Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Mitologías modernas: Ouka Leele & co.”, en la Sala Alcalá 31

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid (calle Alcalá, 31) presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, la exposición “Mitologías modernas: Ouka Leele & co.”, que explora la recuperación de la mitología clásica en el arte madrileño de los años ochenta y su influencia en algunos de los principales creadores vinculados a la Nueva Figuración —movimiento pictórico que llegó a nuestro país décadas después de su origen en los años cincuenta— y a la Movida madrileña.
Con Julio Pérez Manzanares (Segovia, 1983) como comisario, la exposición reúne más de cien obras de artistas como Ouka Leele, El Hortelano (José Alfonso Morera Ortiz, 1954-2016), Ceesepe (Carlos Sánchez Pérez, 1958-2018), Carlos Franco (1951), Sigfrido Martín Begué (1959-2010), Guillermo Pérez Villalta (1948), Dis Berlin (Mariano Carrera Blázquez, 1959), Pablo Sycet (1953), Costus —Enrique Naya Igueravide (1953-1989) y Juan José Carrero Galofré (1955-1989)— y Patricia Gadea (1960-2006), entre otros. Según su comisario: “Los mitos se transforman y cuentan otras historias o cuentan las mismas, pero de manera distinta. Así que nunca está de más volver la vista hacia los mitos y ver qué nos siguen contando, porque sólo el arte, en ocasiones, puede ayudarnos a desvelar lo real de otra manera”.

Mitología eterna
La exposición propone una reflexión sobre la reapropiación de la mitología como herramienta simbólica para reinterpretar el presente en el momento de profunda transformación cultural y social que fue la Transición. A través de distintos lenguajes, como la fotografía, la pintura, el dibujo y la cultura visual contemporánea, el recorrido muestra cómo estos artistas construyeron nuevas narrativas e imaginaron otras formas de representación de la ciudad y de la identidad.
El punto de partida de la exposición es la fotografía coloreada “Rappelle toi, Barbara!” (¡Acuérdate, Bárbara!), emblemática intervención de Ouka Leele (Bárbara Allende Gil de Biedma, 1957-2022) en la fuente de Cibeles de la capital madrileña, en 1987, donde la artista recreó el mito clásico de Hipómenes y Atalanta, en pleno centro de Madrid. A partir de esta obra, la muestra establece conexiones entre los relatos clásicos y las nuevas formas de creación surgidas en la emergente escena artística madrileña de los años ochenta.
La obra de Ouka Leele vertebra el diálogo entre tres elementos fundamentales para el arte de la época: la irrupción de los nuevos medios —con la fotografía, el diseño y los lenguajes pop—; la renovación pictórica iniciada a mediados de los setenta; y la recuperación de la mitología como repertorio visual y conceptual para interpretar la contemporaneidad.

Una nueva lectura
El conjunto de referencias clásicas, imaginarios urbanos —ya sea Madrid o Nueva York— y cultura alternativa conviven en una exposición que ofrece una nueva lectura sobre una generación de artistas decisiva para la evolución reciente del arte español. En lugar de tratarse de una exposición de índole biográfica, lo es de carácter histórico, probablemente la primera que se realiza en este sentido. Su comisario nació después de que comenzase el fenómeno de la Movida y se trata, por tanto, de un enfoque muy distinto del realizado en esta misma sala hace veinte años, con motivo del vigésimo quinto aniversario de aquel periodo. Blanca Sánchez Berciano (1948-2007), su comisaria de entonces, no sólo formó parte de la Movida, sino que fue una pieza clave en su desarrollo. Fue colaboradora del galerista Fernando Vijande Brees (1929-1986), quien trajo a España a Andy Warhol (1928-1987), en 1983, y a Robert Mapplethorpe (1946-1989), en 1984.
De acuerdo con Pérez Manzanares, Madrid es una ciudad que genera mitologías artísticas, que “nos permite dibujar, con sus mitologías clásicas y modernas, una historia diferente —no menos mitológica y, quizá por eso, más real— de algunas de las creaciones artísticas que la ciudad de Madrid vio florecer en estas décadas”.
“Mitologías modernas: Ouka Leele & co.” va acompañada de un catálogo, en el que se pueden encontrar tres textos firmados respectivamente por Julio Pérez Manzanares, María Rosenfeldt Allende (1990), hija de la artista, y la escritora Ana Rossetti (1950), así como la reproducción de las obras expuestas, por supuesto.

