Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Las piedras del cielo”, de Isabel Muñoz, en el Palacio Real de Madrid

La exposición “Las piedras del cielo”, de la fotógrafa Isabel Muñoz, ha sido la elegida para la inauguración oficial de la 29ª edición de PHotoEspaña, en la Galería de las Colecciones Reales del Palacio Real de Madrid (calle Bailén, s/n, Madrid). Esta muestra es el resultado de una profunda investigación que la fotógrafa ha realizado durante meses sobre el Monasterio de El Escorial y la figura de Felipe II, más allá de su rol como monarca histórico, a quien, alejado de estereotipos, la fotógrafa define como un hombre en busca de la unión del conocimiento universal y la espiritualidad renacentista, alejado del catolicismo de la Contrarreforma.
A través de técnicas singulares que combinan fotografía, grabado y metales preciosos, la artista ha creado una obra única, que no sólo rinde homenaje a la biblioteca, la armería y el entorno natural del Real Sitio, sino también a un tiempo y a unos personajes, en sus propias palabras, fascinantes. El proyecto cierra el ciclo trienal “Cuadernos de campo”, un programa artístico y medioambiental organizado en colaboración entre PHotoEspaña y Patrimonio Nacional, en el que han participado previamente los también Premios Nacionales de Fotografía Javier Vallhonrat (1953), con “Los ingenios del agua”, en el Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, y Bleda y Rosa con “Las horas del sol”, centrada en los jardines históricos del Monasterio de Yuste.

El Monasterio de San Lorenzo y el bosque de La Herrería
La arquitectura del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y su entorno natural en el bosque de La Herrería responden a un orden simbólico que vincula el edificio con el Templo de Jerusalén y la armonía cósmica. Construido con granito extraído de canteras locales y trabajado por canteros —algunos de ellos venidos desde lo que hoy se conoce como Cantabria; el propio arquitecto de la obra, Juan de Herrera (1530-1597), era de allí—, Felipe II impulsó el uso de materiales ignífugos, como la piedra y el ladrillo, con el fin de salvaguardar la estructura frente a la amenaza de incendios y rayos. Aunque cabe señalar que a mediados de los años sesenta se retiraron las vigas de madera de las pendientes de la cubierta y los chapiteles para sustituirlas por otras de metal.
En el marco conceptual del proyecto, esta elección material se suele interpretar como la voluntad del monarca de establecer un umbral entre la temporalidad terrenal y un anhelo de trascendencia. Todo el monasterio está sujeto a interpretaciones arcanas, hasta su misma ubicación. De hecho, hay una teoría que indica que Felipe II no erigió El Escorial donde está por estar cerca de Madrid, sino que eligió como capital a Madrid por estar cerca de El Escorial.

El círculo intelectual de El Escorial
Felipe II configuró El Escorial como un centro de conocimiento universal aprovechando la colaboración de un círculo de intelectuales, arquitectos y filósofos. Figuras como Benito Arias Montano (1525-1598), el padre Sigüenza (1544-1606), Juan de Herrera, fray Antonio de Villacastín (1512-1606), Juan Páez de Castro (1514-1570) y Juanelo Turriano (1500-1585), entre otros, trabajaron en busca de la sabiduría primitiva, como demuestra la edición de la Biblia Políglota Regia, entre otros proyectos. Este núcleo de saber consolidó el proyecto no solo como un monumento arquitectónico, sino como un espacio de investigación y pensamiento renacentista. donde la ciencia y la espiritualidad convergían, en una época donde las fronteras entre ciencia, religión y magia eran más que difusas.

La hibridación técnica y el uso de metales
Tras una profunda investigación, sobre la que la fotógrafa ha tenido grandes palabras de agradecimiento por el apoyo y las facilidades recibidas, la propuesta de Isabel Muñoz se basa en la creación de “piezas híbridas” que se sitúan técnicamente entre la fotografía y el grabado. La artista emplea soportes de metales como el oro, la plata, el cobre y el estaño, integrando la imagen técnica con procesos artesanales sobre papel de acuarela. Esto supone un enlace con ese saber primitivo que buscaba el círculo de El Escorial. Mediante la técnica del “chine-collé”, bien conocida por ella, superpone un papel de seda impreso con la imagen seleccionada. El uso de estos metales nobles constituye un homenaje explícito a los alquimistas, especialmente a su búsqueda de la transmutación de la plata en mercurio, algo que consiguieron realizar en El Escorial, pero a un coste muy superior al de la propia plata de las minas.

