Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Cristina de Middel presenta “Apoteosis Now”, en el IVAM

Cristina de Middel, actual presidenta de Magnum Photos, presenta su exposición “Apoteosis Now”, del 21 de mayo al 12 de octubre de 2026, en el Centre Julio González del IVAM (Carrer Guillem de Castro, 118, Valencia).

Modo Catarata
La exposición “Apoteosis Now”, cuyo comisario es el cubano Iván de la Nuez (1964), se articula como un despliegue continuo de imágenes que ocupan el espacio expositivo. La artista define este planteamiento como “modo Catarata”: una acumulación visual que remite tanto a la sobreproducción de imágenes contemporánea como a la dificultad de ver con claridad.
El conjunto reúne distintas series que funcionan a modo de unidades autónomas. Cada una plantea relaciones entre documento y ficción, entre registro y construcción. Las obras se presentan como archivos de los sueños o como registros de los obstáculos que impiden su realización.

Iconografía y manipulación
Las imágenes expuestas abordan la construcción de lo real desde la fotografía. Así, cada serie actúa como un sistema de representación que analiza cómo se generan, circulan y se interpretan las imágenes en la actualidad.
El proyecto se sitúa en un contexto definido por la saturación visual. Esta acumulación de imágenes no se presenta como fondo neutro, sino como un elemento que condiciona la percepción y el conocimiento de la realidad.

Iconocracia
La nueva exposición de Cristina de Middel (Alicante, 1975) introduce el concepto de “Iconocracia” para describir un tiempo, el nuestro, dominado por la imagen. En este marco, la producción y circulación de fotografías se plantea como un espacio de tensión, ya que las imágenes pueden operar como herramientas de control, pero también como instrumentos de cuestionamiento.
El recorrido expositivo no sigue una estructura lineal. La disposición responde a una lógica de acumulación en la que el espectador debe establecer sus propias relaciones entre las obras.

Para más información: https://ivam.es/

Insectos al detalle: vecinos urbanos, de Máher Fahim, en el MNCN

El Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN-CSIC) presenta la exposición “Insectos al detalle. Vecinos urbanos”, del biólogo y fotógrafo Máher Fahim Fernández (Madrid, 1990), especializado en imagen científica. La muestra se inaugura el 7 de mayo de 2026 y se podrá visitar hasta enero de 2027 en el edificio principal del museo (calle José Gutiérrez Abascal, 2, Madrid).
La propuesta reúne más de una veintena de imágenes de gran formato centradas en artrópodos e insectos presentes en entornos urbanos, principalmente de la península ibérica. El proyecto plantea un cambio de escala en la observación: el visitante dejará de mirar a estos animales desde la lejanía que da el tamaño, para situarse frente a ellos, en una relación más directa.

Fotomacrografía y construcción de la imagen
Las obras se realizan mediante fotomacrografía —fotografía a una escala 1:1 o mayor—, a la que se añade una técnica que combina cientos de fotografías en una única imagen final. Este proceso permite alcanzar un nivel de detalle que supera las limitaciones de la visión directa y facilita ampliaciones de gran tamaño sin pérdida de detalle.
A ello se suma un sistema de iluminación específico para cada ejemplar de artrópodo, entre los que se incluyen insectos, arañas, crustáceos y miriápodos. Para ello, se adapta la luz en función de la textura, el volumen o la transparencia de cada organismo. El resultado son composiciones en las que se destacan estructuras y matices que no suelen percibirse en condiciones naturales.
Esta técnica no busca reproducir una escena real, sino construir una imagen que permita analizar el espécimen con la máxima precisión. La luz y el encuadre actúan como herramientas de interpretación.

Especies comunes, nueva mirada
Entre las especies representadas se incluyen avispas, chinches, piojos y zapateros. Se trata de animales habituales en contextos urbanos, aunque a menudo pasan desapercibidos. La exposición propone detenerse con atención en ellos y observarlos desde una escala distinta.
Cada imagen se acompaña de información en español e inglés, con datos y curiosidades sobre las especies. Este contenido complementa la experiencia visual y refuerza el carácter divulgativo del proyecto.
La muestra se encuentra entre la fotografía científica y la práctica artística. Las imágenes funcionan a modo de documento y como herramienta de mediación entre el público y el objeto observado.

