Revista FV - Fotovídeo Actualidad

El fotógrafo suizo Paul Senn, en la guerra civil española

La obra fotográfica de Paul Senn, conocido fotógrafo humanista suizo, llega por primera vez a España a través de una exposición inédita sobre la Guerra Civil y el exilio republicano subsiguiente.
La muestra, organizada por Fundación Manuel Fernández “LITO” y el Ateneo de Madrid (calle del Prado, 21), donde se podrá visitar del 20 de noviembre al 21 de diciembre de 2025, pone en valor en nuestro país la obra de una de las figuras clave del fotoperiodismo europeo del siglo XX.
Esta exposición rescata el testimonio visual de un fotoperiodista fundamental, “injustamente olvidado”, que ofrece la mirada de un extranjero dotado de una inmensa calidad artística y un profundo compromiso humano con la Guerra Civil y el exilio republicano.

La relevancia de un fotógrafo comprometido
En un momento en que las narrativas visuales definen nuestra comprensión del mundo, redescubrir la obra de Paul Senn (1901-1953) resulta más relevante que nunca. Su enfoque, precursor de la llamada “fotografía comprometida” (“concerned photography”), ofrece una perspectiva humanista que trasciende el mero registro documental y establece una conexión directa con las personas retratadas.
Considerado uno de los fotógrafos suizos más influyentes de su tiempo, Senn construyó una carrera sólida entre 1930 y 1953, siempre desde una marcada posición socialdemócrata. Su obra se centró en denunciar las injusticias y los agravios políticos y sociales de su época. Temas como el fascismo, el desempleo o la precariedad de los más vulnerables fueron el eje de su trabajo, caracterizado por una dedicación constante a “los débiles y oprimidos”.
A lo largo de su prolífica trayectoria, publicó más de 1.500 reportajes, principalmente en revistas suizas de gran prestigio, como “Zürcher Illustrierte” y “Berner Illustrierte”. Su vasto legado, formado por un archivo de aproximadamente 100.000 negativos, se conserva actualmente en el Museo de Bellas Artes de Berna. Aunque su trabajo lo llevó por toda Europa y América, su profundo vínculo con España dio lugar a algunas de sus series más conmovedoras e históricamente significativas.

Una mirada suiza sobre la más trágica historia de España
La conexión de Paul Senn con España ofrece un testimonio único de uno de los capítulos más trágicos de nuestra historia contemporánea. Como observador externo, pero dotado de una empatía extraordinaria, sus fotografías retratan el impacto del conflicto en la vida de la población civil con una honestidad sobrecogedora.
Senn viajó a España en varias ocasiones antes y durante la Guerra Civil y colaboró estrechamente con la Ayuda Suiza —una iniciativa humanitaria de organizaciones no gubernamentales suizas, como el Servicio Civil Internacional (SCI), activo durante la Guerra Civil para ayudar a la población civil, especialmente a los niños— para documentar la realidad sobre el terreno.
Su trabajo más impactante data de 1939, cuando fue testigo directo del éxodo republicano. En medio del caos, unas 450.000 personas cruzaron los Pirineos hacia Francia huyendo del avance de las tropas franquistas, en lo que se conoce como “La Retirada”, el mayor éxodo europeo del siglo XX hasta entonces.
Las imágenes de Senn constituyen un testimonio visual fundamental para comprender la magnitud de la tragedia humana. Su compromiso no terminó en la frontera; posteriormente, documentó las duras condiciones de los refugiados españoles en los campos de concentración del sur de Francia, como los de Rivesaltes y Récébédou. Esta exposición revela este archivo excepcional y lo presenta por primera vez en el país que lo inspiró.

Detalles de la exposición
Esta exposición representa una oportunidad única para que el público español pueda conectar con su propia historia a través de la visión de un fotógrafo cuya obra combina rigor documental con una inmensa calidad artística y un profundo sentido de la justicia. La muestra, fruto de una rigurosa labor de investigación, cuenta con la colaboración de los comisarios Michel Lefebvre-Peña, periodista francés de padre español y redactor jefe de Historia de “Le Monde Magazine”; y Markus Schürpf (1961), comisario e historiador del arte suizo, autor del libro “Paul Senn - Fotoreporter”.