La figura histórica y humana de Felipe II
El marco conceptual del proyecto se apoya en un estudio historiográfico sobre las dimensiones personal e intelectual de Felipe II, revelando a un monarca de formación humanista, lo que ha supuesto una revelación para la fotógrafa. En el ámbito privado, los datos documentan a un individuo aficionado a la música, los bailes, la jardinería y el coleccionismo, con un gran afecto hacia su tercera esposa, Isabel de Valois (1545-1568), y sus hijas. En su faceta intelectual, el rey destacó por su interés en la astrología y la astronomía —que entonces se distinguían difícilmente—, la cartografía y la navegación, para lo que reunió en El Escorial una biblioteca excepcional con textos en latín, griego, hebreo, arameo y siríaco.

Estructura y recorrido de la muestra en la Galería de las Colecciones Reales
La muestra se compone de un total de 35 piezas híbridas distribuidas físicamente en las rampas de la Galería de las Colecciones Reales y en diversos expositores situados en los jardines del anejo Campo del Moro. El recorrido cuenta con una videoinstalación en el espacio inmersivo denominado “El Cubo”, donde se proyectan diversas imágenes acompañadas por una composición musical contemporánea de inspiración renacentista. La exposición permanecerá abierta al público desde el 4 de junio hasta el 6 de septiembre de 2026, tras lo cual está previsto su traslado al Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Para más información: https://www.galeriadelascoleccionesreales.es/exposicion/las-piedras-del-cielo-isabel-muoz/ca143f4c-a57a-3d3b-554e-49839f6e608e

Cristina de Middel presenta “Apoteosis Now”, en el IVAM

Cristina de Middel, actual presidenta de Magnum Photos, presenta su exposición “Apoteosis Now”, del 21 de mayo al 12 de octubre de 2026, en el Centre Julio González del IVAM (Carrer Guillem de Castro, 118, Valencia).

Modo Catarata
La exposición “Apoteosis Now”, cuyo comisario es el cubano Iván de la Nuez (1964), se articula como un despliegue continuo de imágenes que ocupan el espacio expositivo. La artista define este planteamiento como “modo Catarata”: una acumulación visual que remite tanto a la sobreproducción de imágenes contemporánea como a la dificultad de ver con claridad.
El conjunto reúne distintas series que funcionan a modo de unidades autónomas. Cada una plantea relaciones entre documento y ficción, entre registro y construcción. Las obras se presentan como archivos de los sueños o como registros de los obstáculos que impiden su realización.

Iconografía y manipulación
Las imágenes expuestas abordan la construcción de lo real desde la fotografía. Así, cada serie actúa como un sistema de representación que analiza cómo se generan, circulan y se interpretan las imágenes en la actualidad.
El proyecto se sitúa en un contexto definido por la saturación visual. Esta acumulación de imágenes no se presenta como fondo neutro, sino como un elemento que condiciona la percepción y el conocimiento de la realidad.

Iconocracia
La nueva exposición de Cristina de Middel (Alicante, 1975) introduce el concepto de “Iconocracia” para describir un tiempo, el nuestro, dominado por la imagen. En este marco, la producción y circulación de fotografías se plantea como un espacio de tensión, ya que las imágenes pueden operar como herramientas de control, pero también como instrumentos de cuestionamiento.
El recorrido expositivo no sigue una estructura lineal. La disposición responde a una lógica de acumulación en la que el espectador debe establecer sus propias relaciones entre las obras.

Para más información: https://ivam.es/

Festival Imaginària 2026

El festival Imaginària celebrará hasta el 28 de junio de 2026, su vigesimocuarta edición, con un programa que incluye ocho exposiciones principales y más de cuarenta actividades distribuidas en distintas localidades de la provincia de Castellón. Organizado por la Universitat Jaume I (UJI), dentro del programa UJI_Encultura, se extiende a los municipios de Castellón de la Plana, Benicàssim, Segorbe y Vilafranca. El programa se centra en la producción fotográfica, la perspectiva de género, el apoyo a artistas emergentes y la participación ciudadana.

