Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Italia di Moda”, en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid

La exposición fotográfica “Italia di Moda”, del fotógrafo Andrea Varani, y protagonizada por su musa Ludmilla Voronkina Bozzetti, se podrá visitar en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid (Calle Mayor, 86) hasta el 3 de octubre de 2026. Tras pasar por Milán, Roma, Florencia y Vicenza, la muestra inicia en España su primer recorrido internacional, con 49 fotografías que narran Italia a través del encuentro entre moda, arte, paisaje y patrimonio cultural.

La exposición
“Italia di Moda” se compone de 49 fotografías en las que los vestidos de algunas de las casas de moda italianas más emblemáticas pasan a formar parte de los propios lugares que sirven de escenario a las imágenes, en un diálogo con el territorio, la historia, la creatividad y la identidad de Italia. El resultado es un recorrido visual contemporáneo en el que la moda se entrelaza con el paisaje y se convierte en el hilo conductor de un relato inédito del “Made in Italy” (Hecho en Italia). El proyecto nace de un viaje por las veinte regiones italianas en el que Varani y Voronkina Bozzetti recorrieron ciudades de arte, pueblos históricos, costas y paisajes naturales para crear una narración visual dedicada a la riqueza cultural, artística y paisajística de Italia.

Andrea Varani y Ludmilla Voronkina Bozzetti
La modelo rusa Ludmilla Voronkina Bozzetti (1984) es la protagonista e hilo conductor del recorrido expositivo. A través de su interpretación toma forma la visión artística de Andrea Varani (1959), de modo que cada imagen se convierte en un puente entre la moda y la belleza natural de Italia.
“Llevar ‘Italia di Moda’ a Madrid significa abrir un nuevo capítulo del proyecto. Después de haber presentado Italia a través de sus paisajes, sus ciudades y sus excelencias, esta primera etapa internacional nos permite compartir la belleza del ‘Made in Italy’ con un nuevo público, en un espacio que representa la cultura italiana en el mundo. Esta etapa quiere ser, especialmente, un homenaje al ‘Made in Italy’. La moda es, sin duda, el lenguaje con el que presentamos nuestro país, pero el verdadero corazón del proyecto es Italia misma: su historia, su gente y su patrimonio artístico y cultural. Si estas imágenes logran emocionar es porque hablan de una identidad capaz de trascender fronteras y crear vínculos entre culturas diferentes. Nuestro deseo es que ‘Italia di Moda’ pueda convertirse en una embajadora de Italia en el mundo, transmitiendo, a través de la belleza, los valores de creatividad, excelencia y humanidad que hacen único a nuestro país”, ha declarado Ludmilla Voronkina Bozzetti.
Por su parte, Andrea Varani ha indicado: “Este trabajo nace del deseo de observar Italia con una mirada auténtica, permitiendo que el diálogo entre moda, persona y paisaje encuentre siempre su equilibrio natural. Cada fotografía es el resultado del encuentro entre la luz, el territorio y la emoción. Ver hoy ‘Italia di Moda’ llegar a Madrid para su primera exposición internacional significa ofrecer a estas imágenes una nueva oportunidad de dialogar con un público internacional. Es una invitación a descubrir Italia no solo a través de la moda, sino también a través de su alma, su cultura y sus infinitas excelencias”.

Para más información: https://iicmadrid.esteri.it

“Mitologías modernas: Ouka Leele & co.”, en la Sala Alcalá 31

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid (calle Alcalá, 31) presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, la exposición “Mitologías modernas: Ouka Leele & co.”, que explora la recuperación de la mitología clásica en el arte madrileño de los años ochenta y su influencia en algunos de los principales creadores vinculados a la Nueva Figuración —movimiento pictórico que llegó a nuestro país décadas después de su origen en los años cincuenta— y a la Movida madrileña.
Con Julio Pérez Manzanares (Segovia, 1983) como comisario, la exposición reúne más de cien obras de artistas como Ouka Leele, El Hortelano (José Alfonso Morera Ortiz, 1954-2016), Ceesepe (Carlos Sánchez Pérez, 1958-2018), Carlos Franco (1951), Sigfrido Martín Begué (1959-2010), Guillermo Pérez Villalta (1948), Dis Berlin (Mariano Carrera Blázquez, 1959), Pablo Sycet (1953), Costus —Enrique Naya Igueravide (1953-1989) y Juan José Carrero Galofré (1955-1989)— y Patricia Gadea (1960-2006), entre otros. Según su comisario: “Los mitos se transforman y cuentan otras historias o cuentan las mismas, pero de manera distinta. Así que nunca está de más volver la vista hacia los mitos y ver qué nos siguen contando, porque sólo el arte, en ocasiones, puede ayudarnos a desvelar lo real de otra manera”.

