Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Los procesos interiores de Chema Madoz

Hasta 10 de enero de 2027 se podrá visitar una singular exposición de Chema Madoz, titulada “Interiores”, en la sala Verónicas (calle Verónicas, 4, Murcia). La misma está centrada no sólo en sus fotografías, sino también en los procesos artísticos que llevan a su consecución.

Los procesos de un ojo singular
Chema Madoz (Madrid, 1958), cuyo ojo fotográfico definió José María Parreño con estas palabras: “mira igual que anda un caballo de ajedrez; pone los ojos ahí enfrente, y se le van dos casillas adelante y otra de costado”, muestra en “Interiores” aquellos procesos que le sirven para transformar una idea en una imagen. Porque Chema Madoz no es ni un cazador de imágenes (Henri Cartier-Bresson), ni un pescador de imágenes (Robert Doisneau), como lo definiera el propio Doisneau, sino un creador que genera sus propios mundos.
En palabras de Sema D’Acosta, comisario de la exposición, “No había tanta diferencia entre ponerse a escribir o pensar sobre el potencial de una imagen mientras la dibuja en un cuaderno. No le animaba especialmente salir a la calle, ni captar ningún instante decisivo. Todo lo importante estaba en su cabeza, el quid era explotar su universo interior. Y esa fue la clave, el pilar que ha dado solidez y sentido a su trayectoria, ser consciente de que su trabajo es un ejercicio de inteligencia que pone en juego mecanismos mentales que estimulan nuestro bagaje de experiencias y mundología. Las fotografías no son espejos que reflejan nuestra existencia, sino complejas codificaciones culturales que modulan el pensamiento y la comunicación”.

Para más información: http://www.salaveronicas.es/

Eugenio Recuenco explora el límite de lo humano en La Térmica de Málaga

El espacio La Térmica de Málaga (Av. de los Guindos, 48), exhibe el proyecto inédito “Fulgor y Delirio: Cartografía de lo humano”,  del reconocido fotógrafo Eugenio Recuenco, que ocupará sus dos salas de exposiciones hasta el 31 de enero de 2027. La muestra reúne un conjunto estructurado de fotografía, vídeo, escultura y elementos sensoriales para explorar el cuerpo, el deseo, las emociones y las relaciones humanas, que se complementa con un completo ciclo de actividades paralelas en torno a la salud mental y al complejo universo del artista.

Una cartografía de lo humano
En “Fulgor y Delirio”, Recuenco utiliza el cuerpo como punto de partida para hablar de cuestiones que van mucho más allá de lo físico. Así, el cuerpo se convierte en símbolo y en vehículo para explorar emociones, deseos, obsesiones y formas de relacionarnos con nosotros mismos y con los demás. Placer, sumisión, poder, amor, pasión o abandono atraviesan las imágenes y construyen una suerte de mapa poético de la experiencia humana. De esta forma, la exposición propone un recorrido entre lo visible y lo intangible, entre aquello que mostramos y aquello que permanece en nuestro interior.
La exposición ocupará las dos salas de La Térmica. En una de ellas, las fotografías de gran formato se presentan en dípticos y con una puesta en escena más académica, que permite detenerse en la composición, los detalles y la construcción de cada imagen; en la otra, las fotografías aparecen integradas en cajas de luz que emergen de las paredes oscuras, convirtiendo la propia luz en parte esencial de la experiencia.

Eugenio Recuenco, una mirada imprescindible dentro de la fotografía contemporánea
Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) se caracteriza por su universo de escenografías muy construidas donde recrea conceptos y mundos visuales, así como por una iluminación teatral y una narrativa casi cinematográfica. Influenciado sin duda por su formación —licenciado en Bellas Artes, con especialidad en pintura— y por su estrecha relación con el cine, la publicidad y la dirección artística, Recuenco ha desarrollado una trayectoria que le ha llevado a trabajar para algunas de las principales marcas internacionales —Loewe, Yves Saint Laurent, Diesel, Sony y PlayStation, entre otras—, artistas —como la mítica banda alemana de rock Rammstein y el violinista libanés Ara Malikian— y revistas de moda y tendencias —“Vogue”, “Vanity Fair” y “Marie Claire”—, así como otras prestigiosas publicaciones dedicadas a la fotografía, como FV; además de desarrollar proyectos personales en los ámbitos de la fotografía, el cine y la creación audiovisual. Su obra ha encontrado lugar en espacios e instituciones como el Museo Reina Sofía, Fotografiska de Estocolmo, el Museo Kunsthalle de Rostock, la Biblioteca Nacional de España y el Museu del Disseny de Barcelona. Además, ha participado en festivales como PhotoEspaña, Les Rencontres d’Arles, Paris Photo y ARCO. Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Nacional de Fotografía ABC y varios galardones en Cannes Lions.

