Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Festival de fotógrafas de Barakaldo Baffest 2025

La décima edición del festival de fotografía Baffest se celebrará en la localidad vizcaína de Barakaldo del 16 de octubre al 16 de noviembre de 2025. Este festival celebra la creatividad y el talento femenino en la fotografía. Con exposiciones al aire libre, encuentros y un certamen estatal que premia a nuevas autoras, el festival apuesta por la igualdad entre mujeres y varones, la visibilidad del trabajo de las fotógrafas y la reflexión en torno al arte fotográfico.

No sólo un festival
Baffest nació en 2016 con una clara “vocación feminista y social”. Su objetivo principal siempre ha sido el mismo: dar visibilidad al trabajo de las mujeres fotógrafas para compensar su histórica falta de visibilidad en el mundo del arte.
En esta década se ha vivido una nueva ola de feminismo, pero también su réplica reaccionaria, lo que convierte al festival no sólo en una celebración, sino en un acto combativo. Su lucha se enmarca en un movimiento más amplio que ha visto surgir otros colectivos como FAMA (Fotógrafas Artistas Malagueñas) o #Serlobas, proyecto que pretende ampliar el imaginario en torno a los cuerpos de las mujeres a través de la fotografía, los cuales también impulsan la fotografía hecha por mujeres y buscan ofrecer una nueva mirada. El espíritu del festival se resume en esta declaración de intenciones: “Nos gustaría no sentir la necesidad de tener que celebrar un festival así, pero mientras las fotógrafas no tengan las mismas oportunidades para desarrollar su trabajo que sus compañeros, solo podemos decir: ¡Larga vida a Baffest!”

La ciudad como galería de arte
Una de las señas de identidad de Baffest es su profundo arraigo en la ciudad vizcaína de Barakaldo. El festival no se limita a salas de exposiciones, sino que se expande por calles y espacios públicos para acercar la fotografía a la ciudadanía.
Este año, las exposiciones ocuparán lugares tan emblemáticos de la localidad como el Parque de los Hermanos, el Parque de San Vicente y la Plaza San Vicente. Uno de los proyectos más destacados en este sentido es “Oharkabean” (Inadvertido), coordinado por la fotógrafa Maied Urrutia, para retratar la ciudad. Como explica la propia Urrutia, la conexión con el entorno es a la vez artística y emocional: “Este proyecto busca devolver a Barakaldo una mirada femenina, centrada en su luz y su magia”.

Certamen de fotógrafas
Aunque el Certamen de Fotógrafas es el corazón competitivo del festival, Baffest da prioridad a la creación de lazos y relaciones. La décima edición ha batido su propio récord de participación, con más de 250 candidaturas para nueve plazas finalistas. Se otorgan dos premios de 700 euros cada uno: el Premio Baffest, de ámbito estatal, y el Premio Barakaldo, de ámbito regional y exclusivo para fotógrafas nacidas o residentes en el País Vasco y Navarra.
Más allá de la competición, el festival se concibe como un “punto de encuentro”. Actos como la defensa pública de los proyectos durante el Argazki Eguna (18 de octubre) o una comida popular están diseñados para fomentar la camaradería y tejer una red de apoyo entre las creadoras para crear comunidad.

Un festival consolidado
En sus diez ediciones, Baffest se ha consolidado como un referente y el “único festival dedicado a la fotografía hecha por mujeres a nivel estatal”. Su primera edición contó con el trabajo de Cristina García Rodero y la presencia de Cristina de Middel, hoy directora de la Agencia Magnum.
Además, su jurado ha contado con figuras clave como Miren Pastor, quien no solo ha participado como jurado, sino que también ha sido comisaria de Baffest en varias ediciones. Más allá de los grandes nombres, el certamen ha sido un impulso profesional fundamental para sus ganadoras y para muchas de las decenas de finalistas a lo largo de su historia y, en varios casos, ha sido la primera oportunidad de exponer su trabajo.