Mitología eterna
La exposición propone una reflexión sobre la reapropiación de la mitología como herramienta simbólica para reinterpretar el presente en el momento de profunda transformación cultural y social que fue la Transición. A través de distintos lenguajes, como la fotografía, la pintura, el dibujo y la cultura visual contemporánea, el recorrido muestra cómo estos artistas construyeron nuevas narrativas e imaginaron otras formas de representación de la ciudad y de la identidad.
El punto de partida de la exposición es la fotografía coloreada “Rappelle toi, Barbara!” (¡Acuérdate, Bárbara!), emblemática intervención de Ouka Leele (Bárbara Allende Gil de Biedma, 1957-2022) en la fuente de Cibeles de la capital madrileña, en 1987, donde la artista recreó el mito clásico de Hipómenes y Atalanta, en pleno centro de Madrid. A partir de esta obra, la muestra establece conexiones entre los relatos clásicos y las nuevas formas de creación surgidas en la emergente escena artística madrileña de los años ochenta.
La obra de Ouka Leele vertebra el diálogo entre tres elementos fundamentales para el arte de la época: la irrupción de los nuevos medios —con la fotografía, el diseño y los lenguajes pop—; la renovación pictórica iniciada a mediados de los setenta; y la recuperación de la mitología como repertorio visual y conceptual para interpretar la contemporaneidad.

Una nueva lectura
El conjunto de referencias clásicas, imaginarios urbanos —ya sea Madrid o Nueva York— y cultura alternativa conviven en una exposición que ofrece una nueva lectura sobre una generación de artistas decisiva para la evolución reciente del arte español. En lugar de tratarse de una exposición de índole biográfica, lo es de carácter histórico, probablemente la primera que se realiza en este sentido. Su comisario nació después de que comenzase el fenómeno de la Movida y se trata, por tanto, de un enfoque muy distinto del realizado en esta misma sala hace veinte años, con motivo del vigésimo quinto aniversario de aquel periodo. Blanca Sánchez Berciano (1948-2007), su comisaria de entonces, no sólo formó parte de la Movida, sino que fue una pieza clave en su desarrollo. Fue colaboradora del galerista Fernando Vijande Brees (1929-1986), quien trajo a España a Andy Warhol (1928-1987), en 1983, y a Robert Mapplethorpe (1946-1989), en 1984.
De acuerdo con Pérez Manzanares, Madrid es una ciudad que genera mitologías artísticas, que “nos permite dibujar, con sus mitologías clásicas y modernas, una historia diferente —no menos mitológica y, quizá por eso, más real— de algunas de las creaciones artísticas que la ciudad de Madrid vio florecer en estas décadas”.
“Mitologías modernas: Ouka Leele & co.” va acompañada de un catálogo, en el que se pueden encontrar tres textos firmados respectivamente por Julio Pérez Manzanares, María Rosenfeldt Allende (1990), hija de la artista, y la escritora Ana Rossetti (1950), así como la reproducción de las obras expuestas, por supuesto.

Espacio expositivo de una belleza encendida
La Sala Alcalá 31 se ha acondicionado específicamente para esta exposición con un hermoso y cuidado diseño de Studio Animal, que ha creado lo que da la sensación de ser un hipogeo de tipo “tholos” —columnata circular—, pero en lugar del blanco níveo de los templos clásicos, reservado aquí sólo para el paramento de la entrada frontal, incorpora brillantes colores rosas y rojos, que retrotraen a la exuberancia de la Movida. En torno a este “tholos”, que bien pudiera ser el templo de Vesta en Roma y que tiene el diámetro de la fuente de Cibeles, según indicó el comisario, se articulan seis espacios: el principal dedicado a Ouka Leele y los demás a Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano, Sigfrido Martín Begué y Guillermo Pérez Villalta, respectivamente. En las galerías superiores se recuperan obras de la época de artistas menos conocidos, pero no por ello menos importantes, dedicados a temas clásicos.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/centros/sala-alcala-31

Exposiciones por el 175 aniversario del Canal de Isabel II

El Canal de Isabel II presenta dos exposiciones fotográficas sobre la historia de la compañía en los parques del Tercer Depósito (Avenida Islas Filipinas, 11) y del Cuarto Depósito, en Plaza de Castilla (calle Joaquín Bau, 15), durante el mes de agosto. Ambas muestras, tituladas “Impulsamos el futuro de Madrid”, forman parte de los actos conmemorativos del 175 aniversario de la compañía.