Para más información: https://latermicamalaga.com/

“Paisajes perdidos” de Barcelona

La exposición “Paisajes perdidos” se podrá visitar hasta el 31 de octubre de 2026 en el centro cívico Pati Llimona (carrer del Regomir, 3, Barcelona). Esta muestra refleja la transformación progresiva de los espacios que los ciudadanos consideraban como propios, pero que han sido sustituidos por nuevas construcciones que borran sus señas de identidad. La muestra, impulsada por la Federación de Asociaciones Vecinales de Barcelona (Favb), se enmarca en la programación de Barcelona 2026, Capital Mundial de la Arquitectura.

Un contraste de imágenes
El núcleo visual de “Paisajes perdidos” parte del contraste de imágenes: por un lado, se muestran fotografías del estado actual o de la sustitución urbanística de varios emplazamientos frente a imágenes históricas de esos mismos lugares. La exposición no se centra únicamente en monumentos y arquitecturas excepcionales, sino que también da protagonismo a calles, plazas y edificios sencillos que formaban parte de la memoria colectiva de un barrio. Son elementos que, sin ser extraordinarios, configuraban el paisaje cotidiano y permitían reconocer un barrio como propio. Asimismo, pone de relieve cómo la presión urbanística transforma barrios enteros y hace desaparecer muchos de sus tejidos originales: masías, espacios verdes, elementos catalogados e incluso tramas urbanas enteras. Además, se vislumbra una realidad: cuanto más lejos del centro de la ciudad, más frecuente es la destrucción silenciosa de un patrimonio popular que, pese a representar la historia y la vida de muchas más personas, continúa desapareciendo.

Ciclo de debates y paseos guiados
“Paisajes perdidos” está acompañada de un ciclo de cuatro charlas en las que se debatirá sobre este proceso de cambio patrimonial y sustitución urbanística desde distintas perspectivas: la de los expertos, la de las entidades vecinales, la de los políticos y la de la ciudadanía. Los debates, abiertos al público, se celebrarán en el mismo Pati Llimona.
A lo largo del mes de octubre también se han programado nueve paseos por distintos barrios de la ciudad: La Clota, Vallvidrera, Trinitat Nova y Trinitat Vella, Poblenou, Glòries, Esquerra de l’Eixample y Sant Antoni, La Taxonera, Can Peguera y, finalmente, el Torrent de la Guineu.

Para más información: https://patillimona.net/

Minor White, en la Fundación Mapfre de Madrid

Tras su paso por la sede barcelonesa de la Fundación Mapfre, llega a la sala Recoletos de Mapfre en Madrid (Paseo de Recoletos, 23), una gran exposición retrospectiva dedicada al fotógrafo norteamericano Minor White (1908-1976), que se podrá visitar hasta el 10 de enero de 2027.
Se trata de la muestra más completa de Minor White realizada hasta ahora en Europa y está compuesta de unas 250 copias de época, más de la mitad de ellas correspondientes a sus secuencias. Algunas de ellas jamás se exhibieron en vida del autor. Además se exhiben diversos objetos, como hojas de contacto, libros y ejemplares originales de la influyente revista “Aperture”, que él mismo fundó y de la que fue director.