Para más información: https://baffest.eus/es/

Novena edición del festival Panoràmic

La novena edición del festival Panoràmic se celebrará del 16 de octubre al 28 de diciembre de 2025, en las localidades de Granollers, Barcelona y Terrassa. Este festival, que se define como de cine, fotografía y más, contará este año en exclusiva con la obra de Hito Steyerl (1966), una de las artistas más influyentes del videoarte. Su propuesta se suma a las 20 exposiciones y más de 50 actividades culturales gratuitas abiertas a todos los públicos del festival.

Un nuevo orden visual
El eje temático de esta edición es “Break. Un nuevo orden visual”, que reflexiona sobre la ruptura y la reconfiguración del orden visual en un contexto de aceleración y profundos cambios en el primer cuarto del siglo XXI. Panoràmic 2025 examina cómo la producción de imágenes por agentes no humanos —especialmente a través de la inteligencia artificial— impacta en la autoría, la veracidad y la poética visual, proyectando posibles futuros de la cultura visual. Esta reflexión se materializa en las obras de un destacado elenco de artistas nacionales e internacionales.

Artistas nacionales e internacionales
Además de la obra de alemana Hito Steyerl, una de las artistas y pensadoras más influyentes en el campo del videoarte actual, quien presentará la exposición de gran formato “Hito Steyerl: Quicksand”, que incluye tres de sus videocreaciones más emblemáticas, se expondrá el trabajo de otros creadores internacionales de primer nivel, como Bruce Eesly (1984), con “New Farmer”, Chia Huang (1998), con “Silence is Speaking”, y otros artistas, como Franc Aleu (1966) y Mónica Rikić (1986).

Una programación diversa y multidisciplinar
Además de las exposiciones individuales, Panoràmic 2025 propone una programación diversa con proyectos colectivos, residencias artísticas en archivos y un sólido programa de pensamiento y debate, de forma que se consolida como un espacio de creación, reflexión y encuentro profesional.

Para más información: https://festivalpanoramic.cat/

“Robert Capa. ICONS”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

La exposición “Robert Capa. ICONS” llega al Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de enero de 2026.
Se trata de la mayor retrospectiva dedicada en nuestro país a Robert Capa, quien hasta la primavera de 1937 participaba en el dúo formado por el húngaro Endre Ernő Friedmann (1913-1954) y la alemana Gerta Pohorylle (1910-1937), tras lo cual, Gerta se transformó en Gerda Taro y Endre exclusivamente en Robert Capa.

Una exposición para ver con los ojos de la historia
El corazón de la muestra, con más de 250 piezas originales, está compuesta por copias de época. Aunque la nota de prensa indica que fueron “reveladas en su momento por el propio Capa”, cualquier lector de la edición impresa de FV sabe que las de la Guerra Civil lo fueron en París por su compatriota Imre Weisz Schwarz (1911-2007), conocido como Chiki Weisz.
Además, se exhiben publicaciones históricas y objetos personales, procedentes principalmente de la Golda Darty Collection —propiedad del grupo inversor Darty, dueño entre otros muchos negocios de Fnac Darty— y de los archivos de la agencia Magnum Photos, que junto con otros fotógrafos fundó el propio Capa en 1947.
“Las fotografías originales de época, incluso con sus imperfecciones, son un testimonio mucho más fiel del trabajo fotoperiodístico. Con ellas, podemos comprender cómo miraba y cómo trabajaba Capa”, explica el comisario de la muestra, el francés de padre español Michel Lefebvre-Peña, periodista de “Le Monde” y especializado en historia contemporánea.
Este viaje al origen se enriquece con la inclusión de objetos personales que acercan al visitante al hombre detrás de la cámara. Contemplar una de sus célebres cámaras Leica, su máquina de escribir o su permiso de conducir permite una aproximación más íntima a su universo y, además, ayuda a conectar su obra con la cotidianeidad de su existencia. Son estos detalles los que transforman la visita en un diálogo directo con la materialidad de la historia y con el hombre que la forjó.

