Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Nada espontáneo. Una mirada a los 90”, de Jesús Ugalde

La exposición fotográfica “Nada espontáneo. Una mirada a los 90”, de Jesús Ugalde (1964), se podrá visitar en la Nave 15 del Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 14), hasta final del verano de 2026. La muestra reúne 22 retratos de figuras clave de la música española de esa década, procedentes del archivo del autor.
Las fotografías, colgadas en los vanos de puertas y ventanas visibles desde la Plaza Matadero, recogen momentos significativos de la escena musical de los años noventa, como la grabación de “Sin documentos” de Los Rodríguez, la primera sesión fotográfica de La Oreja de Van Gogh, así como retratos de Alejandro Sanz, previos a la publicación de “Más”. También aparecen artistas como Martirio, Rosana, Raimundo Amador y Christina Rosenvinge.

La estética del posado en los 90

El título de la exposición alude al carácter poco espontáneo de la fotografía de la época, marcada por la construcción deliberada de la imagen. Según el propio Ugalde, se trató de una década definida por la pose y el artificio, un rasgo que, a su juicio, anticipa prácticas hoy habituales en el contexto de las actuales redes sociales.
La muestra incluye asimismo retratos destacados como el de Carlos Berlanga, caracterizado como Gala, musa de Salvador Dalí. Se trata de una fotografía inédita, elegida como cartel de la exposición.
Junto a la música, la exposición incorpora referencias al ámbito cinematográfico, con retratos de figuras como Antonio Banderas y Fernando Trueba, así como una fotografía inédita del rodaje de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, en la que se puede ver a Pedro Almodóvar dirigiendo una de sus escenas más reconocidas. Algo muy inusual, porque no suele permitirlo.

Más de tres décadas
El madrileño Jesús Ugalde Solís cuenta con una trayectoria de más de tres décadas en la fotografía de retrato y moda. Durante los años noventa trabajó para importantes discográficas, lo que le permitió documentar de cerca a los principales artistas del momento. Su carrera incluye colaboraciones con diversas publicaciones y proyectos vinculados al ámbito cultural, lo que ha consolidado su posición como uno de los retratistas de referencia en España.
La exposición coincide con la programación musical al aire libre de Matadero Madrid, que incluye citas como el Día Europeo de la Música en Matadero y el ciclo “Superestrellas”, de CinePlaza. En los días que coincida, no se podrá visitar las exposición.

Para más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/nada-espontaneo-una-mirada-los-90

Fundación Mapfre acoge dos exposiciones a PHotoEspaña 2026

La sede madrileña de la Fundación Mapfre acogerá, del 6 de junio al 30 de agosto de 2026, dos exposiciones. Por una parte, la serie del clásico Richard Avedon (1923-2004), titulada “In the American West” (En el oeste americano), y por otra una retrospectiva titulada “Ground Rules” (Reglas básicas), del fotógrafo Alejandro Cartagena (1977), nacido en la República Dominicana, pero mexicano de adopción.

In the American West
El año pasado se cumplió el cuarenta aniversario del proyecto y de la primera edición del libro “In the American West”, por encargo del Amon Carter Museum de Fort Worth (Texas). Para llevarlo a cabo, entre 1979 y 1984, Avedon viajó por 189 localidades de 17 estados del oeste de los Estados Unidos —Arizona, California, Colorado, Idaho, Iowa, Kansas, Montana, Nebraska, Nevada, Nuevo México, Dakota del Norte, Oklahoma, Oregón, Dakota del Sur, Texas, Utah y Wyoming— e incluso llegó hasta Canadá. Avedon realizó un total de 752 sesiones fotográficas, en las que expuso 17.000 placas de película con su cámara de gran formato.
A diferencia de las celebridades, modelos y políticos que acostumbraba a fotografiar, los protagonistas de este trabajo son personas corrientes, muchas de las cuales atravesaban momentos difíciles, debido a la crisis económica y al inicio del primer mandato (1981-1985) del presidente Ronald Reagan (1911-2004). Avedon los retrataba contra un fondo blanco, de forma que cualquier referencia al lugar quedaba eliminada —excepto en el pie de foto—, centrándose así en la individualidad de cada persona. El libro, que publicado en 1985, alcanza hoy precios de cientos de euros; recientemente se ha editado una versión conmemorativa del 40 aniversario que se puede adquirir por unos 120 euros.
La exposición que se podrá ver en la Fundación Mapfre es la misma que se presentó el año pasado en París, organizada por la Fondation Henri Cartier-Bresson. Su director, Clément Chéroux (1970), es el comisario de la muestra, que incluye la serie completa de imágenes de la publicación original, junto con material de trabajo: cartas, polaroids y copias con instrucciones para su positivado. Estas copias sirvieron de referencia tanto para la exposición original como para el libro de 1985. La Fundación Mapfre ha publicado ahora un opúsculo con la traducción al español de los textos que acompañan a la exposición, al igual que se hizo en París, incluyendo un texto añadido del propio Clément Chéroux. Sobre esta muestra publicaremos un extenso artículo en la edición impresa de FV 307.