Estructura cronológica
La exposición se articula de forma cronológica y recorre los principales lugares en los que Minor White vivió y desarrolló su labor como fotógrafo, docente y editor.
El recorrido comienza en sus inicios profesionales en Portland (Oregón), ciudad a la que se mudó tras graduarse en botánica e inglés en la universidad de su Minnesota natal. Allí, Minor White desarrolló su propio trabajo artístico, a la vez que trabajaba para el Oregon Art Project, fundado por la Works Progress Administration (WPA), programa artístico de la Federal Works Agency. Este organismo estatal agrupó una gran cantidad de entidades de infraestructura, carreteras, vivienda y asistencia social en el empleo, gracias a los programas de reactivación económica del New Deal, encaminados a luchar contra las consecuencias económicas de la Gran Depresión.
Tras su paso por la Segunda Guerra Mundial en el teatro del Pacífico, por lo que fue condecorado, Minor White se dedicó a la enseñanza de la fotografía en la California School of Fine Arts, junto a colegas como Ansel Adams. En 1952 participó, junto con un grupo de fotógrafos y críticos, en la fundación de la revista “Aperture”, publicación que desempeñaría un papel fundamental en el panorama fotográfico estadounidense durante la segunda mitad del siglo XX.
También durante esa etapa comenzó a desarrollar de forma sistemática las secuencias que serían una de las señas de identidad de su obra, creando una estructura narrativa y reflexiva donde las imágenes se relacionan entre sí, generando asociaciones y ritmos.
En 1953 se trasladó a Rochester (Nueva York), contratado por la empresa George Eastman House, conocida por su marca Kodak, como comisario y docente. En este periodo profundizó en su interés por la espiritualidad, en este caso oriental, tras haber pasado por el catolicismo, que tuvo una gran presencia en su concepción de la fotografía y en su obra.
Finalmente, se estableció en la ciudad de Cambridge (Massachusetts), donde enseñó fotografía en el Massachusetts Institute of Technology (MIT), hasta su enfermedad y fallecimiento en 1976, del que este año se conmemora el quincuagésimo aniversario.

La importancia de Minor White
No tan conocido por el gran público como algunos de sus contemporáneos, entre ellos Ansel Adams y Edward Weston, Minor White es uno de los pilares de la fotografía del siglo XX y su importancia radica en que transformó el medio fotográfico en una herramienta de exploración espiritual y psicológica, más allá de la propia imagen. Minor White no sólo destaca por la calidad técnica de su obra, sino también por la profunda influencia que tuvo como educador, editor y pensador de la imagen, ya que para él una fotografía no debe ser una mera reproducción del mundo, sino que debe convertirse en el equivalente visual de una experiencia interior o un estado emocional del fotógrafo.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/

Leny Pellitero, en el Centro Leonés de Arte

La fotógrafa leonesa Leny Pellitero ha inaugurado en el Centro Leonés de Arte (avenida de la Independencia, 18, León) la exposición “Leny Pellitero: memoria gráfica”, formada por sesenta imágenes integradas en tres series: “Mujeres”, “Sudán del Sur” y “Cruzándome con lo insólito”. La muestra se podrá visitar hasta el 22 de noviembre.

Tres series
La serie “Mujeres” plantea un homenaje a las mujeres como eje fundamental de la sociedad. La propia fotógrafa ha señalado que “detrás de cada mujer hay una historia que la convierte en guerrera. Son el motor del mundo”. Las imágenes muestran la realidad cotidiana de mujeres en distintos países y reflejan su trabajo y su tenacidad. “Cruzándome con lo insólito” reúne una veintena de fotografías en torno al componente sorpresivo que interpela al espectador. Por su parte, “Sudán del Sur” es un homenaje a las culturas tribales y étnicas del sur de Sudán y a su conexión con la naturaleza y los animales. Se trata del país más joven del mundo, pues se independizó en 2011, y está conformado por diversas etnias, a cuyos rituales y celebraciones tuvo acceso Pellitero.

Trayectoria
Magdalena “Leny” Pellitero Cabero (1956) nació en Bercianos del Páramo y desde muy pequeña sintió atracción por la fotografía, influida por la afición de su padre, que tenía una cámara Werlisa. Estudió y ejerció enfermería en Oviedo hasta su jubilación. El año 1994 marcó un punto de inflexión en su trayectoria, según ha confesado, y desde entonces la fotografía se convirtió en un elemento consustancial de su vida. Participó como voluntaria con la ONG Médicos Mundi en Perú y colaboró con el obispo Nicolás Castellanos, en Bolivia. También ha realizado viajes con el antropólogo Joan Riera por África y Asia. Como ella misma ha indicado, “cuando estoy fuera voy todo el día con la cámara, es cuando más aprovecho, llevas los ojos más abiertos”.
Su obra ha obtenido reconocimiento en certámenes diversos, como el concurso Nuevos Talentos de los Encuentros Fotográficos de Gijón, en 2019; el Premio Fundación Aquae, en 2021, y el Premio Especial Centenario de la Cámara de la Propiedad de León 2023, entre otros. Las fotografías de esta muestra fueron realizadas entre 2015 y 2024 en Bolivia, Portugal, España, Turquía, India, Pakistán, Afganistán y Cuba.

