Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Entre Bastidores”, en el Museu Pau Casals

El Museu Pau Casals (Av. Palfuriana, 67, Sant Salvador, Tarragona) acoge la exposición “Entre Bastidores. El Festival de Prada desde el objetivo de François Serre”, del 10 de julio al 31 de agosto de 2025. La muestra presenta 60 fotografías de los más de 900 negativos recientemente donados a la Fundación Pau Casals por el fotógrafo François Serre.

Orígenes y propósito del festival de Prada
El Festival de Prada se inició en 1950, con el primer concierto del Festival Bach, para conmemorar el bicentenario de la muerte de Johann Sebastian Bach. Este hecho marcó el inicio de los Festivales de Prada de Conflent, una cita musical que se celebra anualmente en esta localidad francesa del departamento de Pirineos Orientales. Pau Casals, exiliado en Prada desde el fin de la Guerra Civil, en 1939, fue quien consolidó el festival en 1950, lo que transformó a la localidad en un espacio de encuentro internacional para destacados intérpretes de la música. Durante dos semanas, Prada se convertía en un centro de convivencia donde la música y la amistad se entrelazaban entre los artistas.

Participantes destacados
El festival atrajo a numerosas figuras de renombre, como Alexander Schneider, Isaac Stern, Joseph Szigeti, Paul Tortelier, Rudolf Serkin, Eugene Istomin, Clara Haskil, Mieczysław Horszowski, Yehudi Menuhin, Wilhelm Kempff, David e Igor Oistrakh, Sándor Végh, Julius Katchen y Christian Ferras. Desde la década de los sesenta, François y Michel Serre, apasionados por la fotografía, documentaron el festival. Michel Serre se encargaba de la organización diaria del festival, gestionando contratos, ventas y reuniones con el director, entre 1955 y 1966, Enric Casals, hermano de Pau Casals.
La exposición presenta, en su mayoría, fotografías captadas en la sacristía de la iglesia de Saint-Pierre, un espacio que actuaba como el verdadero núcleo del festival y lugar de reunión para músicos, organizadores y periodistas. “Este espacio, aparentemente discreto, se convertía durante el festival en un verdadero centro neurálgico para aquellos que conocían sus secretos. Reinaba una atmósfera singular: íntima, acogedora y profundamente humana. Pau Casals, figura central de este entorno, compartía allí con naturalidad su sencillez, su calidez y una alegría contagiosa”, señala François Serre. Con sus cámaras Leica, Serre logró captar instantes de complicidad y escenas irrepetibles que ahora pueden volver a contemplarse.

Para más información: https://www.paucasals.org/es/

“Espacio disponible”, de Eduardo Nave, en el Centro José Guerrero de Granada

El Centro José Guerrero (calle Oficios 8, Granada) acogerá, hasta el 12 de octubre de 2025, la exposición “Espacio disponible” del fotógrafo Eduardo Nave, una profunda reflexión visual sobre la decadencia de la publicidad externa impresa en el contexto del auge de las tecnologías digitales.

Una era que se desvanece
Las imágenes de Eduardo Nave documentan la progresiva desaparición de las grandes vallas publicitarias físicas, estructuras que en otros tiempos fueron emblemas de la modernidad industrial y del consumo masivo. Ahora, esas mismas estructuras, vacías, deterioradas y oxidadas, se alzan como ruinas contemporáneas en paisajes áridos, abandonados y deshabitados.
El filósofo francés Gilles Lipovetsky (1964), analista de la sociedad posmoderna, ha escrito un ensayo específico para el catálogo de la muestra, editado por el Centro José Guerrero en colaboración con la editorial francesa Éditions Loco. Según afirma: “lo que Eduardo Nave nos muestra es esa obsolescencia del anuncio tradicional y estático en papel en provecho de las pantallas de comunicación, los móviles, las pantallas gigantes LED, los soportes de exhibición digital y dinámica.” Lipovetsky define la serie como una estética y poética de la desaparición, contraponiéndola al bullicio visual de espacios como Times Square, en centro de la ciudad de Nueva York. En “Espacio disponible”, esta ausencia de publicidad se yergue como el signo de una era que se desvanece.