Seis tótems de gran formato
Cada exposición está compuesta por seis tótems de gran tamaño que reúnen fotografías y textos explicativos sobre la trayectoria del Canal de Isabel II, empresa suministradora del agua potable en Madrid, desde su creación hasta la actualidad. En sus 24 caras se muestra la contribución de la empresa pública al desarrollo de la Comunidad de Madrid.
Las imágenes recorren la transformación de Madrid a partir de la llegada del agua canalizada desde el río Lozoya durante la segunda mitad del siglo XIX, proyecto impulsado durante el reinado de Isabel II, financiado por la Administración General de Estado, el Ayuntamiento de Madrid e inversores privados. Estos obtuvieron enormes beneficios, no sólo por el 6% de interés garantizado, sino por la enorme revalorización de los terrenos del ensanche de Madrid, de los que eran propietarios, ya que las parcelas con agua garantizada multiplicaban su valor. Una operación especulativa más.

De El Atazar a la gestión del agua
Entre los contenidos de la exposición se encuentran la construcción del Pontón de la Oliva, primera presa de Canal de Isabel II, y la llegada del agua a la fuente de San Bernardo, en 1858 (en la edición impresa de FV publicamos la foto del acto). También se muestran grandes infraestructuras como la presa de El Atazar y los depósitos elevados.
El recorrido llega hasta los avances tecnológicos relacionados con el cuidado del medioambiente, la generación de energía mediante el uso del agua y los sistemas empleados actualmente para la gestión del ciclo del agua. Fotografías, datos y curiosidades completan los contenidos de los soportes.

Privatización del Canal
Durante los años 2008 a 2012, en la etapa como vicepresidente del Gobierno regional de Esperanza Aguirre y, además, presidente del Canal, Ignacio González pretendió privatizar el Canal y lideró un plan para dar entrada al capital privado en el 49% de la empresa pública de gestión del agua. El proyecto contemplaba la creación de una sociedad anónima (Canal de Isabel II Gestión) encaminada a salir a Bolsa.
González —ya convertido en presidente autonómico— descartó oficialmente seguir con el proceso de privatización. El pretexto fue la imposición de los nuevos objetivos de déficit del Gobierno central, lo que hacía inviable y poco ventajosa la operación, consolidando al Canal como una entidad enteramente pública.
En realidad, Ignacio González y Francisco Granados, delfines de Esperanza Aguirre, participaron en la llamada Operación Lezo, que se plasmó en una macrocausa judicial en la que se investiga una red de corrupción política en la gestión de la empresa pública madrileña Canal de Isabel II. La trama se centra en el presunto desvío de fondos públicos de dicha entidad para beneficio personal y la financiación ilegal del Partido Popular (PP) en la Comunidad de Madrid. Esperanza Aguirre se quitó de en medio y no fue juzgada, por unos hechos muy parecidos a los que los expresidentes de Andalucía José Antonio Griñán y Manuel Chaves fueron inicialmente condenados por el Tribunal Superior de Justicia de Andalucía, condena que se vio ratificada en el Tribunal Supremo, pero finalmente exonerados por el Tribunal Constitucional.
Por su parte Francisco Granados fue condenado en 2026 a una pena de dos años y medio por delitos continuados de fraude y prevaricación administrativa dentro de otra trama de corrupción del Partido Popular, llamada Púnica. Obtuvo unos beneficios ciertos de más de seis millones de euros. Ignacio González todavía está pendiente de juicio transcurridos casi diez años de los presuntos delitos. A veces la los jueces son muy rápidos y draconianos, y otras, lentos, indulgentes y benevolentes, depende de con quien.