Espacio expositivo de una belleza encendida
La Sala Alcalá 31 se ha acondicionado específicamente para esta exposición con un hermoso y cuidado diseño de Studio Animal, que ha creado lo que da la sensación de ser un hipogeo de tipo “tholos” —columnata circular—, pero en lugar del blanco níveo de los templos clásicos, reservado aquí sólo para el paramento de la entrada frontal, incorpora brillantes colores rosas y rojos, que retrotraen a la exuberancia de la Movida. En torno a este “tholos”, que bien pudiera ser el templo de Vesta en Roma y que tiene el diámetro de la fuente de Cibeles, según indicó el comisario, se articulan seis espacios: el principal dedicado a Ouka Leele y los demás a Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano, Sigfrido Martín Begué y Guillermo Pérez Villalta, respectivamente. En las galerías superiores se recuperan obras de la época de artistas menos conocidos, pero no por ello menos importantes, dedicados a temas clásicos.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/centros/sala-alcala-31

“Nada espontáneo. Una mirada a los 90”, de Jesús Ugalde

La exposición fotográfica “Nada espontáneo. Una mirada a los 90”, de Jesús Ugalde (1964), se podrá visitar en la Nave 15 del Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14), hasta final del verano de 2026. La muestra reúne 22 retratos de figuras clave de la música española de esa década, procedentes del archivo del autor.
Las fotografías, colgadas en los vanos de puertas y ventanas visibles desde la Plaza Matadero, recogen momentos significativos de la escena musical de los años noventa, como la grabación de “Sin documentos” de Los Rodríguez, la primera sesión fotográfica de La Oreja de Van Gogh, así como retratos de Alejandro Sanz, previos a la publicación de “Más”. También aparecen artistas como Martirio, Rosana, Raimundo Amador y Christina Rosenvinge.

La estética del posado en los 90

El título de la exposición alude al carácter poco espontáneo de la fotografía de la época, marcada por la construcción deliberada de la imagen. Según el propio Ugalde, se trató de una década definida por la pose y el artificio, un rasgo que, a su juicio, anticipa prácticas hoy habituales en el contexto de las actuales redes sociales.
La muestra incluye asimismo retratos destacados como el de Carlos Berlanga, caracterizado como Gala, musa de Salvador Dalí. Se trata de una fotografía inédita, elegida como cartel de la exposición.
Junto a la música, la exposición incorpora referencias al ámbito cinematográfico, con retratos de figuras como Antonio Banderas y Fernando Trueba, así como una fotografía inédita del rodaje de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, en la que se puede ver a Pedro Almodóvar dirigiendo una de sus escenas más reconocidas. Algo muy inusual, porque no suele permitirlo.

Más de tres décadas
El madrileño Jesús Ugalde Solís cuenta con una trayectoria de más de tres décadas en la fotografía de retrato y moda. Durante los años noventa trabajó para importantes discográficas, lo que le permitió documentar de cerca a los principales artistas del momento. Su carrera incluye colaboraciones con diversas publicaciones y proyectos vinculados al ámbito cultural, lo que ha consolidado su posición como uno de los retratistas de referencia en España.
La exposición coincide con la programación musical al aire libre de Matadero Madrid, que incluye citas como el Día Europeo de la Música en Matadero y el ciclo “Superestrellas”, de CinePlaza. En los días que coincida, no se podrá visitar las exposición.

Para más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/nada-espontaneo-una-mirada-los-90

XIV Biennal de Fotografia Xavier Miserachs

La XIV edición de la Biennal de Fotografia Xavier Miserachs se celebrará del 2 de agosto al 18 de octubre, en diferentes espacios de la localidad gerundense de Palafrugell. El festival, uno de los más antiguos de Cataluña, programa 11 exposiciones —la mayoría inéditas y de producción propia—, actividades complementarias abiertas al público y visitas guiadas. La Biennal rinde homenaje a Xavier Miserachs (1937-1998) y a su generación, con el objetivo de dar a conocer el trabajo de grandes figuras de la historia de la fotografía nacional e internacional, además de apoyar la obra de jóvenes fotógrafos y recuperar archivos fotográficos de la comarca.

