Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Street Art & People BCN”, de Manel Antolí

“Street Art & People BCN” es el nombre de la exposición de fotógrafo barcelonés Manel Antolí, que se podrá ver hasta el 30 de junio de 2025 en Foment Martinenc (calle Rogent, 57, Barcelona). Se trata de fotografías de grafitis pintados en las persianas metálicas de diversos locales y aparcamientos de Barcelona, con un elemento distintivo: la inclusión espontánea de personas anónimas, que, por casualidad, pasaban por el lugar en ese preciso momento, generando escenas y contrastes inesperados y curiosos.

Un canto al arte callejero
“Street Art & People BCN” es un canto al arte callejero como fundamento de transformación urbana y, al mismo tiempo, una invitación a descubrir una dimensión oculta de la ciudad, que sólo se puede contemplar una vez cerrados los comercios, en festivos o por la noche.
En palabras de su autor: “El propósito de este ensayo fotográfico es dar vida a estas joyas, que, las más de las veces, nos pasan desapercibidas..., pero incorporando en los ‘shots’ [las tomas] a gentes anónimas de Barcelona que, en un momento dado, pasaban por allí. Y generaban a veces curiosos contrastes solo perceptibles cuando el ojo del fotógrafo los ve y espera pacientemente el momento oportuno de integrarlos, congelando la imagen y haciendo que el tiempo se detenga. ¡Clic!”.
La obra de Manel Antolí no es solo una colección de fotografías de arte callejero, sino que es también una invitación a redescubrir Barcelona, prestando atención a los detalles efímeros y sorprendentes que la transforman y que, a veces, sólo el ojo de un fotógrafo puede descubrir.

Para más información: https://www.instagram.com/p/DKHLSA1NG2G/

“Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible”, en la Fundación Canal

La Fundación Canal (Mateo Inurria 2, Madrid) presenta, del 28 de mayo al 24 de agosto de 2025, la exposición “Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible”. Esta muestra abarca más de 60 años de la obra de este artista estadounidense, considerado uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX y precursor de la fotografía conceptual. La exposición ofrece un recorrido por la trayectoria de un artista que ha renovado el lenguaje fotográfico al trascender la mera documentación de la realidad, para explorar lo invisible, lo intangible y el mundo interior humano a través de secuencias, textos manuscritos y una profunda carga conceptual y filosófica.

Precursor de la fotografía conceptual
La obra de Michals, que en sus comienzos en los años sesenta algunos fotógrafos se negaban a considerar fotografía, no muestra la realidad de lo visible, sino que más bien explora el mundo que no se puede ver. No el momento decisivo, sino lo que ocurre antes y después; de ahí surgieron sus series, que abordan visualmente temas fundamentales en forma de alegorías. Para superar lo que la fotografía no puede contar añadió textos manuscritos a sus imágenes. Todo ello ha generado un estilo propio y distintivo que ha hecho que se le considere el primer fotógrafo conceptual. A partir de ideas abstractas o conceptos que podríamos llamar filosóficos o vitales, así como sensaciones, Michals los plasma en imágenes fotográficas.
Quizá la sección más íntima —que no personal, porque personales son todas— sea la llamada “Revelación”, de marcado carácter autobiográfico. Allí nos habla de sus relaciones familiares y, en la serie ‘La casa que una vez llamaba hogar’, relata su regreso al lugar donde nació, que abandonó a los 17 años, décadas después para fotografiar un edificio en ruinas en medio de la maleza y superponer las imágenes actuales con fotos de familia en los mismos lugares, yendo del pasado al presente y viceversa.