Alejandro Cartagena
“Ground Rules”es un recorrido por la carrera del fotógrafo Alejandro Cartagena, a quien conocimos en la sección Descubrimientos de PHotoEspaña en 2013 gracias a su serie “Los car poolers” (Personas que comparten vehículo), por más que para entonces ya contaba con una trayectoria de años. Su trabajo se caracteriza por la creación de series —más que por momentos aislados—, la diversidad de perspectivas y distintas investigaciones estéticas a lo largo de sus más de veinte años de carrera. Con una mirada crítica y humanista, Cartagena muestra realidades mexicanas como la migración, la vivienda, la relación con el vecino del norte —“Pobre México, tan lejos de Dios y tan cerca de los Estados Unidos”, sentenció el político mexicano Nemesio García Naranjo (1883-1962)—, las transformaciones urbanas y la crisis climática.
La comisaria Shana Lopes, adjunta de fotografía del Museo de Arte Moderno de San Francisco ha reunido algunos de los proyectos más emblemáticos del artista, incluidos sus fotolibros.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/

Primera retrospectiva europea de Minor White, en la Fundación Mapfre de Barcelona

Fundación Mapfre ha presentado las exposiciones “Minor White” y “Joaquín Tusquets de Cabirol. La forma elocuente”, que se podrán visitar hasta 6 de septiembre de 2026 en el centro de fotografía KBr (avenida del Litoral 30, Barcelona). La iniciativa se enmarca en las líneas habituales de programación de KBr, centradas en la revisión de grandes figuras de la fotografía del siglo XX y en la colaboración con instituciones que conservan archivos fotográficos.

Primera retrospectiva de Minor White en Europa
Según afirma la Fundación Mapfre, esta muestra dedicada a Minor White (1908-1976) constituye la primera gran retrospectiva del fotógrafo estadounidense en Europa. Reúne alrededor de 250 copias de época y propone un recorrido cronológico por las distintas etapas de su carrera, destacando su concepción de la fotografía como herramienta de introspección y transformación espiritual.
El proyecto aborda temas recurrentes en la obra de White, como la naturaleza, el paisaje, el retrato y el desnudo masculino. En concreto, incluye algunas de sus secuencias más destacadas, entre ellas “Slow Dance” (Baile lento), la única realizada en color y concebida originalmente como una proyección dual de diapositivas.
La exposición se completa con materiales documentales y obras no integradas en sus series, lo que permite ampliar la visión sobre su trayectoria artística, editorial y docente.

Recuperación del legado de Tusquets de Cabirol
La segunda exposición está dedicada a Joaquín Tusquets de Cabirol (1904–1979), fotógrafo aficionado, activo entre las décadas de 1940 y 1960. Su obra, centrada en escenas cotidianas de la posguerra, ha sido revalorizada tras la recuperación de gran parte de su archivo, hallado a principios de siglo y cuya autoría se confirmó en 2020. La muestra presenta imágenes del litoral, el entorno urbano y rural, además de destacar la importancia de la fotografía amateur en el contexto español y, específicamente, en Cataluña. A través de la luz, la composición y el encuadre, Tusquets construye una mirada sobre lo cotidiano como forma de interpretación de la realidad.

