woody Allen, Norman Foster, Penélope Cruz y Ai Weiwei, entre otros. Retratos siempre relacionados con el mundo de la cultura, que el fotógrafo considera “forma parte del paso de la vida” y da mucha importancia a lo que ha aprendido de estos grandes personajes.
Finalmente, la tercera y última planta se muestra la visión cosmopolita del fotógrafo en grandes ciudades de todo el mundo, junto con fotografías realizadas durante el rodaje de películas, que trascienden la mera foto fija de cine. Hasta ahora ha participado en más de 25 rodajes hasta la fecha.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2023/exposicion-jordi-socias-final-escapada

Christer Strömholm, en la Fundación Mapfre de Madrid

Hasta el 5 de mayo de 2024 se podrá ver una gran exposición retrospectiva del fotógrafo sueco Christer Strömholm (1918-2002), en la Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos 23, Madrid)

Captar la esencia
A pesar de obtener un reconocimiento muy tardío -no fue hasta 1986, a sus sesenta y ocho años, cuando el Moderna Museet de Estocolmo presentó su exposición “9 sekunder av mitt liv” (Nueve segundos de mi vida)- y aunque llevase exponiendo desde 1948, el trabajo fotográfico de Christer Strömholm es de una singular importancia dentro de la fotografía europea del siglo XX. Y, desde luego, junto con el de Anders Petersen, el más caracterizado de la fotografía sueca. Su fotografía trasciende de la mera fotografía contemporánea, ya que sus imágenes, comprometidas y nada objetivas, son de un humanismo íntegro y hablan por sí mismas, como se aprecia especialmente en sus retratos, donde es capaz de captar la esencia tanto de personajes anónimos, como de grandes artistas.
Esta exposición de Christer Strömholm ha coincidido en el tiempo y en el mismo espacio con otra gran retrospectiva del artista plástico francés, de origen judío-ruso, (1887-1985), cuyas comisarias, Meret Meyer (una de las dos nietas gemelas del artista) y Ambre Gauthier, han valorado muy positivamente que ambos corpus artísticos se hayan puesto en diálogo, ya que comparten “la necesidad de decir lo que hay que decir y expresar lo que no tenemos que olvidar”. Asimismo, resulta un ejercicio muy aleccionador para un espectador militante y comprometido establecer un diálogo entre estas obras y la actualidad.

La exposición
Fundación Mapfre expone más de ciento cincuenta imágenes y diversos documentos de Christer Strömholm, además de la película “Blunda och se” (Cierra los ojos y ve), realizada por el hijo del autor, Joakim Strömholm, en 1996. El recorrido expositivo recoge desde su participación en el grupo alemán Fotoform, a principios de la década de los cincuenta, pasando por sus viajes por el mundo, fotografías urbanas y retratos de artistas. Se articula en la siguientes secciones: Fotoform, Poste Restante, La Place Blanche, El París de los artistas y España.
La exposición se completa con un bien cuidado catálogo, con reproducciones de todas las fotografías expuestas y dos ensayos. Uno a cargo de la comisaria de la exposición, Estelle af Malmborg, y otro del crítico francés Christian Caujolle. Además, incluye una interesante conversación entre Estelle af Malmborg y el fotógrafo sueco Anders Petersen, sobre la trayectoria de Christer Strömholm.
En un próximo número de la versión impresa de FV dedicaremos un extenso artículo a este gran autor.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/