Divulgación y conservación
El proyecto se plantea también como apoyo a las colecciones del MNCN. La digitalización de ejemplares mediante fotografía de alta precisión permite conservar información que puede perderse con el tiempo, como el color, ciertos detalles estructurales o la propia pieza.
En este contexto, las imágenes no solo registran el estado original de los organismos, sino que facilitan su posterior estudio y divulgación científica.

Para más información: www.mncn.csic.es

PHotoEspaña arranca con Isabel Azkarate y el Espacio Fotolibros

PHotoEspaña inicia oficialmente su 29.ª edición en el Espacio Cultural Serrería Belga (calle Alameda, 15, Madrid) con la exposición “Azkarate vs. Azkarate” y la apertura del Espacio Fotolibros. Ambas propuestas marcan el inicio del programa oficial bajo el lema “Volver a imaginar”.

Azkarate
La exposición “Azkarate vs. Azkarate”, abierta hasta el 28 de junio de 2026, presenta una selección de trabajos recientes de Isabel Azkarate en diálogo con imágenes de su archivo, realizadas a lo largo de casi cincuenta años de trayectoria.
El proyecto introduce un cambio en la herramienta de trabajo: la autora utiliza en esta ocasión un aparato móvil Xiaomi 17 Ultra, en lugar de su cámara habitual. Las nuevas imágenes se ponen en diálogo con fotografías de los años setenta y ochenta, lo que permite observar la continuidad en su forma de mirar y trabajar.
Las comisarias de la muestra son Silvia Omedes (Barcelona, 1971) e Imma Cortés (Terrassa, 1963), ambas de la Fundación Photographic Social Vision, que dirige Omedes. La colaboración con Xiaomi España forma parte de una línea de trabajo centrada en la fotografía realizada con aparatos móviles y su desarrollo como herramienta creativa.
El conjunto plantea una revisión de la trayectoria de Azkarate desde el presente, sin alterar su método de trabajo basado en la observación directa del entorno urbano. “Volver a fotografiar mi ciudad a tope”, en sus propias palabras, se ha convertido para ella en el reencuentro con San Sebastián.
En la presentación, María Santoyo, directora de PHotoEspaña afirmó: “La fotografía siempre ha dependido de la evolución de sus herramientas. Esta alianza nos permite explorar ese nuevo territorio donde lo digital y lo artístico se encuentran. Ver a autoras de la talla de Isabel Azkarate trabajando con estos nuevos formatos confirma que, cambie lo que cambie, la cámara, la intención del fotógrafo sigue siendo lo único insustituible”.

Espacio Fotolibros
De forma paralela, el centro acoge el Espacio Fotolibros, dedicado a la edición fotográfica contemporánea nacional e internacional. La muestra reúne los libros finalistas del Premio al Mejor Libro de Fotografía del Año de PHotoEspaña, creado en 1998.
El recorrido incluye una revisión del fotolibro en América Latina entre 2000 y 2025, con atención a contextos editoriales y agentes culturales desde perspectivas poco vistas. Se incorpora también una selección de publicaciones de Países Bajos, país invitado en esta edición del festival.
El espacio se completa con una sección muy especial dedicada al fotolibro infantil, centrada en su uso como herramienta de aprendizaje visual.

Inicio del festival
Con estas dos exposiciones, PHotoEspaña abre una nueva edición que combina autores consolidados y propuestas emergentes. El programa se desarrollará en distintas sedes de Madrid durante los próximos meses, de lo cual les mantendremos puntualmente informados.