El hombre que inventó a Robert Capa
La trayectoria de Robert Capa se forjó en la época más turbulenta del siglo XX, cuando cubrió cinco de sus conflictos más decisivos: desde la Guerra Civil Española —cuyo 90 aniversario coincide con el fin de esta exposición— hasta la guerra de Indochina, donde perdió la vida en 1954 al pisar una mina (véase la edición impresa de FV 232). A lo largo de todos estos años, legó a la posteridad imágenes emblemáticas, como las del Desembarco de Normandía y, por supuesto, su fotografía más célebre y debatida: “Muerte de un miliciano”.
No obstante, reducir a Robert Capa a la etiqueta de “fotógrafo de guerra” es ignorar una parte fundamental de su genio creativo y de su profunda conexión con la vida. Para comprender la totalidad de su obra, es imprescindible explorar sus otras facetas, incluidas aquellas que muestran a un hombre fascinado por la vitalidad del mundo más allá del conflicto. Con su cámara no sólo captó la tragedia de la guerra, sino también a las grandes personalidades de su tiempo, como Picasso, Hemingway e Ingrid Bergman, entre otros muchos.
Además, Capa fue un pionero en el uso de la fotografía en color —como en su momento publicamos en un extenso artículo en FV—, una técnica con la que comenzó a experimentar a finales de los años treinta y que utilizó con frecuencia en sus reportajes para revistas de prestigio como “Life” o “Holiday”.

Actividades complementarias
El Círculo de Bellas Artes ha organizado un extenso programa de actividades complementarias. El ciclo se inaugura el 2 de octubre con una conferencia del comisario, Michel Lefebvre, y de Andrea Holzherr, Global Cultural Director de Magnum Photos.
El 5 de noviembre, la memoria histórica cobrará un merecido protagonismo con la proyección de la película “Las Cartas Perdidas”, documental ficcionado de 2021, que se centra en la cárcel y el exilio de las mujeres republicanas en la España de posguerra. Esta proyección cinematográfica será seguida por un coloquio con Amparo Climent, directora de la película, y con Jaime Ruiz Reig, presidente de la Plataforma por la Comisión de la Verdad, y la productora Pilar Sancho.
El programa culminará el 12 de noviembre con la conferencia “Memoria en construcción. Miradas desde la imagen”, una conversación entre el fotógrafo Juan Millás (1975), la experta en artes visuales Rocío Bueno y la artista emergente Montaña Gama Vilallonga, quienes analizarán el poder de la fotografía como herramienta para preservar y sanar la memoria.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/

El Museo Nacional de Antropología convierte su valla exterior en una ventana al genocidio de Gaza

El Museo Nacional de Antropología (MNA) (calle Alfonso XII, 68, Madrid), dependiente del Ministerio de Cultura, ha transformado su valla protectora exterior en una galería al aire libre que denuncia, a través de imágenes de fotoperiodistas gazatíes de la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA), el genocidio y los crímenes de guerra cometidos por el gobierno de Israel en el territorio palestino de Gaza.

Exterminio, hambruna y desplazamientos forzados
Las fotografías retratan con crudeza la catástrofe humanitaria que viven desde hace casi dos años los más de dos millones de habitantes de esta parte de Palestina, sometidos a exterminio, hambruna y desplazamientos forzados por parte del ejército y el gobierno de Israel. Más de medio millón de personas sufren inseguridad alimentaria extrema, mientras el colapso de hospitales y escuelas debido a su sistemática destrucción por parte del gobierno de Netanyahu —contra quien pesa una orden internacional de detención por crímenes de guerra y de lesa humanidad emitida por el Tribunal Penal Internacional— convierte a Gaza en un lugar inhabitable. Según datos de UNRWA, el 90% de la población ha tenido que huir repetidamente de los constantes bombardeos y el 82% del territorio se encuentra bajo órdenes de expulsión, también se han reducido al mínimo los espacios que Israel denomina “seguros”.
La muestra también pone de relieve el trabajo de las 12.000 personas que integran la plantilla local de UNRWA, quienes, en medio de la devastación, ofrecen refugio, asistencia médica, apoyo psicosocial y servicios básicos a la población todavía superviviente. De esos trabajadores, han sido asesinados hasta ahora más de 500 personas.
“El objetivo de esta exposición es que la sociedad madrileña tome conciencia de una tragedia que a menudo queda reducida a cifras”, indican desde el museo. La instalación se puede visitar desde la calle a cualquier hora del día.