Exposiciones y sedes
El programa expositivo se distribuye entre distintos espacios con el objetivo de favorecer la itinerancia. En la Llotja del Cànem (Castelló) se presenta “Habitario. Tiempo despacio”, revisión póstuma de Paco Llop. El Menador (Castelló) acoge “I don't know who” (No sé), de Carlos Chavarría —trasladada desde el Mercado Central—, y “Las conseguidoras”, de Clara Marconato.
En el Espacio Cultural Obert Les Aules (Castellón) se muestra “Background”, de Carla Oset (en la imagen). El Museo de Bellas Artes acoge “Tierna es la noche”, de Sakiko Nomura, a partir del 18 de junio. En Benicàssim, el Centro Cultural Melchor Zapata presenta “Kiss”, de Marina Bobo, que tiene por comisaria a Laura San Segundo.
En Segorbe, la Casa Garcerán alberga “Intervalos de sombra”, de Pablo López, y en Vilafranca, las Salas Góticas presentan la propuesta participativa “Vilafranca Club Collage”, de Alberto Feijóo.

Actividades paralelas
El festival se completa con un variado programa de formación y actividades. En la Llotja del Cànem se celebrará el ciclo Diàlegs, con encuentros con expertos. Los días 20 y 21 de junio, María Acaso imparte el taller “Soberanía visual”, centrado en la educación artística.
Asimismo, la programación incluye talleres familiares, como “Fotollibre sense fi” (13 de junio), y la cuarta edición de Pollastre Night, encuentro entre colectivos fotográficos que tendrá lugar el 6 de junio en el Espacio Cultural Obert Les Aules. También se realizarán proyecciones de trabajos de los alumnos del taller de fotografía impartido por Julián Baron (1978),en el Aula de Fotografía del Servicio de Actividades Socioculturales de la UJI.

Para más información: https://www.imaginaria.uji.es/es/imaginaria-es/

PHotoEspaña arranca con Isabel Azkarate y el Espacio Fotolibros

PHotoEspaña inicia oficialmente su 29.ª edición en el Espacio Cultural Serrería Belga (calle Alameda, 15, Madrid) con la exposición “Azkarate vs. Azkarate” y la apertura del Espacio Fotolibros. Ambas propuestas marcan el inicio del programa oficial bajo el lema “Volver a imaginar”.

Azkarate
La exposición “Azkarate vs. Azkarate”, abierta hasta el 28 de junio de 2026, presenta una selección de trabajos recientes de Isabel Azkarate en diálogo con imágenes de su archivo, realizadas a lo largo de casi cincuenta años de trayectoria.
El proyecto introduce un cambio en la herramienta de trabajo: la autora utiliza en esta ocasión un aparato móvil Xiaomi 17 Ultra, en lugar de su cámara habitual. Las nuevas imágenes se ponen en diálogo con fotografías de los años setenta y ochenta, lo que permite observar la continuidad en su forma de mirar y trabajar.
Las comisarias de la muestra son Silvia Omedes (Barcelona, 1971) e Imma Cortés (Terrassa, 1963), ambas de la Fundación Photographic Social Vision, que dirige Omedes. La colaboración con Xiaomi España forma parte de una línea de trabajo centrada en la fotografía realizada con aparatos móviles y su desarrollo como herramienta creativa.
El conjunto plantea una revisión de la trayectoria de Azkarate desde el presente, sin alterar su método de trabajo basado en la observación directa del entorno urbano. “Volver a fotografiar mi ciudad a tope”, en sus propias palabras, se ha convertido para ella en el reencuentro con San Sebastián.
En la presentación, María Santoyo, directora de PHotoEspaña afirmó: “La fotografía siempre ha dependido de la evolución de sus herramientas. Esta alianza nos permite explorar ese nuevo territorio donde lo digital y lo artístico se encuentran. Ver a autoras de la talla de Isabel Azkarate trabajando con estos nuevos formatos confirma que, cambie lo que cambie, la cámara, la intención del fotógrafo sigue siendo lo único insustituible”.

Espacio Fotolibros
De forma paralela, el centro acoge el Espacio Fotolibros, dedicado a la edición fotográfica contemporánea nacional e internacional. La muestra reúne los libros finalistas del Premio al Mejor Libro de Fotografía del Año de PHotoEspaña, creado en 1998.
El recorrido incluye una revisión del fotolibro en América Latina entre 2000 y 2025, con atención a contextos editoriales y agentes culturales desde perspectivas poco vistas. Se incorpora también una selección de publicaciones de Países Bajos, país invitado en esta edición del festival.
El espacio se completa con una sección muy especial dedicada al fotolibro infantil, centrada en su uso como herramienta de aprendizaje visual.