Estructura temática
La comisaria de la exposición, Enrica Viganò (en la imagen que ilustra este artículo), es crítica de arte y periodista, fundadora de Admira, un estudio y editorial especializados en fotografía. Viene colaborando con PHotoEspaña desde 1998 y ha sido comisaria numerosas exposiciones, incluyendo algunas previas de Duane Michals, a quien define como su mentor. La exposición de la Fundación Canal se ha organizado en estrecha colaboración con el propio Duane Michals, quien ha participado en la selección de las obras. No se trata de un recorrido cronológico por la obra del fotógrafo, sino que se ha estructurado temáticamente en seis secciones: Imaginación, Visualización, Sensación, Intuición, Indignación y Revelación; que se completan con un vídeo del propio autor, que a sus 93 años se mantiene lúcido y con una envidiable jovialidad.
Esta es una de las exposiciones imprescindibles de la edición de 2025 de PHotoEspaña.

Para más información: https://www.fundacioncanal.com/exposiciones/duane-michals/

“Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, en la Serrería Belga

La exposición “Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, se podrá visitar hasta el 27 de julio de 2025 en el Espacio Cultural Serrería Belga (calle Alameda, 15, Madrid). Esta interesante exposición forma parte de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025 y nos ofrece un recorrido visual por cien años de historia europea, así como un diálogo entre el pasado y el presente, a través de una selección de fotografías de arquitectura, de la Colección de Helga de Alvear, galerista, marchante y coleccionista de arte de origen alemán, pero que vivió muchos años en Madrid y donde falleció a primeros de este año, a los 88 años.

Momentos históricos de transformación
Organizada en colaboración con el Museo Helga de Alvear (Cáceres), la exposición tiene como comisarias a Sandra Guimarães, directora de la institución, y María Jesús Ávila, su coordinadora. Ambas han articulado un relato expositivo en torno a tres momentos clave del siglo XX: el periodo posterior a la Primera Guerra Mundial, la crisis industrial de mediados de siglo y la reconfiguración geopolítica tras la caída del muro de Berlín. En estos contextos, la arquitectura se convierte en testimonio mudo, pero elocuente, de las transformaciones sociales, económicas y políticas que han marcado el devenir del continente.

Figuras fundamentales de la fotografía
La muestra reúne obras de figuras fundamentales de la historia de la fotografía, como Eugène Atget —con la imagen más antigua de las expuestas, 1904—, Bernd y Hilla Becher, Thomas Struth, Candida Höfer, Andreas Gursky y Axel Hütte, entre otros. En su obra, el espacio urbano —y no el retrato o el paisaje— se convierte en protagonista: fábricas abandonadas, interiores institucionales, barrios obreros y construcciones monumentales aparecen captados como reflejo de sociedades en proceso de transformación o desaparición.
Desde la estética documental de la “Nueva Objetividad” —movimiento artístico surgido en Alemania a principios de la década de 1920 como una reacción al expresionismo, que buscaba realizar una representación objetiva y realista de la realidad— hasta la sofisticación conceptual de la Escuela de Düsseldorf —basado en la “Nueva Objetividad” de treinta años antes y opuesto al estilo subjetivo de Otto Steiner (1915-1978)—, la exposición revela también la evolución del lenguaje fotográfico y su progresiva integración en los discursos del arte contemporáneo. En este sentido, “Después de todo” no ofrece una mera mirada histórica, sino también crítica, sobre los modos en que la fotografía ha interpretado y construido la memoria colectiva de Europa.

Recuerdo a Helga de Alvear
La sede de la muestra, el edificio de la Serrería Belga —una antigua estructura industrial de principios del siglo XX— contribuye significativamente al discurso expositivo. Su arquitectura dialoga de forma orgánica con las obras presentadas, amplificando su resonancia y profundidad simbólica. De hecho, María Santoyo, directora de PHotoEspaña, ha definido “Después de todo” más como una instalación que como una exposición.
Por su parte, Sandra Guimarães, destacó la figura Helga de Alvear, cuyo sueño era: “Transformar la vida de las personas a través del arte”. Asimismo, destacó su legado como coleccionista visionaria en una etapa en la que la fotografía no tenía apenas consideración de arte.
María Jesús Ávila también señaló que la clarividencia de Helga de Alvear sobre el momento de cambio en cuanto a la fotografía, y relató una anécdota de Art Basilea de 1990, cuando se impuso al director de la feria que quería relegar la fotografía con respecto al resto de las artes.
Ambas comisarias animaron a visitar el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear de Cáceres, depositario de la colección de esta gran galerista y coleccionista.