Eduardo Nave
Eduardo Nave (Valencia, 1976) es una figura consolidada dentro de la fotografía contemporánea española. Cofundador del colectivo NOPHOTO, ha desarrollado una trayectoria centrada en los lugares marcados por la historia y la memoria. Su trabajo se ha visto reconocido con numerosos premios y becas, como Arco y Revelación PhotoEspaña 06, además de otros muchos, como los de la Fundación Marcelino Botín, la Casa de Velázquez, la Colección CAM y FOTOPRES de la Caixa. Su obra ha estado presente en instituciones y ferias internacionales como ARCO, ParisPhoto, PhotoLondon.
Con “Espacio disponible”, Nave añade un nuevo capítulo a su estudio sobre las huellas del tiempo en el paisaje humano. En esta ocasión aborda la dimensión simbólica de la publicidad como vestigio del entusiasmo consumista del siglo XX. La exposición, cuya comisaria es Claude Bussac (1963), se perfila así como una propuesta crítica y poética sobre el presente de la imagen y el porvenir de la comunicación visual.

Para más información: https://centroguerrero.es/

“American people”, en el Museo Carmen Thyssen de Málaga

El Museo Carmen Thyssen de Málaga (calle Compañía, 10) ha presentado su nueva exposición “American people. Fotografía documental americana (1930-1980)”, consistente en una retrospectiva que recorre medio siglo de fotografía documental estadounidense, a través de las obras de once de sus autores más influyentes. La muestra, que reúne ochenta imágenes de la Colección José Luis Soler Vila, podrá visitarse hasta el 13 de octubre de 2025.

Un recorrido por medio siglo de fotografía documental
La exposición ofrece una extensa panorámica de la vida cotidiana en Estados Unidos desde prismas muy diversos, de la mano de fotógrafos consagrados. La fotografía de estilo documental es un género basado en el registro de la realidad, que conecta con el testimonio histórico, el retrato, la vida en la calle, la sociología, la denuncia social, la ironía y la narración. Entre las ochenta fotografías expuestas, algunas son míticas, como la de Garry Winogrand de Marilyn Monroe, captada durante la filmación de la película “La tentación vive arriba”, dirigida por Billy Wilder, en 1955.
La Sala Noble del Museo Thyssen acoge la primera parte de la exposición, que abarca la fotografía documental de la vida cotidiana estadounidense entre 1930 y 1980, entre las que se incluyen imágenes de personajes anónimos y celebridades, calles lujosas y barrios marginales, en blanco y negro y en color.
La selección incluye a figuras esenciales de la fotografía estadounidense como Walker Evans (1903-1975), quien sentó las bases del documentalismo en los años treinta. Las décadas de los cuarenta y cincuenta están representadas por Helen Levitt (1913-2009), Louis Faurer (1916-2001), Robert Frank (1924-2019), Harry Callahan (1912-1999) y Garry Winogrand (1928-1984). El giro hacia un documentalismo más subjetivo en los años sesenta lo protagonizan Lee Friedlander (1934), Imogen Cunningham (1883-1976) y Tod Papageorge (1940). El recorrido cronológico concluye en los setenta con Susan Meiselas (1948) y en los ochenta con Anthony Hernandez (1947).

El universo de Studio 54, en “Beautiful People”
El recorrido expositivo se completa en el Espacio ArteSonado del museo, situado en la misma primera planta del Palacio de Villalón. Allí se presenta “Beautiful People”, colección de treinta fotografías en blanco y negro realizadas por Tod Papageorge (1940) en el mítico club nocturno neoyorquino Studio 54, a finales de los setenta. Abierto en Manhattan de abril de 1977 a febrero de 1980, Studio 54 fue el corazón de la vida nocturna más exclusiva de la Gran Manzana. Allí se dieron cita celebridades y figuras del cine, las artes y la política, así como fiesteros y golfos de diverso pelaje en busca de visibilidad, pero todos ellos admitidos a través de una rigurosa selección.

Colaboración y compromiso con la fotografía
Esta exposición es la tercera colaboración entre el Museo Carmen Thyssen Málaga y la Colección José Luis Soler Vila, gracias a la generosidad de Susana Lloret, viuda de José Luis Soler Vila (1956-2024). De la gestión de este fondo se encarga la Fundació Per Amor a l’Art, fundada por Soler Vila —copropietario de Ubesol, empresa cofundada por su padre, y fabricante de los productos Deliplus y Bosque Verde, que comercializa Mercadona— y su esposa, en 2014. La colección se compone de más de 2.500 obras, de las cuales casi 2.200 son fotografías. La fundación es muy activa a la hora de organizar exposiciones en su sede del Bombas Gens Centre d’Arts Digitals (Valencia), así como en la cesión de sus fondos a otras instituciones, como en este caso.