Once exposiciones
Una de las exposiciones principales de esta edición de la Biennal es “Dorothea Lange. Un largo viaje”, con fotografías de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, que documentan el trabajo de la autora para la Farm Security Administration (FSA), realizadas durante la Gran Depresión de los años treinta. También acoge la exposición “Sergio Larrain. El vagabundo de Valparaíso”, la primera retrospectiva del fotógrafo chileno (1931-2012) en Cataluña, producida por la agencia Mágnum Photos, en colaboración con la Fundación Foto Colectania.
Por su parte, la Fundació Vila Casas - Can Mario exhibirá una selección de Gabriel Cualladó (1925-2003), figura clave de la renovación de la fotografía española del siglo XX. La exposición singular “Adjetivar el tiempo. Txema Salvans - Josep Pla” indaga en los procesos creativos de ambos autores. “Els Casanovas. Nissaga de fotògrafs” recorre un siglo de historia de Palafrugell, a partir del linaje fotográfico iniciado por Lluís Casanovas Marquès hace 150 años. La librería Nollegiu Mediterrània acogerá la exposición “Fotografia [en] coberta”, consistente en una muestra colectiva con fotografías que ilustran cubiertas de libros, con obras de Gabriel Casas, Dorothea Lange, Colita, Agustí Centelles, Josep Carreras y Xavier Miserachs.
El festival también dedica espacio a la fotografía joven con los proyectos de Carles Palacio (“Treballadors de la mar”), Wayra Ficapal (“El paisatge invisible”) y Vero Mora Noya (“Osses”). Además, se suma al centenario del nacimiento de Modest Cuixart con “Cuixart a tres bandes i …”, que retrata al artista a través de la mirada de los fotógrafos locales Lluís Maimí, Josep Capellà y Francesc Dalmau.
La exposición “Local és global” reunirá una selección de la Colección Art Banc Sabadell. Fotografia Documental, con autores como Samuel Aranda, Toni Arnau, Lorenzo Meloni, Santi Palacios, Edu Ponces y Anna Surinyach, entre otros.

Actividades complementarias
El programa gratuito incluye la proyección de “Las uvas de la ira” (John Ford, 1940), vinculada a la exposición de Dorothea Lange, y los documentales “Sergio Larrain. El instante eterno” (Sebastián Moreno, 2021) y “Atín Aya. Retrato del silencio” (Hugo Cabezas y Alejandro Toro, 2024). También se programan una conferencia del filósofo Xavier Antich sobre Dorothea Lange y las presentaciones de los proyectos “La Fiesta Brava”, de Ariadna Creus, y “La rellevància de la fotografia domèstica: Salvem les Fotos UPV / Recuperar les memòries”.

Para más información: www.biennalxmiserachs.org

Primera retrospectiva europea de Minor White, en la Fundación Mapfre de Barcelona

Fundación Mapfre ha presentado las exposiciones “Minor White” y “Joaquín Tusquets de Cabirol. La forma elocuente”, que se podrán visitar hasta 6 de septiembre de 2026 en el centro de fotografía KBr (avenida del Litoral 30, Barcelona). La iniciativa se enmarca en las líneas habituales de programación de KBr, centradas en la revisión de grandes figuras de la fotografía del siglo XX y en la colaboración con instituciones que conservan archivos fotográficos.

Primera retrospectiva de Minor White en Europa
Según afirma la Fundación Mapfre, esta muestra dedicada a Minor White (1908-1976) constituye la primera gran retrospectiva del fotógrafo estadounidense en Europa. Reúne alrededor de 250 copias de época y propone un recorrido cronológico por las distintas etapas de su carrera, destacando su concepción de la fotografía como herramienta de introspección y transformación espiritual.
El proyecto aborda temas recurrentes en la obra de White, como la naturaleza, el paisaje, el retrato y el desnudo masculino. En concreto, incluye algunas de sus secuencias más destacadas, entre ellas “Slow Dance” (Baile lento), la única realizada en color y concebida originalmente como una proyección dual de diapositivas.
La exposición se completa con materiales documentales y obras no integradas en sus series, lo que permite ampliar la visión sobre su trayectoria artística, editorial y docente.