“Gaza a través de sus ojos”, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Además, como ya informamos aquí, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge la exposición “Gaza a través de sus ojos”, que también reúne imágenes de fotoperiodistas gazatíes y refuerza la denuncia de un pueblo sometido a exterminio y privación sistemática de los más básicos derechos fundamentales.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mnantropologia/portada.html

VII Jornadas de Fotografía IEFC

Las VII Jornadas de Fotografía IEFC, organizadas por el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), se celebrarán en el centro La Virreina Centre de la Imatge (Rambla, 99, Barcelona), del 21 al 23 de octubre de 2025.
Esta edición está centrada en la intensificación de los movimientos migratorios, síntoma evidente de un mundo marcado por las desigualdades estructurales, la crisis climática y los conflictos armados. Ante este escenario, las jornadas proponen reflexionar sobre el papel de la imagen: sus capacidades de representación, los dilemas éticos que plantea y su potencial para generar pensamiento crítico, abrir nuevas perspectivas y desmontar prejuicios.

Programa de actividades
El martes 21 de octubre, la fotoperiodista barcelonesa Anna Surinyach (1985) y el demógrafo senegalés Abdoulaye Fall (1989), moderados por el también fotoperiodista Edu Ponces (1980), abordarán el desafío de fotografiar a los desaparecidos en las migraciones, un fenómeno de gran magnitud y también una de las tragedias más invisibles.
El miércoles 22 de octubre, el artista irlandés Richard Mosse (1980), presentará “Incoming”, una reflexión sobre cómo representar el dolor y la desposesión vinculados a los movimientos migratorios.
El jueves 23 de octubre tendrá lugar la conferencia de la fotógrafa de origen italiano Myriam Meloni (1980), titulada “Desplazar las fronteras, habitar el tránsito”, que propone pensar la migración como un acto político y existencial, ligado a desigualdades históricas y privilegios. Ese mismo día se presentará “Memorias y territorios abiertos a la escucha”, con relatos del colectivo Al’Akhawat (La hermandad) —compuesto por seis artistas pertenecientes a la diáspora Marruecos-España: Sanae El Mokaddim Ayadi, Youssef Taki Miloudi, Karim Khourrou Gadour, Oumaima Manchit Laroussi, Aicha Josefa Trinidad Gououi y Salma Bechar Aatif, como colaboradora—, que entrelazan archivos, cuentos y textos poéticos para evocar la memoria migrante y desdibujar fronteras entre lo íntimo y lo comunitario.

Para más información: https://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/ca/activitats/vii-jornades-de-fotografia-iefc-migracions/948

Exposición “14 millones de ojos”, con fotografías de la colección del Museo Centro de Arte Dos de Mayo

La Comunidad de Madrid presenta la exposición “14 millones de ojos. Colección, fotografía, público”, en la Sala Canal de Isabel II (calle Santa Engracia, 125), hasta el 11 de enero de 2026. Esta nueva exposición no sólo exhibe el patrimonio fotográfico de la Comunidad, sino que también narra la propia historia de esta singular sala, habilitada en un antiguo depósito de agua, a lo largo de tres décadas.
“14 millones de ojos. Colección, fotografía, público” —un par de ojos por cada uno de los siete millones de madrileños—, lejos de ser una mera retrospectiva, es una autorreflexión institucional. A través de 175 imágenes seleccionadas entre un total de casi 3.000, la exposición ofrece una cuidada selección de la colección fotográfica regional, depositada en el CA2M (Museo Centro de Arte Dos de Mayo). Como señala su comisaria, Olga Fernández López (en la foto), se trata de una colección “heterogénea” y “fruto de distintas políticas”, que constituye un relato fascinante que ahora se abre a la mirada de sus legítimos dueños: los madrileños.