Para más información: www.carmenthyssenmalaga.org

“Mirabilia”, de Joan Fontcuberta, y Premios Fundación ENAIRE, en Santander

El pasado 26 de junio se inauguraron en Santander dos exposiciones, una de JoanFontcuberta, titulada “Mirabilia”, y la colectiva XVIIIPremios de Fotografía Fundación ENAIRE, que forman parte de la edición 2025 de PHotoEspaña. Ambas exposiciones, promovidas por la Fundación ENAIRE, se pueden ver en las Naves de Gamazo (Av. de Severiano Ballesteros, 3, Santander), hasta el 18 de enero de 2026.

“Mirabilia”
“Mirabilia”, cuyo comisario es Sema D’Acosta, presenta una gran selección de la obra reciente de Joan Fontcuberta: desde trabajos con inteligencia artificial —como “Génesis.IA” y “DeRerumNatura”— hasta piezas inéditas y emblemáticas obras de su trayectoria de más de cinco décadas. El autor desarrolla un discurso visual sobre la tensión entre realidad y ficción, lo natural y lo artificial, y plantea un cambio de paradigma en el panorama visual contemporáneo.
La exposición incluye la instalación “Cápsula de Arte”, ubicada en el aeropuerto de Santander, para reforzar la conexión entre arte, tecnología aeronáutica y territorio.
Joan Fontcuberta recibió el pasado mes de marzo el Premio Trayectoria 2025 de Fotografía de la Fundación ENAIRE, de quien destacaron: “Su trabajo explora la relación entre la imagen y la ficción, cuestionando la veracidad y la autenticidad de las fotografías. A menudo crea narrativas inventadas a través de imágenes manipuladas, desafiando la percepción del espectador sobre la realidad. Además de su faceta como fotógrafo, Fontcuberta es escritor y ha sido profesor en varias instituciones. Su obra ha sido exhibida en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Fue Premio Nacional de Fotografía en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011”.

XVIIIPremios de Fotografía ENAIRE
En esta exposición de los últimos Premios de Fotografía Fundación ENAIRE se exhiben las tres obras ganadoras, de Tanit Plana, “Stress position”; Daniel Ochoa de Olza, “La Frontera”; y Françoise Vanneraud, “El eco de las cumbres”—, junto con 15 obras finalistas, entre las que se incluye la mención especial de PHotoEspaña, otorgada a José Quintanilla, por su obra “Et in Arcadia ego”.
Estos galardones, para los que en 2025 se recibieron 1.375 obras de 547 artistas, son un referente para impulsar la fotografía profesional española e iberoamericana.

Para más información: https://www.enaire.es

El Centro Nacional de Fotografía español inicia sus actividades

El Centro Nacional de Fotografía de España, con sede en la ciudad de Soria, se convierte hoy en el epicentro de la fotografía nacional, con la inauguración de la exposición “La elocuencia de la imagen. Català-Roca en América”. Esta primera exposición, que marca el inicio de las actividades del Centro Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura, se podrá visitar en el Centro Cultural Gaya Nuño (calle Económica, 26, Soria) hasta el 28 de septiembre. La exposición ofrece un recorrido, en gran parte inédito, por la obra en color del prestigioso fotógrafo Francesc Català-Roca (1922-1998), con una mirada específica a la América de los años setenta del pasado siglo.

Recorrido por América
La exposición presenta 225 imágenes, seleccionadas entre los más de 7.000 negativos que Català-Roca realizó durante sus viajes por el continente americano en la década de los años setenta. Estos viajes, que comenzaron en México en 1973 y concluyeron en Ecuador en 1979, formaban parte de un encargo de la Editorial Blume para ilustrar catálogos de arte popular americano. Sin embargo, fiel a su mirada característica, Català-Roca trascendió el objetivo inicial, captando no solo los objetos de producción artesanal, sino también las condiciones y formas de vida de una sociedad tradicional en vías de desaparición.
La fotografía de Català-Roca se distingue por su capacidad de captar el entorno social, político y cultural, prestando atención a los detalles de la cotidianidad. En sus imágenes, los protagonistas son las personas —hombres, mujeres y niños— y su relación con el entorno, a través de sus usos y costumbres. El fotógrafo registró los profundos cambios sociales que experimentaba Latinoamérica en esos años, manifestados en nuevas modas o materiales, como plásticos en lugar de cerámica o telas industriales. Sus imágenes revelan paisajes y habitantes, formas de producción artesanal, mercados, tradiciones y ritos. Aunque no aborda directamente las dictaduras, guerras civiles o problemas de pobreza y vivienda que marcaban muchos de los países que visitó, estas realidades aparecen de forma sutil, como, por ejemplo, en los retratos de personas que transportan sus artesanías con medios precarios, a menudo usando su propio cuerpo. La exposición promete una mirada social y cultural de la América en los años setenta, reflejando la misma capacidad de Català-Roca para revolucionar la fotografía callejera en España.
Además de las fotografías, la muestra incluye documentación relacionada con los viajes del artista, como las cámaras empleadas, listados de fotografías seleccionadas por él mismo, positivos de época y recortes de prensa. También se exponen publicaciones de los catálogos de artesanía popular de Editorial Blume, incluyendo maquetas, planchas de grabados, contratos de edición y los propios catálogos, fruto de la investigación de la documentalista Núria Gil Ros.