Durante todo el mes de agosto
Las exposiciones se podrán visitar durante el mes de agosto. La instalada en el parque del Tercer Depósito, en Chamberí, permanece abierta de 7:00 a 23:00 horas, mientras que la del parque del Cuarto Depósito, en Plaza de Castilla, puede visitarse de 9:00 a 22:00 horas.
Estas muestras forman parte de una exposición itinerante que, durante 2026, ha pasado por catorce municipios de la Comunidad de Madrid y que se integra en el programa de actividades sociales, culturales y deportivas organizado con motivo del 175 aniversario de Canal de Isabel II.

Para más información: https://www.canaldeisabelsegunda.es/

XIV Biennal de Fotografia Xavier Miserachs

La XIV edición de la Biennal de Fotografia Xavier Miserachs se celebrará del 2 de agosto al 18 de octubre, en diferentes espacios de la localidad gerundense de Palafrugell. El festival, uno de los más antiguos de Cataluña, programa 11 exposiciones —la mayoría inéditas y de producción propia—, actividades complementarias abiertas al público y visitas guiadas. La Biennal rinde homenaje a Xavier Miserachs (1937-1998) y a su generación, con el objetivo de dar a conocer el trabajo de grandes figuras de la historia de la fotografía nacional e internacional, además de apoyar la obra de jóvenes fotógrafos y recuperar archivos fotográficos de la comarca.

Once exposiciones
Una de las exposiciones principales de esta edición de la Biennal es “Dorothea Lange. Un largo viaje”, con fotografías de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, que documentan el trabajo de la autora para la Farm Security Administration (FSA), realizadas durante la Gran Depresión de los años treinta. También acoge la exposición “Sergio Larrain. El vagabundo de Valparaíso”, la primera retrospectiva del fotógrafo chileno (1931-2012) en Cataluña, producida por la agencia Mágnum Photos, en colaboración con la Fundación Foto Colectania.
Por su parte, la Fundació Vila Casas - Can Mario exhibirá una selección de Gabriel Cualladó (1925-2003), figura clave de la renovación de la fotografía española del siglo XX. La exposición singular “Adjetivar el tiempo. Txema Salvans - Josep Pla” indaga en los procesos creativos de ambos autores. “Els Casanovas. Nissaga de fotògrafs” recorre un siglo de historia de Palafrugell, a partir del linaje fotográfico iniciado por Lluís Casanovas Marquès hace 150 años. La librería Nollegiu Mediterrània acogerá la exposición “Fotografia [en] coberta”, consistente en una muestra colectiva con fotografías que ilustran cubiertas de libros, con obras de Gabriel Casas, Dorothea Lange, Colita, Agustí Centelles, Josep Carreras y Xavier Miserachs.
El festival también dedica espacio a la fotografía joven con los proyectos de Carles Palacio (“Treballadors de la mar”), Wayra Ficapal (“El paisatge invisible”) y Vero Mora Noya (“Osses”). Además, se suma al centenario del nacimiento de Modest Cuixart con “Cuixart a tres bandes i …”, que retrata al artista a través de la mirada de los fotógrafos locales Lluís Maimí, Josep Capellà y Francesc Dalmau.
La exposición “Local és global” reunirá una selección de la Colección Art Banc Sabadell. Fotografia Documental, con autores como Samuel Aranda, Toni Arnau, Lorenzo Meloni, Santi Palacios, Edu Ponces y Anna Surinyach, entre otros.

Actividades complementarias
El programa gratuito incluye la proyección de “Las uvas de la ira” (John Ford, 1940), vinculada a la exposición de Dorothea Lange, y los documentales “Sergio Larrain. El instante eterno” (Sebastián Moreno, 2021) y “Atín Aya. Retrato del silencio” (Hugo Cabezas y Alejandro Toro, 2024). También se programan una conferencia del filósofo Xavier Antich sobre Dorothea Lange y las presentaciones de los proyectos “La Fiesta Brava”, de Ariadna Creus, y “La rellevància de la fotografia domèstica: Salvem les Fotos UPV / Recuperar les memòries”.

Para más información: www.biennalxmiserachs.org

Sally Mann, en Kutxa Fundazioa Artegunea

Kutxa Fundazioa Artegunea (Plaza de las Cigarreras, s/n, Tabakalera, San Sebastián) presenta, hasta el 18 de octubre de 2026, “Macula et materia”, una revisión de la obra de Sally Mann (Lexington, Virginia EE UU, 1951). La muestra realiza un recorrido de cerca de cuatro décadas por la trayectoria de una de las figuras clave de la fotografía contemporánea, bajo la batuta de su comisaria, Anne Morin.