Para más información: https://ateneodemadrid.com/

El Centro Nacional de Fotografía acoge las I Jornadas de Fotografía y el XI Encuentro de Historia de la Fotografía

Las I Jornadas del Centro Nacional de Fotografía y el XI Encuentro de Historia de la Fotografía se celebrarán en Soria los días 6 y 7 de noviembre de 2025. Organizados conjuntamente por el Centro Nacional de Fotografía y el Centro de Estudios de Castilla-La Mancha, los actos se presentan con el lema “La imagen que conecta. Fotografía para la cooperación y el diálogo”. Su objetivo principal es promover el conocimiento de la fotografía y crear un espacio para el intercambio y la colaboración entre investigadores, profesionales de instituciones culturales y la comunidad en general.
El encuentro se fundamenta en el legado de diez ediciones previas que han sido cruciales para establecer metodologías en la conservación y gestión del patrimonio fotográfico. El objetivo estratégico es generar un diálogo innovador y transdisciplinario que vincule la fotografía con la cooperación y el desarrollo sostenible, alineándose explícitamente con los principios del Objetivo de Desarrollo Sostenible (ODS) 17.
Los actos tendrá lugar en el Teatro Palacio de la Audiencia (Plaza Mayor, Soria)

Para más información: https://www.cultura.gob.es/cultura/promociondelarte/programasyactividades/i-jornadas-fotografia.html

La fotografía puesta a prueba por la ficción, en la Galería VU'

La exposición “La photographie à l’épreuve de la fiction” (“La fotografía puesta a prueba por la ficción”), que se puede visitar en la Galería VU' de París (60 Avenue de Saxe) hasta el 3 de enero de 2026, explora cómo los artistas contemporáneos utilizan el medio para construir universos propios. La idea no es nueva; ya en 1840, Hippolyte Bayard (1801-1887) escenificó su propio suicidio en su “Autoportrait en noyé” (Autorretrato de un ahogado), lo que demuestra que la ficción ha sido inherente a la fotografía desde el principio. La muestra de la Galería VU’ retoma este legado con una fuerza renovada, al reunir a creadores que demuestran que la cámara es, ante todo, un instrumento para contar historias. “Aquí, la fotografía, lejos de transcribir la simple coincidencia del fotógrafo con el mundo real, es el vector y el lenguaje mismo de la ficción, dejando vía libre a la poesía, al relato y a lo imaginario”.

Juan Manuel Castro Prieto, un diálogo con Lorca

La obra de Juan Manuel Castro Prieto se erige como un pilar central de la muestra. A través de su potente retórica visual, el fotógrafo madrileño reinterpreta “Bodas de sangre”, el drama inmortal de Federico García Lorca. La editorial La Fábrica publicó en 2010 un libro del mismo título. El resultado es una serie que invoca la atmósfera opresiva, sacrificial y fantasmagórica del destino que persigue a los personajes de la obra. Su trabajo, no obstante, no constituye una simple ilustración del texto. Se trata de un profundo diálogo entre dos artistas a casi un siglo de distancia, donde Castro Prieto explora temas que resuenan en su propia obra: la sensualidad, la espiritualidad y la tensión constante entre la muerte y la fuerza vital. Su reconocida trayectoria como uno de los “más sabios, exigentes y sutiles copistas europeos”, consolidada por su trabajo con las placas originales de Martín Chambi, a principios de los años noventa, le otorga la maestría técnica necesaria para afrontar un proyecto de esta envergadura.

Otras miradas sobre la ficción
Junto con Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958) exponen tres fotógrafas. Por una parte, Sophie Caretta (Versalles, Francia, ), quien se sumerge en procesos antiguos como el colodión húmedo para dar forma a un universo onírico y construir diálogos interiores. Gabrielle Duplantier (Bayona, Francia, 1978), en su caso, construye una poética visual personal y fuera del tiempo mediante imágenes pobladas por paisajes de luces fabulosas y personajes que surgen como apariciones fantasmales, evocan una sensación de lo maravilloso y lo fantástico, con ecos de la pintura y la literatura victorianas. Finalmente, Camille Brasselet (1997) aborda la fotografía desde una perspectiva teatral, mediante la composición de escenas que recuerdan a formas de dioramas revisitados. Sus “personajes”, que actúan en las ficciones que ella crea, a menudo aparecen desindividualizados o de espaldas, negándose al espectador.