Recuperación del legado de Tusquets de Cabirol
La segunda exposición está dedicada a Joaquín Tusquets de Cabirol (1904–1979), fotógrafo aficionado, activo entre las décadas de 1940 y 1960. Su obra, centrada en escenas cotidianas de la posguerra, ha sido revalorizada tras la recuperación de gran parte de su archivo, hallado a principios de siglo y cuya autoría se confirmó en 2020. La muestra presenta imágenes del litoral, el entorno urbano y rural, además de destacar la importancia de la fotografía amateur en el contexto español y, específicamente, en Cataluña. A través de la luz, la composición y el encuadre, Tusquets construye una mirada sobre lo cotidiano como forma de interpretación de la realidad.

Para más información: https://kbr.fundacionmapfre.org/

“Doubts”, de Paolo Roversi, en la Fundación MOP

La Fundación MOP (Marta Ortega Pérez) de A Coruña (Avenida Jardines de Méndez Núñez, s/n). presenta la exposición “Doubts”, dedicada al fotógrafo italiano Paolo Roversi (1947), que se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2026. La muestra reúne tanto algunas de las obras más emblemáticas del artista como imágenes inéditas, en un recorrido por más de cuatro décadas de trayectoria.

Figura clave en la fotografía de moda
La exposición propone una aproximación íntima al trabajo de Roversi, considerado una figura clave en la evolución del lenguaje de la fotografía de moda. A lo largo de su carrera, este fotógrafo ha desarrollado un estilo propio, que se caracteriza por una estética propia que, según la crítica, dota a sus imágenes de una notable capacidad evocadora.
El título de la muestra, “Doubts” (Dudas), responde a una idea central en el proceso creativo del autor. Roversi defiende que la duda actúa como motor de la imaginación y la creatividad, en contraposición a las certezas, que, a su juicio, limitan la exploración artística. Esta concepción se refleja en una selección de obras que incorpora diversas técnicas, entre ellas el uso de la fotografía instantánea Polaroid.
El recorrido expositivo se estructura en distintas secciones interconectadas —Theatre (Teatro), Appearances (Apariencias), Shadows (Sombras), Doubts (Dudas), People (Gente), Presence (Presencia), Grace (Gracia), Beauty (Belleza) y Fading (Desvanecimiento)—, cada una centrada en un aspecto de su universo visual. En conjunto, la muestra pone de relieve tanto la técnica del fotógrafo como una visión estética basada en la exploración de la luz, la sombra y el vacío.

Para más información: https://themopfoundation.org/

Volver a imaginar, en el Círculo de Bellas Artes

Como parte de las celebraciones del centenario de su edificio, el pasado 5 de junio se inauguraron en el Círculo de Bellas Artes (calle Alcalá, 42, Madrid) tres exposiciones de la edición 2026 de PHotoEspaña. En concreto, se han inaugurado “Refusal. Second Fracture” (Rechazo. Segunda fractura), del polaco Rafal Milach (1978); “Ruina Montium” (Cortas de minado), de la francesa Raphaëlle Peria (1989); y la colectiva “Volver a imaginar”, en un diálogo de obras de trece artistas, diez españoles, dos de los Países Bajos —país invitado a esta edición de PHotoEspaña—, y un suizo. Todas las exposiciones se podrán visitar hasta el 27 de septiembre de 2026.

Volver a imaginar
La colectiva “Volver a imaginar”, cuyas comisarias son Geaninne Gutiérrez-Guimarães (1980), conservadora asociada, de origen peruano, de los Museos Guggenheim de Bilbao y Nueva York, y Maíra Villela, responsable de programas y actividades de PHotoEspaña, toma su nombre del lema de la edición de 2026, cuya premisa, en palabras de la directora del festival, María Santoyo, es apostar por la fotografía como herramienta creativa que explora los límites de la imagen. Para ello, hay que contar con creadores que “rompen las costuras de la fotografía”, ya sea por sus temáticas, por los formatos que utilizan o la combinación de la fotografía con otros medios. En definitiva, reivindicar la imaginación al servicio de la fotografía.
Según Geaninne Gutiérrez-Guimarães, la exposición se estructura en cuatro ejes principales: identidad, autoridad, memoria y territorio. La misma constituye una reflexión sobre la condición humana y el paso del tiempo, a la vez que lo técnico y lo estético se articulan en una desmaterialización del proceso fotográfico mediante una experimentación tanto material como conceptual.
Los fotógrafos participantes son el suizo Yann Gross (1981); los neerlandeses Rob Hornstra (1975) y Anoek Steketee (1974); y los españoles Txema Salvans (1971), Javier Arboledas (1974), Eduardo Nave (1976), Ira Lombardía (1977), Arguiñe Escandón (1979), Aleix Plademunt (1980), Rafael Trapiello (1980), Lurdes Basolí (1981), Jon Gorospe (1986) y Juan Couder (1988).