Infancia y familia
La exposición incluye algunas de sus series más conocidas, como “At Twelve” (1983-1985), donde aborda la transición de la infancia a la adolescencia, sin realizar una idealización de la familia, e “Immediate Family” (1984-1994), centrada en la vida cotidiana de sus hijos. Este trabajo, que generó gran polémica en su momento, al cuestionar los límites de la representación de la infancia y la intimidad familiar, ha sido objeto de una feroz persecución por las fuerzas reaccionarias en Estados Unidos.

Cuerpo y tiempo
En series posteriores como “Faces” (2004) o “Proud Flesh” (2006-2015), Mann profundiza en la fragilidad del cuerpo y el paso del tiempo. La enfermedad, la decadencia y la muerte aparecen como ejes centrales de una obra que explora la belleza en lo vulnerable y lo efímero.

Paisaje y memoria
El territorio del sur de Estados Unidos ocupa un lugar esencial en su imaginario. Los paisajes de su Virginia natal, Georgia o el Misisipi reflejan un entorno cargado de memoria histórica. En trabajos más recientes como “Delta” (2016) y “Goshen” (2025), ha añadido el color a su característico blanco y negro para representar espacios marcados por el paso del tiempo y la ausencia.

Materia fotográfica
El uso de técnicas como el colodión húmedo y cámaras de gran formato define su lenguaje visual, otorgando a sus imágenes una cualidad atemporal. En “Platinum Stones” (2022), la artista se aproxima a la abstracción mediante texturas minerales, insistiendo en su reflexión sobre la permanencia.
La exposición se completa con visitas guiadas, un taller familiar y la proyección del documental “What Remains” (2005).
Si tienen previsto pasar por San Sebastián, no dejen de visitar la exposición. Si no van a pasar, procuren ir.

Para más información: www.kutxafundazioa.eus

“Doubts”, de Paolo Roversi, en la Fundación MOP

La Fundación MOP (Marta Ortega Pérez) de A Coruña (Avenida Jardines de Méndez Núñez, s/n). presenta la exposición “Doubts”, dedicada al fotógrafo italiano Paolo Roversi (1947), que se podrá visitar hasta el 20 de septiembre de 2026. La muestra reúne tanto algunas de las obras más emblemáticas del artista como imágenes inéditas, en un recorrido por más de cuatro décadas de trayectoria.

Figura clave en la fotografía de moda
La exposición propone una aproximación íntima al trabajo de Roversi, considerado una figura clave en la evolución del lenguaje de la fotografía de moda. A lo largo de su carrera, este fotógrafo ha desarrollado un estilo propio, que se caracteriza por una estética propia que, según la crítica, dota a sus imágenes de una notable capacidad evocadora.
El título de la muestra, “Doubts” (Dudas), responde a una idea central en el proceso creativo del autor. Roversi defiende que la duda actúa como motor de la imaginación y la creatividad, en contraposición a las certezas, que, a su juicio, limitan la exploración artística. Esta concepción se refleja en una selección de obras que incorpora diversas técnicas, entre ellas el uso de la fotografía instantánea Polaroid.
El recorrido expositivo se estructura en distintas secciones interconectadas —Theatre (Teatro), Appearances (Apariencias), Shadows (Sombras), Doubts (Dudas), People (Gente), Presence (Presencia), Grace (Gracia), Beauty (Belleza) y Fading (Desvanecimiento)—, cada una centrada en un aspecto de su universo visual. En conjunto, la muestra pone de relieve tanto la técnica del fotógrafo como una visión estética basada en la exploración de la luz, la sombra y el vacío.

Para más información: https://themopfoundation.org/

Isabel Matoses, en el Museo Lázaro Galdiano

Hasta el 6 de septiembre de 2026, el Museo Lázaro Galdiano (calle Serrano, 122, Madrid) acogerá una exposición centrada en Isabel Matoses (1930-1985), figura fundamental y pionera de la fotografía experimental en España, cuya obra innovadora ha permanecido durante décadas fuera de la circulación pública hasta su recuperación por parte del Museo Lázaro Galdiano. Licenciada en Derecho y Periodismo, su encuentro con la fotografía fue fortuito al inscribirse en una escuela en Roma en 1969, ciudad que despertó su vocación gracias a su luz y monumentalidad. Para Matoses, la fotografía no era un simple medio para documentar la realidad, sino una forma de creación artística similar a la pintura o el dibujo, donde el resultado final dependía de la mirada subjetiva y la intervención técnica del autor.
La exposición se complementa con el libro “Isabel Matoses: La imagen recuperada (1969-1985)”, a cargo también de la comisaria de la exposición Begoña Torres.