Para más información: https://galerievu.com/

La mujer del siglo XIX se adueña de su imagen, en el Museo del Romanticismo

El Museo Nacional del Romanticismo (calle San Mateo, 13, Madrid) presenta, hasta el 25 de enero de 2026, la exposición “Retratadas. Estudios de mujeres”, la cual propone una relectura de la historia de la fotografía española, basada en la tesis doctoral y posterior libro titulado “Retratadas. Fotografía, género modernidad en el siglo XIX español” —que comentaremos en la edición impresa de FV— de Stéphany Onfray (Caen, Francia, 1990). La muestra desmonta la visión tradicional de la mujer decimonónica como mero objeto pasivo ante la cámara y la reivindica como un agente activo, autora simbólica de su propia imagen. A través del concepto de “autorrepresentación subrogada” —acto en el que mediaba un técnico, pero en el que las mujeres tenían el control simbólico de sus retratos—, la exposición analiza la compleja y simbiótica relación entre las mujeres y la fotografía en el siglo XIX, destacando sus decisivas aportaciones al desarrollo de un medio que, a su vez, las ayudó a desafiar sutilmente las normas de género.

Habitación propia
La exposición sitúa su punto de partida en el estudio fotográfico decimonónico, que era un espacio estratégicamente diseñado con una estética doméstica y codificado en clave femenina, concebido básicamente para disciplinar los cuerpos y encauzar los comportamientos de las mujeres, según los ideales de la burguesía de la época. Este entorno incluía un “cuarto-tocador” para que la mujer se pudiera preparar para la foto, que se convertía, en esencia, en una “habitación propia”, concepto acuñado por Virginia Wolf en su libro del mismo título de 1929. En un acto de resistencia sutil, las mujeres transformaron este escenario de control en un lugar inédito de creación, diversión y experimentación performativa, donde podían negociar los límites de su representación. Fue la popularización de un nuevo formato lo que llevaría estas dinámicas de la intimidad del estudio a la esfera pública: la tarjeta de visita.

Iconografía de lo femenino
La invención de la tarjeta de visita o “carte de visite”, en 1854, supuso una revolución. Este formato económico democratizó el retrato y multiplicó exponencialmente la visibilidad de las mujeres, aunque con un doble filo. Por un lado, la escenificación de roles de género ante la cámara reforzó los arquetipos carcundas asociados a la maternidad, el buen gusto, la moral y la religión, consolidando el ideal del “ángel del hogar”, la mujer como dócil y obsequiosa esposa y madre. Por otro lado, esta misma estrategia resultó paradójicamente liberadora: al simular su exclusión del ámbito sociopolítico mediante estas representaciones, aunque sin romper claramente con el orden establecido, las mujeres lograron conquistar nuevas esferas de intervención pública, tomando conciencia de su cuerpo como herramienta de expresión.

El cuerpo como obra
Con esta autonomía ganada, el acto de retratarse dejó de ser un simple trámite para convertirse en una inversión simbólica y en una refinada estrategia performativa. Las mujeres comenzaron a concebir su propio cuerpo como un “dispositivo expresivo”, una verdadera obra de arte en sí misma. A través de un complejo repertorio de gestos, posturas y atuendos, llegaron a establecer un profundo vínculo de comunicación no verbal con el espectador, que por mor de la fotografía llega hasta nuestros días. La fotografía se convirtió así en una “experiencia total”, donde no solo importaba el instante de la pose, sino también la posterior recepción y contemplación de la imagen, sentando las bases de un concepto más moderno y artístico del medio fotográfico.

Metafotografía
Responsables de la transmisión del capital simbólico de las familias, las mujeres dieron a la fotografía una nueva profundidad, llevando a su transformación y a convertirla en un signo capaz de expresar emociones complejas como la vanidad, el amor, la pérdida y el deseo. La exposición explora las llamadas “manifestaciones metafotográficas”: ritos íntimos como la inserción de retratos en dijes —la pulsera fabricada con cabello humano expuesta da grima—, el posar junto a la efigie de un ser querido o las fotografías “post mortem”, que dotaron al medio de una faceta profundamente afectiva. Al mismo tiempo, las mujeres se reapropiaron del álbum familiar, convirtiéndolo en una especie de laboratorio de experimentación subjetiva donde, por primera vez, se gestaba una memoria colectiva narrada desde una mitología femenina propia.