Para más información: https://www.serreria-belga.es/

Retrato de una transformación, de Bowie x Sukita

La exposición “Bowie x Sukita: Una mirada íntima a la transformación de un icono”, que se puede visitar en la nueva sede de FotoNostrum (carrer Princesa, 19, Barcelona), desde el 23 de mayo al 15 de septiembre de 2025, constituye no sólo una retrospectiva visual de la carrera artística de David Bowie (1947-2016), sino también una exploración profunda de los lazos creativos y personales entre el músico británico y el fotógrafo japonés Masayoshi Sukita (1938). Organizada por FotoNostrum, La Casa Mediterránea de la Fotografía y ONO Arte, la muestra articula, a través de más de setenta imágenes, una narrativa visual que abarca más de cuatro décadas de colaboración artística.

Una alianza estética y humana
La génesis de la colaboración entre Bowie y Sukita se remonta a 1972, año en que el fotógrafo —desplazado a Londres para retratar a Marc Bolan (1947-1977), considerado como padre del “glam rock” y líder del mítico grupo T. Rex— , conoció al entonces emergente artista británico. A partir de este encuentro fortuito se consolidó una relación profesional que progresivamente se transformó en una amistad íntima, que se prolongó hasta la muerte de Bowie, en 2016. La exposición se convierte en un testimonio visual de esa relación de amistad y admiración mutua.

La evolución de un artista en permanente cambio
La exposición destaca la capacidad de Bowie para reinventarse a lo largo del tiempo. A través del objetivo de Sukita, el espectador es testigo de la evolución del músico desde sus inicios en el “glam” (como Ziggy Stardust), pasando por sus años berlineses, hasta llegar a sus trabajos más introspectivos de los años 2000.
La célebre portada del álbum “Heroes” (1977), incluida en la exposición, podría considerarse el epítome de esa transformación constante.
Las fotografías menos conocidas —especialmente aquellas tomadas en Japón— ofrecen una perspectiva inédita del artista, alejada de los escenarios y de la exposición pública. Estas imágenes en contextos íntimos muestran facetas menos exploradas de su personalidad y estética, aportan una mirada al artista, más allá del mito. En este sentido, la exposición opta por una aproximación no cronológica ni temáticamente rígida, en la que se produce un diálogo entre imágenes de conciertos, retratos posados y momentos cotidianos.

Para más información: https://www.fotonostrum.com/

Lumínic, Festival de Fotografía 2025

El Festival de Fotografía Lumínic 2025 celebrará su sexta edición en su tradicional sede de Sant Cugat del Vallès (Barcelona), entre el 30 de mayo y el 13 de julio de 2025.
El tema central de la edición de este año son las relaciones de poder, que se concretan en cómo se visibiliza el poder establecido, cómo afecta a las relaciones humanas, las relaciones de poder cotidianas y cómo estrategias, tales como el control, la persuasión y la influencia pueden representarse a través de la fotografía. Los directores del festival son Amanda Bernal, Bernat Millet y Marc Vidal.

Un programa variado
La programación incluye doce exposiciones fotográficas, además de charlas, proyecciones y mesas redondas. Estas actividades se desarrollarán en diversos espacios emblemáticos de la ciudad, como el Museo del Monasterio de Sant Cugat, la Casa de Cultura, el Ateneu Santcugatenc, el Archivo Nacional de Catalunya, Mercantic, Cal Gerrer, Abacus, Concessionari Movento Sarsa Škoda, Sala de Exposiciones EMD Valldoreix, ERAI – Blanca Galeria d’Art, Ayuntamiento de Sant Cugat Del Vallès, Celler Modernista y la Biblioteca Gabriel Ferrater, entre otros.