Refusal. Second Fracture
La obra “Refusal. Second Fracture”, del polaco Rafal Milach, que ha contado con el apoyo, entre otros, del Instituto Polaco de Cultura en Madrid, es una reflexión sobre los sistemas de propaganda y poder en la Europa del Este, pero fácilmente extrapolable a Europa occidental debido al auge de los populismos ultras que han llegado a los circuitos políticos de poder. Esta exposición toma como punto de partida la figura de Xenia Degelko, a quien Milach fotografió en 2013 como parte de su proyecto “Winners” (Ganadores). Entonces era presidenta de la Unión de la Juventud Republicana de Bielorrusia en el pueblo de Aktyabrsky, había ganado el concurso “Líder del año” en la región de Mogilev, por lo que recibió un bolígrafo grabado con su nombre de manos del dictador Aleksandr Lukashenko (1954) y “soñaba con una casa de dos plantas”. Sin embargo,XeniaDegelko participó en las grandes protestas contra las elecciones bielorrusas de 2020, unos comicios denunciados como fraudulentos, con unas protestas que se saldaron con detenciones, brutalidad policial, torturas y malos tratos.
La tesis de la exposición de Rafal Milach es que los sólidos discursos del sistema se pueden romper si cuentan con una movilización colectiva suficiente, que siempre parte de activistas discretos, que actúan a modo de chispa para encender la hoguera de la rebelión. En cualquier caso, como la realidad nos demuestra, esto no garantiza el éxito, pero la lucha es la única vía posible para acabar con las situaciones de injusticia.

Ruina Montium, de Raphaëlle Peria
Finalmente, en la sala Minerva, en el sótano del CBA, hemos podido contemplar la exposición “Ruina Montium”, de Raphaëlle Peria, que es la que más nos ha conmovido de las tres. Su comisaria es Claude Bussac (1963), quien cedió la dirección de PHotoEspaña —que había ejercido durante 17 años— a María Santoyo, en 2024.
La obra de Raphaëlle Peria —actualmente en residencia artística en la Casa de Velázquez, institución cultural francesa, con sede en Madrid, dedicada al estudio del hispanismo— supone una magistral combinación de fondo y forma; de arte, mensaje y artesanía. A partir de fotografías en gran formato, raspa con cuidado y minuciosidad la superficie con un elemento cortante, lo que genera un dibujo por sustracción. Según comentó la comisaria, Raphaëlle Peria no se considera fotógrafa, por más que su obra sea fotográfica.
El trabajo expuesto, “Ruina Montium”, se centra en Las Médulas, el paraje leonés modelado por los romanos hace miles de años. “Ruina Montium” quiere decir “cortas de minado”, que consiste en una depurada técnica minera, en la que masas de agua a presión se usaban para derrumbar montañas en busca de oro. Pero Las Médulas —Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, desde 1997— no sólo se han visto modificadas por el agua; el fuego calcinó en 2025 los bosques de castaños que sujetan el terreno, que de otra manera se hubiera perdido por completo debido a la erosión.
La extremada delicadeza del tratamiento que hace la autora de los espacios y el mensaje que transmite, hacen de esta exposición algo totalmente conmovedor.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com

Marilyn Monroe, en la National Portrait Gallery

La National Portrait Gallery de Londres presentará la exposición “Marilyn Monroe: A Portrait”, hasta 6 de septiembre de 2026, coincidiendo con el centenario del nacimiento de la actriz. La muestra propone un recorrido por su vida, carrera e impacto cultural a través de retratos realizados por algunos de los fotógrafos y artistas más destacados de los siglos XX y XXI.