Hacia la modernidad
El fenómeno de la “tarjetomanía” fue paradójico. La reproductibilidad ilimitada de la tarjeta de visita convirtió el cuerpo femenino en un objeto coleccionable, pero gracias a su bajo coste también introdujo el revolucionario “derecho al error”. La posibilidad de repetir una toma abrió un campo inédito para el ensayo y la experimentación, poniendo las bases de un deseo de emancipación personal y profesional. Con el tiempo, las mujeres utilizaron el retrato para proyectar su identidad ocupacional —como la pintura, por ejemplo—, y ganar reconocimiento.
Esta normalización de la presencia femenina en la esfera pública se extendió a los propios estudios, aunque el reconocimiento oficial tardó en llegar. Hubo mujeres como María Eladia Rubio, copropietaria de un exitoso estudio madrileño, que en los registros oficiales figuraba simplemente como “Esposa de Toledo” —Quintín Toledo, originalmente vidriero—, mientras sus sobrinos varones eran reconocidos como “fotógrafos”. Sin embargo, es precisamente la labor investigadora que sustenta “Retratadas” la que rescata del olvido a pioneras que sí lograron trascender esa invisibilidad. Es el caso de Alejandrina Alba Muñoz (1837-1915), quien, tras el fallecimiento de su esposo, el fotógrafo José Martínez Sánchez (1807-1874), se declaró oficialmente en 1876 “fotógrafa” y “cabeza de familia”, asumiendo la dirección de uno de los estudios más selectos de Madrid y firmando su propia obra como A. Alba.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/inicio.html

Paris Photo 2025

La fotografía mundial tiene su cita anual en Paris Photo 2025, que, además, lo hace con un significativo regreso. El emblemático Grand Palais de la capital gala vuelve a acoger esta importante feria, del 13 al 16 de noviembre. Se trata de la 28.ª edición de Paris Photo, que reunirá a 179 galerías y 43 editoriales, de 33 países. En este amplio panorama mundial, la participación española se perfila como una de las más dinámicas.

Las galerías españolas
Una selecta delegación de galerías españolas marcará su presencia en la capital francesa. La lista incluye a NORDES de A Coruña; ADN, Chiquita Room, RocioSantaCruz y Sorondo Projects, de Barcelona; Cámara Oscura y Grégory Leroy-Nuevo Impulso, de Madrid; Isabel Hurley, de Málaga; así como Alarcón Criado, de Sevilla.
Lo interesante es que una parte significativa de esta representación es nueva o retorna tras una ausencia, como es el caso de Chiquita Room, Isabel Hurley, NORDES y Sorondo Projects, señal que apunta a una renovada ambición internacional.
El ecosistema del fotolibro también encuentra su espacio con la presencia de la editorial barcelonesa RM Verlag, en la sección de editoriales, lo cual muestra la importancia del formato impreso en el discurso fotográfico contemporáneo.

Proyectos destacados con sello español
Entre las propuestas más relevantes se encuentra la de Marisa González (Bilbao, 1943), presentada por la galería Isabel Hurley, de Málaga, en el sector “Prismes”. Su serie pionera “Thermofax (1975-77)”, que se muestra por primera vez en Francia tras su paso por el Museo Reina Sofía de Madrid, entre los meses de mayo y septiembre de 2025 y que actualmente se puede visitar en el Azkuna Zentroa, antigua Alhóndiga Bilbao (plaza Arriquibar, 4), adquiere una nueva resonancia. La directora artística de la feria, la española Anna Planas (Barcelona, 1980), la sitúa, junto al argentino Julio Le Parc (1928), como una “precursora del arte generativo”, conectando su trabajo histórico con los diálogos más actuales sobre la creación de imágenes.
La presencia española también se extiende al sector “Émergence”, escaparate global que reúne propuestas de Venezuela, México y Sudán del Sur. En este contexto, la galería barcelonesa Sorondo Projects presenta a la artista venezolana de ascendencia coreana Suwon Lee (Caracas, 1977), integrando el talento español en la conversación sobre las escenas emergentes del mundo.

La mirada femenina en “Elles x Paris Photo”
Un año más, el recorrido “Elles x Paris Photo” pone el foco en la creación de las fotógrafas. Este año, la comisaria es la belga Devrim Bayar. El itinerario explora este año “las complejas relaciones entre la figura, a menudo femenina, y el entorno que la rodea, la envuelve o, en ocasiones, la ahoga”.
Esta iniciativa ha demostrado ser un motor de cambio, que ha logrado que la representación de las mujeres en la feria aumente del 20%, en 2018, a un notable 39%, en 2025. En esta selección se encuentran dos figuras clave de la fotografía española: Pilar Aymerich (Barcelona, 1943), representada por RocioSantaCruz, y Anna Turbau (Barcelona, 1947-2025), representada por NORDES.