Un viaje ascendente
La arquitectura de la Sala Canal de Isabel II, ubicada en un antiguo depósito de agua elevado, de estructura vertical, inaugurado en 1912, sirve de armazón perfecto para el relato pergeñado por la comisaria de la exposición. En lugar de una línea de tiempo convencional, la exposición se organiza en cuatro grandes ejes temáticos, uno por planta, que interrogan a la propia colección desde distintas perspectivas: el lugar, el tiempo, el medio y el cuerpo.

Planta baja: En este lugar, Madrid
La muestra arranca con una inmersión en la ciudad de Madrid, que no es aquí un mero escenario, sino un protagonista multifacético. Para ello, se aprovecha la singular arquitectura del antiguo depósito de agua. En las capillas —huecos que arropan los arranques de los machones que sustentan la edificación— se encuentran los habitantes, captados por la mirada singular de Ouka Lele (1957-2022), la fotografía de calle de Luis Baylón (1958-2023) y la maestría documental de Ramón Masats (1931-2024). En las paredes perimetrales cuelgan los paisajes de sus periferias y descampados, retratados por artistas como Javier Campano (1950) y Clemente Bernad (1963).
La primera fotografía, hecha por el holandés Cas Oorthuys (1908-1975), en 1955, establece el punto de partida de la exposición, que concluye con la última adquisición fotográfica, exhibida en la planta más alta, de Lúa Ribeira (1986), la cual nos recuerda que la imagen de Madrid siempre ha sido una construcción de miradas, tanto propias como ajenas, de dentro y de fuera.

Primera planta: En este tiempo, el giro de los noventa
Al ascender a la primera planta, el visitante encuentra una “foto fija” de un período crucial, tanto para la sala como para la fotografía en Madrid: los años comprendidos entre 1993 y 2000. Esta sección reconstruye el momento en que la fotografía española experimentó una profunda redefinición, en gran parte gracias a la labor del comisario y gestor cultural Rafael Doctor Roncero, injustamente tratado en su salida del MUSAC y, de forma aún más sangrante, en la del Centro Andaluz de Fotografía en 2019.
Su trabajo en la Sala Canal de Isabel II resultó fundamental para alejar la fotografía de su anclaje puramente documental y acentuar el aspecto subjetivo del medio. A través de catálogos y obras de exposiciones clave como “Impuros” o “Miradas y visiones”, la muestra actual explora como la fotografía se desplazó hacia el arte contemporáneo. Esta sección también evoca la iniciativa democratizadora llamada “Canal Abierto”, que fue una propuesta radical en la que se ofrecía a cualquier creador la posibilidad de exponer su obra libremente durante unos días en la sala, sin tener que someterse a criterios de selección previos.

Segunda planta: En esta fotografía, el medio se cuestiona
El recorrido continúa con un giro reflexivo. La segunda planta reúne obras de finales de los noventa y principios de los dos mil que interrogan la naturaleza misma del medio fotográfico. Artistas como Joan Fontcuberta (1955), Jorge Ribalta (1963) y Javier Vallhonrat (1953) utilizan la ficción, la maqueta y la ironía para cuestionar la capacidad de la fotografía para reflejar la verdad. A través de sus obras, se exploran las paradojas y ambivalencias de la imagen en una revisión de los géneros tradicionales como el paisaje o el bodegón.

Tercera planta: En este cuerpo, identidades en construcción
Finalmente, la planta superior está dedicada a la representación del cuerpo más allá del retrato y del desnudo clásicos. Esta sección aborda la representación de los cuerpos desde diversos puntos vista. Obras de artistas como las de Carmela García (1964) y de Costa Badía (1981) dialogan con la última adquisición de la colección que cierra la muestra, la mencionada obra de Lúa Ribeira, donde la imagen, perteneciente a la serie “Agony in the Garden”, expuesta en PHotoEspaña 2024, muestra a una joven vinculada a las escenas del “trap” y el “drill” en el momento de hacerse un autorretrato, un gesto que sólo se puede entender al ver proyectada en el suelo la sombra de su móvil.
La riqueza de obras y miradas que ofrece este recorrido por los fondos fotográficos de la Comunidad de Madrid no es casual, sino el resultado tangible de unas políticas culturales sostenidas, pero que han ido cambiando en el tiempo. Desde la etapa contemporánea y seminal de Rafael Doctor, hasta el posterior retorno a la fotografía documental —que podríamos llamar clásica—, se configura un relato que permite entender la colección en toda su amplitud.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-14-millones-ojos