Inicio del festival
Con estas dos exposiciones, PHotoEspaña abre una nueva edición que combina autores consolidados y propuestas emergentes. El programa se desarrollará en distintas sedes de Madrid durante los próximos meses, de lo cual les mantendremos puntualmente informados.

Para más información: https://phe.es/

“Instantes de luz”, en Blanca Berlín

La galería Blanca Berlín (calle del Limón, 28, Madrid), como parte del Festival Off de PHotoEspaña, presenta la exposición “Instantes de luz. 12 premios nacionales de fotografía”.

Doce nombres clave de la fotografía en España
La muestra, inaugurada el pasado 23 de mayo, reúne obras de doce autores distinguidos con el Premio Nacional de Fotografía, algunos de los cuales ya estaban vinculados a la galería antes de recibir este reconocimiento. Blanca Berlín celebrará en 2027 el vigésimo aniversario de su apertura. En este tiempo, se ha convertido en una de las galerías de referencia en el ámbito de la fotografía, no sólo en Madrid, sino en España
La exposición, que se podrá visitar hasta el 17 de octubre de 2026, aunque la galería permanecerá cerrada en agosto, incluye trabajos de Carlos Pérez Siquier (1930-2021), Cristina García Rodero (1949), Cristóbal Hara (1946), Eugeni Forcano (1926-2018), Gabriel Cualladó (1925-2003), Isabel Muñoz (1951), Joan Colom (1921-2017), Juan Manuel Castro Prieto (1958), Ouka Leele (1957-2022), Rafael Sanz Lobato (1932-2015), Ramón Masats (1931-2024) y Toni Catany (1942-2013).
La inauguración contó con la presencia, entre otros, de Gabriel Cualladó (1950), hijo del fotógrafo del mismo nombre, quien intervino para recordar la figura de su padre y comentar algunos aspectos de las imágenes expuestas.

La labor de las galerías de arte
Las galerías comerciales realizan una doble labor: por una parte, ponen a disposición del público obras de fotógrafos del fuste de los anteriormente mencionados y, por otra, ofrecen la posibilidad de disfrutar de las obras que cuelgan de sus paredes. En este sentido, la galería facilita la visita tanto a quienes estén interesados en la adquisición de obra como a quienes deseen acercarse a la fotografía expuesta.
Aunque no se tenga intención de comprar, el personal de la galería e, incluso a veces la propia Blanca Berlín, no tendrán inconveniente en atender a los visitantes e ilustrarlos sobre autores y obras.

Para más información: https://blancaberlingaleria.com/

“Gaza, donde la vida resiste”, en el Museo Thyssen-Bornemisza

La exposición “Gaza, donde la vida resiste”, organizada junto con la UNRWA (Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Próximo), se podrá visitar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (paseo del Prado, 8, Madrid) del 18 al 23 de mayo de 2026. Esta muestra reúne diez retratos realizados por un fotógrafo gazatí del equipo de UNRWA, quien ha decidido permanecer en el anonimato por un motivo claro: evitar ser asesinado. Hasta ahora, se calcula que han sido asesinados por el Tzáhal, Fuerzas Armadas del Estado de Israel unos 260 periodistas, de los que 130 eran fotógrafos, en diversos atentados. Este dato no es accesorio, sino parte central del contexto en el que se producen y se muestran las imágenes.

Retrato y supervivencia
Las fotografías presentan a niños, mujeres y hombres palestinos supervivientes de la ofensiva sobre Gaza del gobierno israelí de Netanyahu. Cada retrato se acompaña de un objeto personal: una pelota, unos zapatos, una lona. Elementos cotidianos que, en un escenario de destrucción, condensan experiencias de desplazamientos forzados, pérdidas del hogar e interrupción de la vida diaria.
Entre estos objetos se encuentran, por ejemplo, la pelota de Mu’ayyad, que remite a los lugares de juego y al anhelo de normalidad de un niño en medio de la destrucción; los zapatos de Malak, testigos de los reiterados desplazamientos forzados al son de las órdenes del Tzáhal; así como la lona en la que Mahmoud se resguarda tras ver destruida su casa, símbolos todos ellos de la precariedad extrema y, al mismo tiempo, de la capacidad de adaptación ante la pérdida del hogar.