Para más información: https://phe.es/

Museo Migrante Migrante, de Angélica Dass, en Itsasmuseum Bilbao

El proyecto “Museo Migrante Migrante” (MMM), de la fotógrafa brasileña Angélica Dass (1979), se podrá ver en el Itsasmuseum Bilbao (Ramón de la Sota Kaia, 1). El mismo reúne relatos de migración a través de retratos y testimonios personales. La iniciativa se plantea como un denominado dispositivo artístico, itinerante y participativo que recoge historias de desplazamientos, exilio y retorno.
El proyecto se presenta con la participación de responsables institucionales del museo y del Ayuntamiento de Bilbao, en un contexto marcado por varias citas vinculadas a la migración y la memoria, como el International Migration Review Forum (días 5 a 8 de mayo de 2026, en la sede las Naciones Unidas en Nueva York), el Día de Recuerdo y Homenaje a las Víctimas del Exilio en España (8 de mayo) y el Día de Europa (9 de mayo).

Un archivo en construcción
El MMM funciona como un archivo vivo que se amplía en cada ciudad. A partir de un estudio fotográfico portátil, la fotógrafa realiza retratos frontales de personas y de objetos vinculados a sus historias. Durante la sesión, los participantes comparten un breve relato de sus experiencias que se incorpora al archivo.
El proceso combina imagen y testimonio, lo que genera un conjunto de materiales visuales y sonoros. El objetivo de Angélica Dass es documentar experiencias diversas desde una perspectiva directa, sin intermediación narrativa.

Dos formatos de trabajo
El proyecto se articula en dos dispositivos. “MMM en Contenedor” se instala en un contenedor marítimo adaptado como espacio expositivo y de encuentro. Este formato inicia su recorrido en Bilbao y continuará por distintas ciudades hasta diciembre.
Por su parte, “MMM en Movimiento” plantea una versión adaptable a espacios culturales, educativos y sociales. Este segundo formato permite activar el proyecto en contextos diversos y ampliar la participación.
Ambas líneas comparten metodología y contenidos, que se desarrollan con el apoyo de programas del Ministerio de Cultura de España.

Actividades y participación
Durante su estancia en Bilbao, el MMM organizará visitas de centros educativos y sesiones abiertas al público. La participación en el estudio requiere inscripción previa e incluye retratos, fotografías de objetos y recogida de testimonios.
El programa se completa con un taller vinculado a la exposición “Orratz Begia / El ojo de la aguja”, de Judith Martínez Estrada, centrada en el exilio infantil durante la guerra de 1936. La actividad conecta la memoria histórica con las prácticas contemporáneas del proyecto.

Para más información: https://www.itsasmuseum.eus/

“Gaza, donde la vida resiste”, en el Museo Thyssen-Bornemisza

La exposición “Gaza, donde la vida resiste”, organizada junto con la UNRWA (Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Próximo), se podrá visitar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (paseo del Prado, 8, Madrid) del 18 al 23 de mayo de 2026. Esta muestra reúne diez retratos realizados por un fotógrafo gazatí del equipo de UNRWA, quien ha decidido permanecer en el anonimato por un motivo claro: evitar ser asesinado. Hasta ahora, se calcula que han sido asesinados por el Tzáhal, Fuerzas Armadas del Estado de Israel unos 260 periodistas, de los que 130 eran fotógrafos, en diversos atentados. Este dato no es accesorio, sino parte central del contexto en el que se producen y se muestran las imágenes.

Retrato y supervivencia
Las fotografías presentan a niños, mujeres y hombres palestinos supervivientes de la ofensiva sobre Gaza del gobierno israelí de Netanyahu. Cada retrato se acompaña de un objeto personal: una pelota, unos zapatos, una lona. Elementos cotidianos que, en un escenario de destrucción, condensan experiencias de desplazamientos forzados, pérdidas del hogar e interrupción de la vida diaria.
Entre estos objetos se encuentran, por ejemplo, la pelota de Mu’ayyad, que remite a los lugares de juego y al anhelo de normalidad de un niño en medio de la destrucción; los zapatos de Malak, testigos de los reiterados desplazamientos forzados al son de las órdenes del Tzáhal; así como la lona en la que Mahmoud se resguarda tras ver destruida su casa, símbolos todos ellos de la precariedad extrema y, al mismo tiempo, de la capacidad de adaptación ante la pérdida del hogar.