El Centro Nacional de Fotografía ya es una realidad
El Centro Nacional de Fotografía, impulsado por el nombramiento de Mónica Carabias como directora del mismo, el pasado mes de enero de 2025, inicia así su ansiada trayectoria.
Aunque esta primera exposición se celebra en el Centro Cultural Gaya Nuño, esta ubicación es temporal mientras avanzan las obras de acondicionamiento de su futura sede permanente en el antiguo edificio del Banco de España de Soria, un proyecto con una inversión de 8,5 millones de euros y cuya finalización está prevista para el segundo semestre del próximo año.
El Centro Nacional de Fotografía no solo albergará exposiciones, sino que también tiene planes ambiciosos para el último trimestre del año, incluyendo la organización de las I Jornadas Fotográficas del Centro Nacional de Fotografía, talleres de formación y otras propuestas.
Asimismo, gestiona una línea de ayudas específicas para el ámbito de la fotografía, convocadas por primera vez este año y dotadas con un millón de euros, destinadas a entidades que desarrollen proyectos de creación o difusión fotográfica.
Con esta ambiciosa inauguración, Soria se posiciona como un referente clave en el panorama fotográfico español.

Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran, en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona

Hasta el 31 de agosto de 2025 se podrán visitar en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona (Avenida del Litoral, 30) sendas exposiciones de los fotógrafos Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran. Ambas muestras ofrecen una visión de la fotografía desde diferentes perspectivas y contextos históricos, en las que se destaca la versatilidad y el impacto del medio fotográfico.

La materia de las formas
La exposición antológica “La materia de las formas”, de Edward Weston, cuyo comisario es Sergio Mah, está organizada con el apoyo del Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona, Tucson. La misma “se concibe desde una mirada europea al legado de la fotografía moderna norteamericana. Un contrapunto estético y conceptual al modernismo fotográfico en Europa que emerge con las primeras vanguardias del siglo XX”. La muestra se compone de unas 200 imágenes, primeras ediciones de sus libros y catálogos, así como una película.
La obra de Edward Weston (1886-1958) es fundamental para comprender la consolidación de la fotografía como medio artístico y el comienzo del estilo fotográfico moderno con imágenes de gran detalle, en oposición al pictorialismo imperante en la época, del cual él mismo fue partícipe en sus inicios.
Esta exposición se podrá ver el otoño próximo en la Fundación Mapfre de Madrid.

La década convulsa (1929-1939)
En la exposición “La década convulsa (1929-1939)”, de Joan Andreu Puig Farran,se presenta una selección de fotografías positivadas a partir de placas de vidrio conservadas por los herederos del fotógrafo, así como un amplio número de copias originales provenientes de los fondos del diario “La Vanguardia”. Asimismo, se complementa con publicaciones de la época.
Joan Andreu Puig Farran (1904-1982) jamás llegó a exponer sus obras en vida, aunque sí se publicaron en revistas y periódicos. Desde 1929 trabajó como reportero gráfico para varios diarios catalanes. Durante la Guerra Civil estuvo cubriendo los frentes de Aragón y Mallorca. Tras el fin de ésta se tuvo que exiliar en Francia, y acabó regresando en 1945 a Barcelona, donde ya no pudo trabajar en la prensa, por lo que se tuvo que dedicar a la fotografía publicitaria y turística. Junto con su amigo Antoni Campañà (1906-1989), creó en los años sesenta el sello de postales CYP, que tendría mucho predicamento durante dos décadas.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org

La exposición “365°”, de Eugenio Recuenco, en Zaragoza

La exposición “365°”, del fotógrafo Eugenio Recuenco, podrá verse en la Casa de los Morlanes (Plaza de San Carlos 4, Zaragoza), hasta el próximo 17 de agosto de 2025.
Esta ambiciosa propuesta artística —sobre la que publicamos un porfolio en la edición impresa de FV 262—, que invita a los visitantes a sumergirse en un universo visual único, explora con profundidad distintos aspectos de la historia, la cultura y las experiencias humanas.