Para más información: https://www.institutoleonesdecultura.es/leny-pellitero-cla/

Eugeni Forcano, en Factoria Cultural de Terrassa

La Sala 3 de LaFACT (Factoria Cultural de Terrassa), situada en la Rambla d'Ègara, 340, acogerá hasta el 8 de noviembre, una exposición titulada “París 1962”, sobre el reportaje que el fotógrafo catalán Eugeni Forcano realizó en la capital francesa, en la primavera de 1962.
La muestra, cuyo comisariado está a cargo de Josep Guindo, Josep Maria Forcano —hijo del autor— y Laura Terré, recupera un reportaje fotográfico singular sobre la vida cotidiana parisina de principios de los años sesenta, que combina la mirada personal y sensible del autor con imágenes tanto conocidas como inéditas.

París 1962
La exposición presenta una selección de fotografías realizadas por Forcano durante su estancia en París en la primavera de 1962, en el marco del proyecto “11 fotógrafos españoles en París”. Invitado por Charles Duprat, entonces representante del Comisariado General de Turismo francés, junto con otros diez nombres destacados de la fotografía española (Andreu Basté, Leonardo Cantero, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Joan Cubaró, Paco Gómez, Ramón Masats y Oriol Maspons), Forcano captó la vida cotidiana de la ciudad y de sus habitantes con su mirada sensible y personal. La muestra recupera este trabajo, e incluye tanto imágenes ya conocidas como otras inéditas.
Entre el 21 y el 28 de mayo de 1962,  Eugeni Forcano visitó París con una acreditación del ministerio francés que le abrió todas las puertas y le permitió realizar un amplio reportaje de la ciudad y de sus habitantes. El resultado del trabajo de este selecto grupo de fotógrafos invitados se pudo ver en dos exposiciones colectivas: una a finales de 1962, en la Sala Aixelà de Barcelona, y otra en la Galería Biosca de Madrid, a principios de 1963.

Eugeni Forcano
Nacido en Canet de Mar (Barcelona), en 1926, primogénito de una familia de trece hermanos, Eugeni Forcano i Andreu inició su trabajo fotográfico en 1946. Eugeni alcanzó un gran reconocimiento en los concursos y salones de la época. En 1960 hizo de la fotografía su oficio, ingresando en el equipo del semanario “Destino”, de la mano de Josep Vergés i Matas (1910-2001), su fundador, y del periodista Josep Pla i Casadevall (1897-1981). En colaboración con su hermano Josep, Eugeni creó el Studio Forcano, dedicado al retrato, la ilustración, la moda y la publicidad. Colaboró con una gran cantidad de publicaciones, incluida la mítica revista fotográfica “Afal”, del grupo fotográfico del mismo nombre.
La obra de Eugeni tiene registros muy diversos, desde el retrato hasta el reportaje, la experimentación del color, la moda y la publicidad.
Tras recibir en 2005 la Medalla de Oro de Barcelona, al año siguiente se realizó la gran exposición antológica “Eugeni Forcano. Fotografies, 1960-1996”, de la que la editorial Lunwerg publicó un catálogo.
Posteriormente le otorgarían la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura. Falleció en 2018.

Para más información: https://www.lafactcultural.cat/exposicio/eugeni-forcano-2/

Joaquín Oses, la Málaga del siglo XIX

La Sala de Exposiciones del Rectorado de la Universidad de Málaga (UMA) (avenida de Cervantes, 2) acoge la muestra “Joaquín Oses (1839-1893). Una vida dedicada a la fotografía”, que se podrá visitar hasta el 9 de enero de 2027 y que reúne cerca de un centenar de fotografías originales y otras tantas reproducidas en dos proyecciones permanentes, sobre la historia social y cultural de Málaga.

Un fotógrafo entre Málaga y Córdoba
Joaquín Oses Cruz (1839-1893) se inició en el oficio de fotógrafo en Madrid, de la mano de Jane Clifford, esposa de Charles Clifford y primera mujer en ser admitida en la Sociedad Francesa de Fotografía. Ejerció en su estudio como retratista, primero junto al también malagueño Ramón Sánchez Navarro y luego en solitario. De regreso a su Málaga natal, donde abrió un estudio en 1874 y luego, abrió otro en Córdoba, en 1878, donde, además de retratos, realizó vistas de ambas ciudades y grandes panorámicas.