Un punto de encuentro mundial
Paris Photo es más que una feria. Con cerca de 200 instituciones que acuden cada año, es un punto de encuentro ineludible para el ecosistema del arte fotográfico. Para la escena española, su presencia no es sólo una oportunidad comercial, sino la confirmación de su relevancia en el panorama internacional. Demuestra que su voz no solo es sólida, sino esencial en la fotografía contemporánea.

Para más información: https://www.parisphoto.com

XXIV Seminario de Fotografía y Periodismo, en Albarracín

Del 18 al 21 de octubre de 2025, la localidad turolense de Albarracín acoge la XXIV edición del Seminario de Fotografía y Periodismo, organizado por la Fundación Santa María y dirigido por los fotoperiodistas Gervasio Sánchez y Sandra Balsells. Con más de tres décadas de trayectoria, el encuentro se ha consolidado como una cita imprescindible para profesionales de la imagen y el periodismo en España.

Creado para promover una fotografía sin etiquetas
Según Antonio Jiménez, director-gerente de la Fundación, el seminario “sigue siendo la actividad más significativa de la institución, capaz de reunir en Albarracín a algunos de los nombres más destacados de la fotografía española”. Durante cuatro días, el programa combinará conferencias, análisis de trabajos, talleres y proyecciones, manteniendo su espíritu de diálogo y reflexión sobre el papel de la fotografía documental y periodística.
Para Gervasio Sánchez, el seminario “nació con el propósito de promover una fotografía sin etiquetas, abierta a todas las especialidades y generaciones”. El fotoperiodista ha destacado además la labor de Sandra Balsells, codirectora del encuentro, “por su esfuerzo en mantener vivo un espacio de encuentro y pensamiento crítico”.

Beca de Fotografía Fujifilm
La edición de este año contará nuevamente con la Beca de Fotografía Fujifilm, que celebra su segunda convocatoria. Con una dotación de 4.000 euros, la beca reconocerá al mejor trabajo presentado durante el seminario.
Eduardo López, director de Imaging y Recording Media de Fujifilm España, subraya que la compañía “se siente orgullosa de apoyar un evento que fomenta la mirada crítica y la narración visual comprometida”, reforzando así su vínculo con la fotografía como medio de memoria y transformación social.

Para más información: https://fundacionsantamariadealbarracin.com/es/

Festival SCAN Tarragona 2025

El Festival Internacional de Fotografía SCAN Tarragona presenta en su 12.ª edición una programación para el mes de noviembre centrada en la temática del agua, que se celebrará hasta el 7 de diciembre.
Las actividades, que incluyen exposiciones, proyecciones audiovisuales y presentaciones de publicaciones, buscan reivindicar la fotografía contemporánea como una herramienta de pensamiento y expresión artística. Artistas como Txema Salvans, Santi Donaire, Paula Artés, Ricardo Cases y Mer Hausmann protagonizan una agenda que consolida a Tarragona como un referente de la fotografía en el Mediterráneo.

Reinterpretación de la memoria visual femenina
El sábado 15 de noviembre, la artista Mer Hausmann —véase la edición impresa de FV 301— presentará “Donde empieza la luz”, resultado de la 3.ª Residencia de Creación e Investigación L’Arxiu, en el Centro de Imágenes de Tarragona. El proyecto utiliza inteligencia artificial generativa para reinterpretar los archivos fotográficos históricos de la ciudad, imaginando una nueva memoria visual para las mujeres del siglo XIX. A través de esta técnica, Mer Hausmann transforma las imágenes de archivo en escenarios simbólicos donde las mujeres adquieren protagonismo y ocupan espacios públicos y activos que tradicionalmente les fueron negados.

Exposiciones de fotógrafos contemporáneos
El viernes 21 de noviembre se inaugurará “Perfect Day” de Txema Salvans, una serie que combina ironía y lucidez para retratar los rituales y contradicciones del ocio contemporáneo en la sociedad mediterránea. El jueves 27 de noviembre, Santi Donaire presentará “Hasta que la tierra aguante”, en la Estación KM0 (Estación de autobuses), muestra organizada por Photo Km0. A través de la fotografía documental, Donaire explora las transformaciones ecológicas y humanas del entorno, con una mirada poética sobre la resistencia y fragilidad del territorio. Ese mismo jueves, se inaugurará también “El caudal del río”, de Paula Artés, coproducción con el Centro de Artes Contemporáneas, Mèdol, de Tarragona, que surge de un proyecto de investigación fotográfica sobre la central hidroeléctrica Renace en Guatemala.