Genocidio en curso
La exposición se inscribe en un contexto marcado por más de dos años y medio de ofensiva israelí, con cerca de 80.000 palestinos asesinados y 2,1 millones sometidos a una crisis humanitaria extrema y sin precedentes. La destrucción sistemática de infraestructuras civiles, el desplazamiento masivo y la falta de acceso a recursos básicos configuran un escenario que múltiples organismos y voces internacionales identifican como un genocidio en curso.
En este contexto, la UNRWA desempeña un papel esencial como principal agente humanitario en Gaza, garantizando servicios fundamentales en ámbitos como la salud, la educación y la asistencia social a cientos de miles de personas. Su labor se sostiene, en gran medida, gracias a su personal local, que está formado por refugiadas y refugiados de Palestina, que en su mayoría también se encuentran desplazados. Todo ello, a pesar de los atentados permanentes que sufren por parte de las fuerzas israelíes de ocupación.

Imagen y denuncia
La exposición no plantea una mirada neutral. Las imágenes funcionan como testimonio y como denuncia. Sitúan al espectador ante vidas concretas atravesadas por la violencia estructural y la impunidad.
“Gaza, donde la vida resiste” propone un recorrido breve pero directo: mostrar lo que ocurre y señalar responsabilidades. La fotografía, en este caso, no sólo documenta, también interpela.

Para más información: https://eventos.unrwa.es/culturavivaxpalestina/

“Omo Valley”, fotografía y etnografía

La exposición “Omo Valley” (Valle del río Omo), consistente en un proyecto colectivo centrado en las etnias del sur de Etiopía, con 40 fotografías reproducidas en calidad museística, se podrá ver en la PhotoTravel Gallery (Calle Mayorga 7, Madrid), del 8 al 22 de mayo de 2026.
El proyecto se basa en expediciones realizadas por un grupo de fotógrafos que han trabajado sobre el terreno con comunidades de la zona, como los Hamer, los Suri o los Dassanech. La propuesta se construye desde la convivencia y el registro directo, con un enfoque documental centrado en prácticas culturales y formas de vida ancestrales.

Ritos y representación
Las imágenes recogen distintos rituales y momentos clave de estas comunidades. Entre ellos, la ceremonia Dimi, donde a las niñas se les practica la ablación del clítoris, el combate ritual conocido como el Donga y el rito del Ukuli Bula, donde los jóvenes varones pasan a adultos caminando desnudos varias veces sobre la espalda de una hilera de bóvidos. La exposición sitúa estas prácticas en primer plano, mediante retratos y escenas que buscan una relación directa con el espectador.
El proyecto incorpora la influencia de intercambios creativos con fotógrafos como Cristina García Rodero, en un proceso que combina documentación y mirada autoral.
Las obras se presentan en papel de algodón, con montaje y enmarcado bajo estándares de conservación. El formato expositivo refuerza la lectura de las imágenes como piezas independientes dentro de un conjunto coherente.

PhotoClick y trabajo colectivo
En la exposición participan los fotógrafos Blanca Abreu Galán, Javier Arias, Juanjo Berlanga, Soledad Caparrós Patterson, Manuela Caramuscio, Santiago Carrasco, Ángel Colás Rueda, Salud Cubells, Iñaki Cuesta Zabala, Fernando Del Amo García, Fernando Esteban Revenga, Isidoro Gallo Manzano, Jesús Gemar, Katy Gómez, Emi González Maestro, Carlos Infante Muñoz de Luna, Nuria Marí Cañadas, Raúl Enrique Martín Izquierdo, Francisco Mendoza Ruiz, Elena Molina, Juan Montagut Sánchez, Anna Muñoz Sáez, Marco Negroni, Andreu Noguero Cazorla, Raúl Ontiveros Fdez de Retana, Ana Pereda, Víctor Manuel Pizarro, Vicky Planas Salvador, Gon Poullet, Israel Quesada Velázquez, Antonio Quinzán Bueno, Ricard Roca, Fernando Rojo Tolosa, Alfonso Romero, Fabiola Santander Araneda, Luis Miguel Segura Sánchez, Elisa de Suñer Machado, Simona Turco, Sandrine Villa y María Antonia Vinuesa Jiménez.
Asimismo, la presentación de PhotoClick también la marca un colectivo surgido de la comunidad Phototravellers. La iniciativa plantea el viaje como herramienta de trabajo y la fotografía como medio de registro cultural.
El proyecto se articula en torno a la colaboración entre autores y la generación de redes profesionales. En este contexto, “Omo Valley” funciona como punto de partida para futuras acciones del colectivo.