Genocidio en curso
La exposición se inscribe en un contexto marcado por más de dos años y medio de ofensiva israelí, con cerca de 80.000 palestinos asesinados y 2,1 millones sometidos a una crisis humanitaria extrema y sin precedentes. La destrucción sistemática de infraestructuras civiles, el desplazamiento masivo y la falta de acceso a recursos básicos configuran un escenario que múltiples organismos y voces internacionales identifican como un genocidio en curso.
En este contexto, la UNRWA desempeña un papel esencial como principal agente humanitario en Gaza, garantizando servicios fundamentales en ámbitos como la salud, la educación y la asistencia social a cientos de miles de personas. Su labor se sostiene, en gran medida, gracias a su personal local, que está formado por refugiadas y refugiados de Palestina, que en su mayoría también se encuentran desplazados. Todo ello, a pesar de los atentados permanentes que sufren por parte de las fuerzas israelíes de ocupación.

Imagen y denuncia
La exposición no plantea una mirada neutral. Las imágenes funcionan como testimonio y como denuncia. Sitúan al espectador ante vidas concretas atravesadas por la violencia estructural y la impunidad.
“Gaza, donde la vida resiste” propone un recorrido breve pero directo: mostrar lo que ocurre y señalar responsabilidades. La fotografía, en este caso, no sólo documenta, también interpela.

Para más información: https://eventos.unrwa.es/culturavivaxpalestina/

“Fuerte Fuerte”, de Isabel Muñoz

La prestigiosa fotógrafa Isabel Muñoz regresa al Institut français de Madrid con su nueva exposición titulada “Fuerte Fuerte”, que se celebrará del 21 de mayo al 10 de julio de 2026, en la Galerie del 10 de esta institución. Esta muestra posee una carga simbólica singular, pues conmemora tanto el 40º aniversario de la primera exposición de la artista, como el del mismo espacio, cuando la sala no era sino una escueta enfermería de azulejos blancos. Lo que en su origen supuso el debut de una figura entonces desconocida, se transforma hoy en un reencuentro emocional y profesional, que recorre décadas de una trayectoria fundamental para entender la fotografía contemporánea.

Diálogo entre imágenes emblemáticas e inéditas
Anne Morin, comisaria de la exposición, ha evitado deliberadamente una retrospectiva lineal —para la que, por otra parte, no habría espacio físico suficiente, a pesar de lo amplio de la galería, dada la vastedad de su obra— y propone en su lugar una instalación en la que las imágenes más emblemáticas dialogan con otras inéditas o menos conocidas, en lo que Romain Ruchaud, responsable de programación de Instituto ha definido como “contorsionismo espacial”, que adapta la obra al entorno de la galería, muy diferente de aquella sala escueta donde hace cuarenta años empezó todo.
En palabras de la comisaria, la propuesta busca descoser la obra de la artista para volver a tejerla, y explorar la representación del cuerpo y los rituales, de modo que se establece un nuevo territorio intelectual, que conecta el pasado con el presente a través de la fotografía entendida como un nudo temporal.

Sentido homenaje
El recorrido funciona también como un sentido homenaje a las raíces francesas de la carrera de Isabel Muñoz —en 1990 participó en el Mois de la Photo de París—, quien sitúa la figura de Christian Caujolle (1953-2025) como el motor emocional y mentor indispensable de los orígenes de su trayectoria. La muestra desvela facetas íntimas del proceso creativo de la Premio Nacional de Fotografía 2016, y reserva un espacio singular para las Polaroids de trabajo. Estos materiales, descritos por Morin como la “memoria de una pasión”, se convierten aquí en objetos artísticos gracias a la mirada de la comisaria.
Isabel Muñoz otorgó “carta blanca” a la comisaria para bucear en su archivo y reinterpretar su legado, transformando su obra en una experiencia sensorial que interpela directamente la condición humana.
La artista, que se define a sí misma como una “mujer agradecida”, expresa su reconocimiento no sólo a Anne Morin y Paul Lalloz, director del Instituto, sino también a todas las personas que la han apoyado y acompañado a lo largo de su carrera.
En definitiva, “Fuerte Fuerte” establece un vínculo entre épocas y geografías artísticas y reivindica la vigencia de una mirada que sigue hallando belleza en la resistencia de los cuerpos. Es una invitación a redescubrir la poética de una autora esencial en un entorno que celebra cuatro décadas de colaboración y fructífero intercambio cultural.