Exposiciones destacadas
Entre las exposiciones destacadas se encuentran las de tres grandes fotógrafas invitadas: Nuria López Torres, con “Pelo malo”, sobre el orgullo afro de las cantantes cubanas de hip hop; Gloria Oyarzabal, con “Usus Fructus Abusus _ La Blanche et la Noire”, acerca de cómo los museos refuerzan imaginarios coloniales y supremacistas; y Paula Artés, que con “Energía sumergida” reflexiona sobre las relaciones de poder a través del caso de la plataforma Castor, un ejemplo de la capacidad de control de las empresas privadas sobre el Estado y su impacto ambiental.
Por su parte, Ángel Biyanueba presenta “Control”, un testimonio de la vigilancia masiva ejercida por el Estado; Valentín Valette muestra “Ashes of the Arabian’s Pearl”, en la que explora las jerarquías sociales en Omán y contrasta la migración laboral con la vida privilegiada de las familias omaníes nativas; y Javier Arboledas que con “Ciudad secreta” habla de la memoria de una ciudad soviética creada para el desarrollo de la energía atómica.

Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Franco
Con motivo de la conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Franco, que dio paso a la Transición y a la democracia, cuatro exposiciones se centrarán en estos periodos de nuestra historia reciente.
“El poder de la imagen y la imagen del poder: representación de la dictadura franquista en el Fondo Cabanas”, cuyo comisario es José Fernando Mota, muestra la vida social en Sant Cugat durante la dictadura a través de la cámara de Joan Cabanas Alibau (1907-1952), que deja patente en la omnipresencia de símbolos franquistas que ocultaban una realidad de hambre y represión. Por su parte, Jordi Pol (1949) presenta “Entre la multitud”, en la que se documenta la Barcelona de los años 60, 70 y 80. Carlos Bosch (1945-2020), con “Transmite Transición”, recoge sesenta imágenes que cubren desde 1976 a 1981, y donde se muestran las movilizaciones sociales que contribuyeron al fin del régimen franquista. Finalmente, Jordi Jon, ganador de la convocatoria abierta Lumínic 2025, expone su obra “Eroding Franco”, de la que hablamos extensamente en la edición impresa de FV 299.

Para más información: https://es.luminicfestival.com/

“Sugestiones de Italia. Del Neorrealismo al siglo XXI”, en el Istituto Italiano di Cultura de Madrid

El 22 de mayo de 2025 se inauguró la exposición “Sugestiones de Italia. Del Neorrealismo al siglo XXI”, en el Istituto Italiano di Cultura de Madrid (calle Mayor, 86), con la presencia del embajador de Italia, Giuseppe Buccino Grimaldi, la directora en funciones del Istituto, Susi Baldasseroni, y Riccardo Passoni, comisario de la exposición y director de la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino (GAM).

Una gran retrospectiva
Las imágenes, todas ellas copias originales de época, que proceden de las colecciones de la GAM Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino y de la Fondazione CRT per l'Arte Contemporanea, pretenden mostrar al público una Italia diferente, poco convencional y auténtica, de dos periodos bien diferenciados: desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta los años ochenta y desde entonces hasta los primeros del siglo XXI.
La selección fotógrafos recoge lo más granado los últimos ochenta años de la historia fotográfica de Italia, alejada de los tópicos recurrentes, en dos líneas: el paisaje físico y el humano. Los artistas presentes en la exposición son Nino Migliori (1926), Gianni Berengo Gardin (1930), Mimmo Jodice (1934), Mario Cresci (1942), Enzo Obiso (1954), Mario Giacomelli (1925-2000), Luigi Ghirri (1943-1992), Ferdinando Scianna (1943), Gabriele Basilico (1944-2013), Franco Fontana (1933), Bruna Biamino (1956), Uliano Lucas (1942) y Ugo Mulas (1928-1973).
Esta exposición es una oportunidad única para conocer o descubrir la obra de estos grandes fotógrafos del siglo XX, de los que quizá el mejor representante sea Nino Migliori, quien a sus 99 años sigue en activo.