Sin fecha de caducidad: Una mirada al edadismo

La Galería Nikon de Madrid (calle Reina Mercedes, 8) ha programado hasta finales de noviembre de 2025 una exposición que lleva por título “Sin fecha de caducidad: Una mirada al edadismo”, en la que participan los fotógrafos: Ángel de Antonio, Chema Barroso, Domingo J. Casas, Pipo Fernández, Dani Gago, Jesús Hellín (suya es la imagen de César Lucas que ilustra la foto de este artículo), Jesús Izquierdo, Jeosm, Bernardo Pérez, Pablo Robles, Julián Rojas y Biel Sol.
De acuerdo con su comisario, Bernardo Paz: “La edad no debería ser un límite, sino un horizonte. Esta exposición de Nikon cuestiona los estereotipos que encasillan a las personas por sus años y celebra la diversidad de miradas, gestos y experiencias. Porque la creatividad y la dignidad no caducan: brillan en todas las etapas de la vida”.

El edadismo
El edadismo —discriminación por razón de edad, especialmente hacia las personas mayores o ancianas— tiene poco que envidiar al racismo, al machismo, la homofobia, la transfobia y otros ismos y fobias. Lamentablemente, esto ha cobrado fuerza recientemente debido al intento de las fuerzas económicas —que manejan entre bastidores la política— de enfrentar a los llamados “boomers” (nacidos entre 1946 y 1964) con los “millennials” (nacidos entre 1981 y 1996). En esencia, padres contra hijos.
El motivo es claro: intentar convencer a los “millennials” de que su falta de expectativas vitales no se debe a los bajos salarios que reciben por su trabajo, sino a las pensiones de los “boomers”. Pero no se soluciona un problema de altura cortándole las piernas al más alto, sino proporcionado zancos al más bajo.
Si seguimos mirando el dedo que señala la Luna nos seguirán engañando para que nos enfrentemos entre nosotros y no contra ellos, que nos mangonean y perjudican. Por eso, la exposición de la Galería Nikon de Madrid resulta especialmente oportuna.

Para más información: https://www.nikonistas.com/digital/galeria-nikon.php

Exposición sobre la huella humana en la naturaleza, en el Museo Nacional de Ciencias Naturales

Hasta el 15 de febrero de 2026 se podrá visitar la exposición fotográfica “De la mano con la conservación”, de Javier Lobón-Rovira. en el Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN-CSIC) (Calle de José Gutiérrez Abascal, 2, Madrid). Con más de veinte imágenes y paneles informativos, esta exposición busca dar visibilidad a personas y organizaciones que trabajan por la protección de la biodiversidad. Las manos humanas y los animales son los protagonistas de estas imágenes, donde el fotógrafo ecologista refleja la estrecha relación entre ambos.

Concienciación y reconocimiento
Según Borja Milá, vicedirector de Exposiciones del MNCN, el impacto humano ha provocado la desaparición de más del 60% de los vertebrados terrestres en los últimos cincuenta años. La exposición pretende sensibilizar sobre esta crisis ambiental y reconocer la labor de quienes dedican su vida a conservar y recuperar la naturaleza.

Autor y trayectoria
Javier Lobón-Rovira, biólogo y fotógrafo ecologista asturiano, es doctor en Biodiversidad por la Universidad Complutense de Madrid y especialista en la conservación de la herpetofauna africana. Ha colaborado en proyectos en países como Canadá, Estados Unidos, Costa Rica, Madagascar y Angola. Sus investigaciones se centran en la evolución de reptiles y anfibios del sur de África, sus fotografías se han publicado en medios como “National Geographic”, “Africa Geographic” y “Quercus”.

Para más información: https://www.mncn.csic.es