La Málaga del siglo XIX
El recorrido expositivo comienza con dos grandes retratos de tamaño natural, uno de ellos iluminado al óleo, de sendos abogados ilustres malagueños. A estos les siguen los primeros retratos, alguno en colaboración con su amigo Ramón Sánchez Navarro, a los que se añade una sección de vistas que arranca con la panorámica de Málaga que tomó hacia 1875, desde lo alto de la famosa Farola.
La exposición incluye también fotografías taurinas y actos religiosos, así como documentos vinculados a la vida profesional del fotógrafo, como artículos de prensa, una hoja del censo, el acta de la Sociedad Malagueña de Ciencias, la memoria de una patente sobre técnica fotográfica y su acta de defunción.
Uno de los apartados más singulares está dedicado a los llamados retratos de tipos, una serie con personajes populares, niños, majos, flamencas y el emblemático cenachero o vendedor ambulante de pescado fresco, del que se muestra una de las primeras imágenes fotográficas conocidas.

Para más información: https://www.uma.es/sala-de-prensa/noticias/joaquin-oses-1839-1893una-vida-dedicada-la-fotografia-nueva-exposicion-en-el-rectorado/

Martin Parr, en la Marc Bibiloni, Madrid

La galería Marc Bibiloni de Madrid (Divino Vallés, 12) ha programado la primera gran retrospectiva en España sobre Martin Parr, después de su fallecimiento en diciembre de 2025, que se podrá visitar hasta el 31 de octubre de 2026.

A Matter of Taste
La exposición “A Matter of Taste” (Un asunto de gusto), que está diseñada como un homenaje a la memoria del británico Martin Parr (1952-2025). consiste en una selección de algunas de sus series más emblemáticas, cuyas temáticas y tratamiento del color definieron un estilo propio y genuino, entre la crítica y el humor.
“The Last Resort” (El último centro turístico) (1983-1985), una mirada crítica y humorística, pero con un cierto tono de afecto nada condescendiente, sobre las vacaciones de la clase trabajadora en una sociedad tan sumamente clasista como la británica, supuso su primera gran obra en color y le hizo ganar presencia internacional, a pesar de la mala recepción inicial. Aunque ya había realizado antes grandes trabajos, como “The Non-Conformists” (Los inconformistas) (1975-1982) estos eran en blanco y negro.
En la siguiente serie, “Common Sense” (Sentido común), el tratamiento del color es muy parecido, ya que sería su marca de autor, pero los temas pasaron a centrarse más en los detalles de los cuerpos y de objetos.
El resto de la exposición está dedicada a sus trabajos relacionados con la moda, para Gucci y la revista “Vogue”, donde dejó su impronta personal.

Martin Parr
Martin Parr comenzó a fotografiar con sólo 14 años. Su paso del blanco y negro al color —caracterizado por tonos saturados y por temáticas como el ocio, el consumo o la comida basura— le permitió desarrollar un universo propio y reconocible, que llegó a servir de referencia a otros fotógrafos.
Su legado no es solamente un vasto archivo, sino también un compromiso con el futuro de la fotografía británica. En 2017, fundó la Fundación Martin Parr en Bristol, con la doble misión de apoyar a “fotógrafos emergentes, consagrados o ignorados que han realizado y siguen realizando trabajos centrados en Gran Bretaña e Irlanda” y de albergar su “propio y vasto archivo”, garantizando su accesibilidad para las generaciones futuras.
Sus proyectos finales sirvieron como un magnífico colofón a su carrera, pues era consciente de su enfermedad desde 2021. El documental “Yo soy Martin Parr” (2024), disponible en plataformas como Filmin, y su autobiografía “Utterly Lazy and Inattentive” (Absolutamente perezoso y distraído), escrita en colaboración con la autora Wendy Jones y publicada en septiembre de 2025, permiten entender muy bien a la persona y al personaje. El título hace una referencia irónica a un informe escolar de cuando tenía catorce años.

Galería Marc Bibiloni Madrid
Marc Bibiloni (Palma de Mallorca, 1991) cofundó en 2021, junto con Miquel Campins, La Bibi Galery en Palma de Mallorca, pero con sede itinerante. Tras separar sus caminos, abrió en Madrid, en la primavera de 2025, la galería que lleva su nombre, en una antigua nave industrial en el barrio de Delicias. En sus propias palabras: “Al final, llega un punto en que Madrid es un referente europeo en el arte contemporáneo. Aunque siempre tengo la mirada hacia Mallorca, y de aquí a unos años me haría ilusión abrir otro espacio allí”.

Para más información: https://marcbibiloni.com/