Para más información: Para más información: https://iicmadrid.esteri.it/es/

FER FOC se consolida

Del 30 de mayo al 1 de junio, se celebrará en Soria la tercera edición de FER FOC, Feria Profesional de la Fotografía, iniciativa impulsada por la plataforma de comunicación FOC (Fotografía Observatorio Cultural), dirigida por Daniel Belinchón, con el respaldo institucional del Ayuntamiento de Soria y del Ministerio de Cultura y el patrocino de empresas del sector como Casanova Foto, Fujifilm y Cewe. Esta edición, que se celebará el Palacio de la Audiencia de Soria (Plaza Mayor, s/n), reafirma la vocación de FER FOC como espacio de encuentro profesional, reflexión crítica y colaboración estratégica para el sector fotográfico nacional e internacional.

Comunidad de autores y festivales
Con la participación de 16 directores de festivales de España, Portugal y Rumanía, y la selección de 30 autores a través de una convocatoria abierta, FER FOC articula un modelo de feria que pone en el centro la interlocución directa y estructurada entre creadores y programadores de festivales. Este formato facilita la concreción de acuerdos comerciales —exposiciones, publicaciones, charlas y proyecciones—, gracias al compromiso adquirido por los festivales asistentes de integrar al menos una propuesta en sus respectivas programaciones de 2025 y 2026.

Hacia un circuito expositivo estable
La feria se orienta también hacia la construcción de un circuito expositivo fotográfico estable, que genere sinergias entre festivales e instituciones y sea capaz de consolidar una comunidad proactiva en torno a la mediación cultural a través de la imagen. Con actividades como las revisiones de porfolios, asesoramiento en cuanto a la labor de comisariado y producción, así como sesiones abiertas de proyección pública, FER FOC propone un enfoque integral hacia la profesionalización de la práctica fotográfica contemporánea.

Panorama internacional y diversidad autoral
Entre los festivales presentes destacan Photo Art Festival (Cantabria), Festival Ojos Rojos (Alicante), Art Photo BCN (Barcelona), Jardín Remoto (País Vasco), Imago Lisboa Photo Festival (Portugal) y Photo Romania Festival (Cluj-Napoca, Rumanía), entre otros, que reflejan un equilibrio entre lo local y lo internacional. Por su parte, el grupo de autores seleccionados —entre quienes se encuentran Ana Palacios, Antonio Guerra, Ofelia de Pablo y Javier Zurita, Rocío Bueno y Xavier Mollà— representa un panorama diverso y plural de enfoques estéticos, temáticos y generacionales.

La fotografía como herramienta cultural y social
Más allá de este intercambio profesional, FER FOC se concibe como una herramienta de reflexión sobre el papel de la fotografía como medio prioritario de comunicación social y construcción cultural. FER FOC no sólo servirá para fortalecer el tejido creativo, sino que sitúa a la ciudad de Soria como epicentro de las políticas culturales en torno a la imagen contemporánea. No en balde, en esta ciudad se establecerá la sede del Centro Nacional de Fotografía de España.
Las dos anteriores ediciones de FER FOC se desarrollaron en Castellón, en 2021 y 2022, con apoyo de su Diputación, que en 2024 aumentó en un 55% las ayudas a las actividades taurinas. En 2025, estas ayudas han superado los 500.000 euros, según recogen sus presupuestos.

Para más información: www.focfocfoc.es

“Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”

Hasta el 20 de julio de 2025, la Sala Canal de Isabel II (calle Santa Engracia 125, Madrid) acoge la exposición “Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”, consistente en una panorámica de la larga carrera de esta reconocida fotógrafa de prensa, de más de cincuenta años.