Catálogo
Coincidiendo con la muestra, se presenta un catálogo editado por GonPoullet, sello editorial de Gonzalo Sáenz de Santa María Poullet, fundador de la agencia dedicada a la organización de viajes fotográficos PhotoTravel. La publicación reúne 120 fotografías de 40 autores y se edita en una tirada limitada de 200 ejemplares.
El libro amplía el contenido de la exposición y plantea una lectura paralela en formato impreso. La edición se concibe como objeto de archivo y documentación.

Para más información: www.phototravelgallery.es

Reivindicación feminista del culo femenino, de Amparito Sebastià

La exposición “Culos”, de la fotógrafa Amparito Sebastià (Valencia, 1985), se podrá ver hasta el 22 de mayo de 2026, en el espacio polivalente Pasaje 94 (calle dels Trinitaris, Valencia). Se trata de una reivindicación del culo femenino desde la perspectiva feminista, centrada en que la mujer no debe avergonzarse de su cuerpo y tiene derecho a mostrarlo tal y como quiera, sin por ello ser blanco de acosos, burlas o soeces comentarios.

Perspectiva feminista
El culo es una de las partes de la anatomía humana que más se contemplan, especialmente el femenino, y, sin embargo, no ha sido hasta muy recientemente cuando se ha empezado a analizar culturalmente. Libros como “Por el culo. Políticas anales”, de Javier Sáez y Sejo Carrascosa, o “Culos. Una historia trasera”, de Heather Radke, se centran en esta parte del cuerpo humano, que tan difícil es de ver en uno mismo y que tan evidente se muestra en el de los demás.
El feminismo más reciente ha pasado de la quema de sujetadores o reivindicación del vello corporal —ambos símbolos de dominación del heteropartriarcado— a reivindicar que la mujer se libre totalmente también de lo que se supone que debe hacer, desplazando así el foco desde lo externo hacia la autonomía sobre el propio cuerpo. La mujer tiene derecho a mostrar su cuerpo como este sea o como ella quiera que sea. De esta forma, se promueve que eso que se ha dado en llamar “cuerpos no normativos” se puedan exhibir sin vergüenza, pero que igualmente lo puedan hacer aquellos cuerpos que puedan ser objeto de deseo o admiración. En este sentido, se defiende que no hay un culo hegemónico y que cada mujer tiene el derecho a habitar el propio cuerpo sin someterse a cánones de belleza industriales o imposiciones de género. En definitiva ser ella misma, que es la mayor expresión de su liberación.
“Culos”, de Amparito Sebastià, se puede definir como paradigmática en ese sentido. En sus propias palabras, la exposición “plantea una idea directa: el cuerpo de la mujer no es opinable. No es una invitación ni un mensaje, y no debería estar sujeto a un juicio constante. Durante años ha sido tratado como algo público, medido, evaluado y corregido. Esta exposición propone, precisamente, desplazar esa mirada y entender el cuerpo como algo propio, como algo humano”, lo que refuerza el núcleo conceptual que articula la muestra.
Podríamos decir que esta exposición es de culos normales —o sea, de todo tipo— para personas normales, como usted y como yo, de forma que subraya su vocación inclusiva cotidiana.
El feminismo como liberación de la mujer también lo es del varón, en la medida en que cuestiona los roles que se sostienen en relaciones de dominación. Como se recoge en la compilación de hadices (dicho o hecho de Mahoma de transmisión tradicional) “Sahih al-Bujari”: “Narró Anas que el Mensajero de Dios dijo: ‘Ayuda a tu hermano, ya sea opresor u oprimido’. La gente preguntó: ‘¡Oh, Mensajero de Dios! Entendemos cómo ayudarlo si es el oprimido, pero ¿cómo podemos ayudarlo si él es el opresor?’. El Profeta les respondió: ‘Impidiéndole que oprima a otros; esa es la forma de ayudarlo’”.