Una propuesta artística ambiciosa y profunda
La muestra se compone de 136 imágenes, que forman parte del proyecto completo de 365 fotografías, una por cada día del año, que se pudo ver originalmente en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), en 2018, y que desde entonces ha recorrido ciudades como Berlín, Shanghái y Taipéi, entre otras.
Lejos de limitarse a representar el paso del tiempo, cada imagen de Recuenco funciona como una escena cerrada con identidad propia, aunque todas están conectadas por un universo estético coherente que combina asombro, ironía, crítica y belleza. Las escenas, ambientadas en un espacio reducido que actúa como un diorama, retratan desde momentos históricos y homenajes al arte y al cine, hasta instantes íntimos del propio autor, poniendo en evidencia lo absurdo de muchas acciones cotidianas y provocando tanto la sonrisa como la reflexión. Las piezas están montadas en cajas de luz, situándose entre la fotografía escenificada, el teatro visual y el ensayo fotográfico.
Las imágenes pueden interpretarse en tres niveles: el primero, puramente estético, fusiona realidad y fantasía; el segundo, más analítico, permite descubrir detalles comunes como un calendario escondido en cada fotografía y referencias culturales; y el tercero revela el discurso del autor, que abarca desde la crítica social hasta el humor autobiográfico.

Eugenio Recuenco: entre la fotografía, el cine y la moda
Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) comenzó su trayectoria artística en la pintura de gran formato, antes de volcarse en la fotografía.
Ha colaborado con prestigiosas revistas internacionales, como “Vogue”, “Vanity Fair” o “Madame Figaro”, y ha desarrollado campañas publicitarias para firmas de renombre como Nina Ricci, Yves Saint Laurent, Sony, PlayStation y Naf Naf.
Su obra, que ha sido ampliamente reconocida, ha recibido galardones como el León de Oro en Cannes, el Sol de Bronce en el Festival Iberoamericano de la Comunicación Publicitaria y el Premio Nacional de Fotografía ABC.
Además, fue el encargado del célebre calendario Lavazza, en 2007. Al año siguiente, en 2008, su cortometraje “Esencia de una Seducción” fue premiado tanto en España como en la Semana Internacional de Cine de Ciudad de México.
En la edición impresa de FV 231 (septiembre de 2013) publicaremos un primer porfolio de Recuenco, con fotografías de un proyecto anterior a 365°”.

Para más información: https://www.zaragoza.es/sede/servicio/cultura/evento/297497

La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, llega Palencia

La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, se podrá visitar en Palencia, del 3 al 30 de junio de 2025, dentro del festival Pallantiaphoto, que celebra su duodécima edición. Previamente, la exposición ha visitado Santander y otros lugares. Además, seguirá recorriendo otros ciudades de España en los próximos meses.

Profundización en la psicología de los personajes
Daniel Sánchez Alonso, fotógrafo madrileño con una amplia trayectoria desde 1993, colaborador de medios como “El País Semanal”, “Rolling Stone”, “Vanity Fair”, “Elle” y “FHM”, presenta su obra en el Museo de Palencia (Plaza del Cordón, 1). Esta muestra reúne una selección de más de 50 retratos editoriales realizados en blanco y negro a destacadas personalidades del espectáculo, el arte, la política y la cultura a lo largo de los últimos treinta años. El título “SMS”, que hace referencia a una época previa a los móviles inteligentes, donde la comunicación y la atención a los medios eran diferentes, busca evocar una sensación de conexión y conversación.
En sus retratos, el fotógrafo profundiza en la psicología de cada personaje, para intentar revelar su verdadera personalidad, más allá de la imagen pública, incluso disponiendo de menos de medio minuto, como cuando fotografió al grupo norteamericano “REM”.

Otras actividades
Además de la exposición, el próximo 13 de junio, a las 19 horas, Daniel Sánchez Alonso dará una charla sobre este trabajo en el Centro cultural Lecrác (avenida de Valladolid, 26), en la que compartirá su visión sobre el papel del retrato editorial en el contexto actual de comunicación cada vez más efímera y acelerada, centrándose en la autenticidad del personaje, la dirección durante la sesión, la estética de la sobriedad y la evolución del lenguaje visual, desde la prensa impresa hasta las plataformas digitales
El 14 de junio realizará un taller con el mismo título que la exposición en el Palacio Provincial de Palencia (calle Burgos, 1), con un grupo de sólo 12 personas, para el que es necesario inscribirse.

Catálogo
Asimismo, el fotógrafo ha promovido la edición de un catálogo, que ahora se halla en preventa y financiación colectiva. Una edición limitada, con más de 70 retratos e información sobre las sesiones donde se hicieron las fotos, de 112 páginas y un formato de 220 x 280 mm.

Para más información: https://dansanphoto.com/

https://www.pallantiaphoto.net