La historia reciente de España a través de la mirada de Marisa Flórez
Integrada en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025, la muestra presenta más de 184 imágenes —algunas inéditas—, elegidas entre las más de 1.000 fotografías revisadas por la propia Marisa Flórez y por la comisaria Mónica Carabias Álvaro en una primera selección, las cuales documentan y reinterpretan la historia reciente de España a través de la mirada singular de una fotógrafa con un ojo tan perspicaz como el de Marisa Flórez (1948).
La exposición se articula de forma temática en las cuatro plantas de este antiguo depósito de agua del Canal de Isabel II, rehabilitado como sala de exposiciones. A través de sus imágenes, se descubre el lado más íntimo de figuras relevantes del cambio social y político de la España de la Transición, pasando por hitos como la inauguración de la vida parlamentaria, una vez recuperada la democracia, tras la muerte del dictador, o la llegada de un gran símbolo nacional, como “El Guernica” de Picasso.
La obra de Marisa Flórez combina una gran valor patrimonial y documental, al tiempo que demuestra una extraordinaria habilidad para saber encontrar el momento único. Su capacidad para combinar la precisión informativa del fotoperiodismo con una riqueza expresiva y formal convierte su trabajo en arte, sin necesidad de proponérselo.

Estilo inteligente, directo y sencillo
Su estilo se caracteriza por la sencillez, el uso habitual de la luz natural y una técnica sencilla directa, sin artificios formales. Todo ello basado en cualidades como la intuición, la paciencia, la decisión y la valentía, junto a una mirada humana, respetuosa y coherente. Pero, por encima de todo, implica un trabajo previo de estudio y previsión de lo que se podría encontrar a la hora de realizar su trabajo. Como cuando a la llegada de “El Guernica” a España, investigó con precisión todos los puentes de la carretera de Barajas, de forma que se pudiera situar en el más adecuado posible. Algo que realizó el día de su llegada, el 10 de septiembre de 1981, cuando a lomos de una moto conducida por un compañero del diario “El País” siguió a la comitiva que transportaba la pintura del aeropuerto al Casón de Buen Retiro, donde reposó hasta que casi once años después encontró su ubicación definitiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Sus fotos han servido para ilustrar una parte de la historia de España, y mucha de ellas se han convertido en símbolos, como la Susana Estrada (1949), pecho al aire, con quien luego sería alcalde de Madrid, el profesor Enrique Tierno Galván (1918-1986), o Lola Flores (1923-1995) pidiendo una pesetita a cada español, además de lo más granado de la clase política de los últimos cincuenta años.

Fotógrafa pionera
Pionera en el ámbito de la fotografía de prensa, históricamente masculino, Marisa Flórez inició su carrera en 1971 en el diario “Informaciones”, cuyo subdirector, Juan Luis Cebrián, la fichó más adelante para “El País”, que vio la luz en 1976 con él como director. En aquel momento era la única mujer que formaba parte del equipo de fotografía del periódico.
Curiosamente, sería el mismo Cebrián quien se desharía de ella en 2012, junto a otros 148 trabajadores del diario, despedidos o jubilados anticipadamente mediante un expediente de regulación de empleo. En concreto, en aquella ocasión, de los ocho trabajadores de los que se deshizo “El País” en la sección de fotografía, seis eran mujeres. Un dato llamativo que lleva a pensar que, o bien el sector femenino había logrado una notable presencia en la sección o el recorte se cebó especialmente con ellas.
La labor de Marisa Flórez, a quienes sus compañeros de “El País” llamaban cariñosamente “La Flowers”, ha sido reconocida con galardones como el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio de Fotografía Piedad Isla (2015) y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024).
Esta importante retrospectiva supone un merecido homenaje a su extensa trayectoria profesional y ofrece la oportunidad de apreciar, destilado, el conjunto de una obra tan vasta que resulta casi inabarcable.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-marisa-Flórez-tiempo-mirar-1970-2020