Elaboraciones fotográficas
El trabajo de Isabel Matoses se distingue por las llamadas “elaboraciones fotográficas”, consistentes en procesos artesanales de laboratorio en los que modificaba la esencia de la imagen original mediante técnicas como la solarización (o efecto Sabattier), la separación de tonos, la posterización y la manipulación de negativos.
Estas técnicas permitían que cada obra fuera prácticamente única, ya que la intervención del azar en el laboratorio hacía casi imposible obtener dos originales idénticos. Matoses defendió con firmeza el uso del blanco y negro, convencida de que el color restaba atractivo a la expresión artística y que solo el claroscuro tenía la fuerza necesaria para transmitir lo invisible y lo onírico. Su lenguaje visual, con influencias del Pop Art, el Op Art y la estética psicodélica, exploraba temas como la memoria, la identidad y la percepción, difuminando las fronteras entre las distintas artes visuales.

Labor docente
Además de su faceta creativa, Isabel Matoses desempeñó una labor docente crucial en el Madrid de los años setenta a través del estudio-escuela Alamillo —denominada así por encontrarse en la madrileña plaza del Alamillo—, donde enseñaba a sus alumnos no solo la técnica, sino a pensar la fotografía.
De este espacio surgió el Grupo Alamillo, que contribuyó significativamente a la renovación del lenguaje fotográfico en España durante la Transición. Entre sus temas predilectos se encontraban el patrimonio artístico, los paisajes castellanos y, muy especialmente, el retrato, donde buscaba captar la personalidad más allá de la representación física. A lo largo de su carrera, Isabel Matoses fotografió a figuras destacadas como Adolfo Suárez, Rafael Alberti, Camilo José Cela y José Bergamín, además de realizar reinterpretaciones experimentales de monumentos como el Ángel Caído en Madrid o de algunas obras de Goya.

Para más información: https://www.museolazarogaldiano.es/

Marilyn Monroe, en la National Portrait Gallery

La National Portrait Gallery de Londres presentará la exposición “Marilyn Monroe: A Portrait”, hasta 6 de septiembre de 2026, coincidiendo con el centenario del nacimiento de la actriz. La muestra propone un recorrido por su vida, carrera e impacto cultural a través de retratos realizados por algunos de los fotógrafos y artistas más destacados de los siglos XX y XXI.

Panorámica gráfica de toda su vida
La exposición reúne obras de figuras como Andy Warhol, Pauline Boty y Richard Avedon, junto a fotografías de más de veinte autores que trabajaron con Monroe, entre ellos Cecil Beaton, Philippe Halsman, Eve Arnold y Milton Greene. El conjunto realiza un recorrido que abarca desde sus primeras imágenes como modelo, bajo el nombre de Norma Jeane Baker —su madre se llamaba Gladys Pearl Baker (1902-1984), de soltera Monroe, y su padre biológico, Charles Stanley Gifford (1898-1965), era compañero de trabajo de su madre en el laboratorio de revelado de película Consolidated Film Industries — hasta sus últimos retratos en 1962, consolidando su condición como uno de los rostros más fotografiados y emblemáticos de su tiempo.
Uno de los ejes de la muestra es la de intentar demostrar el papel activo de Monroe en la construcción de su propia imagen. La exposición trata de destacar que en las sesiones fotográficas, la actriz no solo posaba, sino que también participaba en la dirección creativa y ejercía control sobre la selección final de imágenes.
El recorrido incluye además material inédito, como una serie de fotografías tomadas por Allan Grant (1919-2008) en su residencia de Brentwood, un día antes de su muerte. Estas imágenes, la mayor parte jamás publicadas, captan distintos registros emocionales de la actriz en el contexto de su última entrevista.
La exposición también aborda la influencia posterior de Monroe en el arte contemporáneo. Tras su muerte en 1962, su figura inspiró numerosas interpretaciones, desde las particulares serigrafías de Warhol hasta las obras de artistas como James Gill o Pauline Boty, consolidándola como un símbolo perdurable de la cultura visual moderna.

Para más información: https://www.npg.org.uk/