Para más información: www.institutfrancais.es

Reivindicación feminista del culo femenino, de Amparito Sebastià

La exposición “Culos”, de la fotógrafa Amparito Sebastià (Valencia, 1985), se podrá ver hasta el 22 de mayo de 2026, en el espacio polivalente Pasaje 94 (calle dels Trinitaris, Valencia). Se trata de una reivindicación del culo femenino desde la perspectiva feminista, centrada en que la mujer no debe avergonzarse de su cuerpo y tiene derecho a mostrarlo tal y como quiera, sin por ello ser blanco de acosos, burlas o soeces comentarios.

Perspectiva feminista
El culo es una de las partes de la anatomía humana que más se contemplan, especialmente el femenino, y, sin embargo, no ha sido hasta muy recientemente cuando se ha empezado a analizar culturalmente. Libros como “Por el culo. Políticas anales”, de Javier Sáez y Sejo Carrascosa, o “Culos. Una historia trasera”, de Heather Radke, se centran en esta parte del cuerpo humano, que tan difícil es de ver en uno mismo y que tan evidente se muestra en el de los demás.
El feminismo más reciente ha pasado de la quema de sujetadores o reivindicación del vello corporal —ambos símbolos de dominación del heteropartriarcado— a reivindicar que la mujer se libre totalmente también de lo que se supone que debe hacer, desplazando así el foco desde lo externo hacia la autonomía sobre el propio cuerpo. La mujer tiene derecho a mostrar su cuerpo como este sea o como ella quiera que sea. De esta forma, se promueve que eso que se ha dado en llamar “cuerpos no normativos” se puedan exhibir sin vergüenza, pero que igualmente lo puedan hacer aquellos cuerpos que puedan ser objeto de deseo o admiración. En este sentido, se defiende que no hay un culo hegemónico y que cada mujer tiene el derecho a habitar el propio cuerpo sin someterse a cánones de belleza industriales o imposiciones de género. En definitiva ser ella misma, que es la mayor expresión de su liberación.
“Culos”, de Amparito Sebastià, se puede definir como paradigmática en ese sentido. En sus propias palabras, la exposición “plantea una idea directa: el cuerpo de la mujer no es opinable. No es una invitación ni un mensaje, y no debería estar sujeto a un juicio constante. Durante años ha sido tratado como algo público, medido, evaluado y corregido. Esta exposición propone, precisamente, desplazar esa mirada y entender el cuerpo como algo propio, como algo humano”, lo que refuerza el núcleo conceptual que articula la muestra.
Podríamos decir que esta exposición es de culos normales —o sea, de todo tipo— para personas normales, como usted y como yo, de forma que subraya su vocación inclusiva cotidiana.
El feminismo como liberación de la mujer también lo es del varón, en la medida en que cuestiona los roles que se sostienen en relaciones de dominación. Como se recoge en la compilación de hadices (dicho o hecho de Mahoma de transmisión tradicional) “Sahih al-Bujari”: “Narró Anas que el Mensajero de Dios dijo: ‘Ayuda a tu hermano, ya sea opresor u oprimido’. La gente preguntó: ‘¡Oh, Mensajero de Dios! Entendemos cómo ayudarlo si es el oprimido, pero ¿cómo podemos ayudarlo si él es el opresor?’. El Profeta les respondió: ‘Impidiéndole que oprima a otros; esa es la forma de ayudarlo’”.

Amparito Sebastià
Amparo Sebastià estudió fotografía en el Istituto Italiano di Fotografia de Milán (IIF) y posteriormente se trasladó a Berlín, donde inició su carrera como ayudante del fotógrafo Olaf Blecker, una de cuyas líneas de trabajo es, curiosamente, la de fotografiar personas maduras, que entronca con una mirada no normativa del cuerpo. Tras esta etapa en Alemania, regresó a Valencia donde desarrolla su trayectoria en fotografía comercial. Ha colaborado con marcas como Marie Claire, New Balance, Estrella Damm, Ulanka y Babé.
Sus fotos comerciales están dirigidas a resaltar la belleza de los productos que le encargan promocionar. Para esta exposición, ha puesto todo su saber, su técnica y su arte en fotografiar bellamente cualquier culo, sea del tipo que sea, de forma que traslada esa misma capacidad estética al ámbito conceptual del proyecto.
Todo lo que se recaude con la exposición se destinará a la Asociación Alanna, ONG valenciana que trabaja por los derechos de las mujeres, contra la violencia hacia las mujeres y por la inclusión de mujeres, niñas, niños y familias en situación de especial vulnerabilidad. Una muestra del compromiso social de Amparo Sebastià.

Para más información: https://amparitosebastia.com/

(Foto de la exposición, por Paloma Agramunt)