SCAN Films y la exploración audiovisual
El festival estrena la línea SCAN Films, del 13 al 30 de noviembre, con una instalación en bucle en la Sala Plana de Mèdol, que presenta piezas de Àlvar Calvet e Irena Visa, con el agua como eje temático. Esta iniciativa busca dar visibilidad al potencial del audiovisual de autor y su vínculo con la fotografía. Además, el miércoles 26 de noviembre, Mèdol acogerá un encuentro con ambos artistas para explorar cuestiones del territorio, identidad y representación. La sesión, que incluirá proyecciones y un coloquio, será grabada para convertirse en el episodio #12 de Òcul, el pódcast del festival.

Presentaciones editoriales y fotolibros
El compromiso del festival con la cultura visual se extiende a las publicaciones. El miércoles 26 de noviembre, en la librería El Soterrani, Santi Donaire presentará el fotolibro “Hasta que la tierra aguante”, editado por PHREE, que complementa su proyecto expositivo. El viernes 28 de noviembre, Ricardo Cases presentará la obra “Catálogo”, en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona, que reflexiona sobre los límites entre documentación y ficción. Ese mismo día, en la Galería Personal Tarragona, Txema Salvans presentará su libro “Sunday morning”, que retoma su mirada sobre el paisaje social y urbano contemporáneo.

BLOC #3 y la memoria sumergida del Delta
El sábado 30 de noviembre, en el Tinglado 4 – Exposición TARRACO/MNAT, se presentará el tercer número de “BLOC”, la publicación anual de autor del festival. Esta edición está firmada por el artista visual Jonàs Forchini y parte de una investigación fotográfica sobre el impacto de la contaminación, la erosión costera y la planificación territorial en el litoral mediterráneo. Forchini se adentra en la desembocadura del Ebro, en colaboración con el Centro de Arqueología Subacuática de Cataluña.

Para más información: www.scan.cat

Photomuseum de Zarautz celebra con una exposición de fotografía aérea los primeros mil años del nombre Ipuscoa

Con motivo del milenario del nombre Ipuscoa, que fue la primera referencia escrita al territorio que hoy conocemos como Gipuzkoa, el Photomuseum de Zarautz (San Inazio Kalea, 11) presenta, del 4 de octubre al 23 de noviembre de 2025, la exposición “Gipuzkoa desde el aire”, que reúne medio centenar de fotografías aéreas de distintos municipios de la provincia. Las tomas, realizadas en los años cincuenta y que fueron originalmente encargadas como parte del “Plan de Ordenación Urbanística de Guipúzcoa”, provienen del Archivo General de Tolosa. La muestra permite contemplar la transformación urbanística y paisajística de la provincia desde la perspectiva actual.

Características técnicas y conservación
Las copias originales, sobre papel baritado de haluros de plata de gran formato (50 x 60 cm), están encuadernadas en un álbum de 60 x 80 cm. Con el paso del tiempo, la humedad y ciertas condiciones de conservación han provocado alteraciones químicas como oxidación y desplazamiento de las partículas de plata, conocido como ‘foxing’ o efecto espejo, que hace que la luz se refleje sobre las superficies fotográficas deterioradas. Para la exposición se han utilizado impresiones digitales a partir de escaneados de estos archivos, para preservar así la integridad de las imágenes originales.

Recorrido geográfico
La organización de la exposición ha seguido un criterio geográfico, agrupando las vistas aéreas según los ríos y los valles de Gipuzkoa:

• Oria: Beasain, Ordizia, Tolosa, Villabona, Andoain, Lasarte y Orio.
• Urumea: Hernani.
• Urola: Legazpi, Zumarraga, Azkoitia, Azpeitia, Zestoa y Zumaia.
• Bidasoa: Irun y Hondarribia.
• Oiartzun: Oiartzun, Errenteria, Pasaia y Lezo.
• Deba: Eskoriatza, Aretxabaleta, Arrasate, Oñati, Bergara, Soraluze, Eibar, Elgoibar y Deba.

También se incluyen varias tomas de localidades costeras como Getaria y Mutriku, completando un recorrido visual por la historia reciente de Gipuzkoa.

Para más información: https://www.photomuseum.es/