Panorámica gráfica de toda su vida
La exposición reúne obras de figuras como Andy Warhol, Pauline Boty y Richard Avedon, junto a fotografías de más de veinte autores que trabajaron con Monroe, entre ellos Cecil Beaton, Philippe Halsman, Eve Arnold y Milton Greene. El conjunto realiza un recorrido que abarca desde sus primeras imágenes como modelo, bajo el nombre de Norma Jeane Baker —su madre se llamaba Gladys Pearl Baker (1902-1984), de soltera Monroe, y su padre biológico, Charles Stanley Gifford (1898-1965), era compañero de trabajo de su madre en el laboratorio de revelado de película Consolidated Film Industries — hasta sus últimos retratos en 1962, consolidando su condición como uno de los rostros más fotografiados y emblemáticos de su tiempo.
Uno de los ejes de la muestra es la de intentar demostrar el papel activo de Monroe en la construcción de su propia imagen. La exposición trata de destacar que en las sesiones fotográficas, la actriz no solo posaba, sino que también participaba en la dirección creativa y ejercía control sobre la selección final de imágenes.
El recorrido incluye además material inédito, como una serie de fotografías tomadas por Allan Grant (1919-2008) en su residencia de Brentwood, un día antes de su muerte. Estas imágenes, la mayor parte jamás publicadas, captan distintos registros emocionales de la actriz en el contexto de su última entrevista.
La exposición también aborda la influencia posterior de Monroe en el arte contemporáneo. Tras su muerte en 1962, su figura inspiró numerosas interpretaciones, desde las particulares serigrafías de Warhol hasta las obras de artistas como James Gill o Pauline Boty, consolidándola como un símbolo perdurable de la cultura visual moderna.

Para más información: https://www.npg.org.uk/

Talia Chetrit, en el Museo Lázaro Galdiano

Dentro de la variadísima programación de PHotoEspaña, además de figurones consagrados, que ya hemos desgranado aquí mismo, se tiene la oportunidad de conocer también a artistas cuya carrera, a pesar de su solidez internacional, es menos conocida en España. Este es el caso de la estadounidense Talia Chetrit (1982), cuya obra se podrá ver por primera vez de forma individual en España en el Museo Lázaro Galdiano (calle Serrano 122, Madrid), hasta el 30 de agosto de 2026, en una muestra patrocinada por la Fundación Loewe.

Selección retrospectiva
La muestra, titulada “Bunny” (Conejito), recoge la obra de Talia Chetrit desde sus inicios en la adolescencia—fotografía desde los 13 años— hasta sus obras más recientes de este mismo año. Se trata de una exposición muy escueta, apenas 20 imágenes en color y en blanco y negro de distintos tamaños. Lo que ha supuesto un gran trabajo de su comisaria, la italiana Stella Bottai —conservadora principal del Aspen Art Museum (Colorado, EE UU) y comisaria del Pompeii Commitment, primer programa de arte contemporáneo establecido por el Parque Arqueológico de Pompeya (Italia)—, a la hora de dar sentido y unidad a fotografías de épocas tan distintas, algo que ha resuelto de manera sobresaliente.

Bunny
La exposición del Museo Lázaro Galdiano representa un gran contraste entre una institución centrada básicamente en el arte hasta el siglo XIX y la fotografía contemporánea. El propio título “Bunny” podría hacer referencia tanto al conejo como animal, a los peluches de conejos, a Bugs Bunny (El conejo de la suerte) o a las “bunny girls” o “conejitas” de la revista “Playboy”. A nosotros se nos ocurren algunas coincidencias más, que podrán leer en la edición impresa de FV 307, que saldrá a la venta a primeros de julio de 2026, dado el carácter desinhibido de la obra de Talia Chetrit, como señaló la directora de PHotoEspaña, María Santoyo.
Las obras expuestas en “Bunny” plantean preguntas sin dar respuestas, de forma que exigen un esfuerzo activo por parte del espectador. Tampoco están acompañadas de los tochos explicativos que algunas obras de fotografía contemporánea necesitan. Talia Chetrit da pistas, pero no sabemos si estamos ante una escenificación o un hecho genuinamente natural y espontáneo
Una de las exposiciones más sugerente de esta edición del festival.

Para más información: https://www.museolazarogaldiano.es/