Amparito Sebastià
Amparo Sebastià estudió fotografía en el Istituto Italiano di Fotografia de Milán (IIF) y posteriormente se trasladó a Berlín, donde inició su carrera como ayudante del fotógrafo Olaf Blecker, una de cuyas líneas de trabajo es, curiosamente, la de fotografiar personas maduras, que entronca con una mirada no normativa del cuerpo. Tras esta etapa en Alemania, regresó a Valencia donde desarrolla su trayectoria en fotografía comercial. Ha colaborado con marcas como Marie Claire, New Balance, Estrella Damm, Ulanka y Babé.
Sus fotos comerciales están dirigidas a resaltar la belleza de los productos que le encargan promocionar. Para esta exposición, ha puesto todo su saber, su técnica y su arte en fotografiar bellamente cualquier culo, sea del tipo que sea, de forma que traslada esa misma capacidad estética al ámbito conceptual del proyecto.
Todo lo que se recaude con la exposición se destinará a la Asociación Alanna, ONG valenciana que trabaja por los derechos de las mujeres, contra la violencia hacia las mujeres y por la inclusión de mujeres, niñas, niños y familias en situación de especial vulnerabilidad. Una muestra del compromiso social de Amparo Sebastià.

Para más información: https://amparitosebastia.com/

(Foto de la exposición, por Paloma Agramunt)

Sonia Murugarren. De la materia intervenida a la imagen construida

El Photomuseum de Zarautz (San Inazio kalea, 11) presenta la exposición “De la materia intervenida a la imagen construida”, de Sonia Murugarren, que se podrá visitar desde el 5 de mayo hasta el 7 de junio de 2026.
La muestra reúne trabajos desarrollados desde 2016 en los que la fotografía se plantea como resultado de una acción previa. En este enfoque, la imagen no actúa como registro directo, sino como consecuencia de una intervención sobre la materia. El proceso comienza con la manipulación de los elementos y concluye en la fijación fotográfica.

Proceso y construcción
La práctica de Sonia Murugarren parte de la reorganización de objetos y materiales. El gesto físico precede a la toma y la cámara que recoge una configuración previamente construida. Cada elemento responde a una disposición concreta, donde forma, luz y espacio se relacionan de manera controlada.

En la serie “Luz, papel y tijeras”, la cartulina se utiliza como estructura. De forma que cortes y pliegues definen el espacio, mientras la iluminación introduce sombras que sirven para ampliar el plano y generan relaciones entre volumen y superficie.

Materia orgánica
En “Postnaturaleza”, el material de trabajo procede del entorno natural. Hojas y elementos vegetales se presentan mediante encuadres cerrados y variaciones lumínicas que alteran su percepción. La ampliación y el color modifican su lectura sin eliminar su origen.
Las imágenes sitúan estos elementos en un estado intermedio, entre lo reconocible y lo transformado. El resultado plantea una reflexión sobre el paso de lo natural a lo construido.

Imagen como resultado
Ambas series comparten un planteamiento común: la fotografía fija un proceso de transformación. La imagen no documenta un instante, sino que consolida una acción previa.
La exposición propone una aproximación a la fotografía como espacio de construcción, donde la materia y la imagen se relacionan a través de la intervención y la forma.

Para más información: http://www.photomuseum.es/index.php/es/