Para más información: https://kbr.fundacionmapfre.org/

“Las piedras del cielo”, de Isabel Muñoz, en el Palacio Real de Madrid

La exposición “Las piedras del cielo”, de la fotógrafa Isabel Muñoz, ha sido la elegida para la inauguración oficial de la 29ª edición de PHotoEspaña, en la Galería de las Colecciones Reales del Palacio Real de Madrid (calle Bailén, s/n, Madrid). Esta muestra es el resultado de una profunda investigación que la fotógrafa ha realizado durante meses sobre el Monasterio de El Escorial y la figura de Felipe II, más allá de su rol como monarca histórico, a quien, alejado de estereotipos, la fotógrafa define como un hombre en busca de la unión del conocimiento universal y la espiritualidad renacentista, alejado del catolicismo de la Contrarreforma.
A través de técnicas singulares que combinan fotografía, grabado y metales preciosos, la artista ha creado una obra única, que no sólo rinde homenaje a la biblioteca, la armería y el entorno natural del Real Sitio, sino también a un tiempo y a unos personajes, en sus propias palabras, fascinantes. El proyecto cierra el ciclo trienal “Cuadernos de campo”, un programa artístico y medioambiental organizado en colaboración entre PHotoEspaña y Patrimonio Nacional, en el que han participado previamente los también Premios Nacionales de Fotografía Javier Vallhonrat (1953), con “Los ingenios del agua”, en el Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, y Bleda y Rosa con “Las horas del sol”, centrada en los jardines históricos del Monasterio de Yuste.

El Monasterio de San Lorenzo y el bosque de La Herrería
La arquitectura del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y su entorno natural en el bosque de La Herrería responden a un orden simbólico que vincula el edificio con el Templo de Jerusalén y la armonía cósmica. Construido con granito extraído de canteras locales y trabajado por canteros —algunos de ellos venidos desde lo que hoy se conoce como Cantabria; el propio arquitecto de la obra, Juan de Herrera (1530-1597), era de allí—, Felipe II impulsó el uso de materiales ignífugos, como la piedra y el ladrillo, con el fin de salvaguardar la estructura frente a la amenaza de incendios y rayos. Aunque cabe señalar que a mediados de los años sesenta se retiraron las vigas de madera de las pendientes de la cubierta y los chapiteles para sustituirlas por otras de metal.
En el marco conceptual del proyecto, esta elección material se suele interpretar como la voluntad del monarca de establecer un umbral entre la temporalidad terrenal y un anhelo de trascendencia. Todo el monasterio está sujeto a interpretaciones arcanas, hasta su misma ubicación. De hecho, hay una teoría que indica que Felipe II no erigió El Escorial donde está por estar cerca de Madrid, sino que eligió como capital a Madrid por estar cerca de El Escorial.

El círculo intelectual de El Escorial
Felipe II configuró El Escorial como un centro de conocimiento universal aprovechando la colaboración de un círculo de intelectuales, arquitectos y filósofos. Figuras como Benito Arias Montano (1525-1598), el padre Sigüenza (1544-1606), Juan de Herrera, fray Antonio de Villacastín (1512-1606), Juan Páez de Castro (1514-1570) y Juanelo Turriano (1500-1585), entre otros, trabajaron en busca de la sabiduría primitiva, como demuestra la edición de la Biblia Políglota Regia, entre otros proyectos. Este núcleo de saber consolidó el proyecto no solo como un monumento arquitectónico, sino como un espacio de investigación y pensamiento renacentista. donde la ciencia y la espiritualidad convergían, en una época donde las fronteras entre ciencia, religión y magia eran más que difusas.

La hibridación técnica y el uso de metales
Tras una profunda investigación, sobre la que la fotógrafa ha tenido grandes palabras de agradecimiento por el apoyo y las facilidades recibidas, la propuesta de Isabel Muñoz se basa en la creación de “piezas híbridas” que se sitúan técnicamente entre la fotografía y el grabado. La artista emplea soportes de metales como el oro, la plata, el cobre y el estaño, integrando la imagen técnica con procesos artesanales sobre papel de acuarela. Esto supone un enlace con ese saber primitivo que buscaba el círculo de El Escorial. Mediante la técnica del “chine-collé”, bien conocida por ella, superpone un papel de seda impreso con la imagen seleccionada. El uso de estos metales nobles constituye un homenaje explícito a los alquimistas, especialmente a su búsqueda de la transmutación de la plata en mercurio, algo que consiguieron realizar en El Escorial, pero a un coste muy superior al de la propia plata de las minas.

La figura histórica y humana de Felipe II
El marco conceptual del proyecto se apoya en un estudio historiográfico sobre las dimensiones personal e intelectual de Felipe II, revelando a un monarca de formación humanista, lo que ha supuesto una revelación para la fotógrafa. En el ámbito privado, los datos documentan a un individuo aficionado a la música, los bailes, la jardinería y el coleccionismo, con un gran afecto hacia su tercera esposa, Isabel de Valois (1545-1568), y sus hijas. En su faceta intelectual, el rey destacó por su interés en la astrología y la astronomía —que entonces se distinguían difícilmente—, la cartografía y la navegación, para lo que reunió en El Escorial una biblioteca excepcional con textos en latín, griego, hebreo, arameo y siríaco.

Estructura y recorrido de la muestra en la Galería de las Colecciones Reales
La muestra se compone de un total de 35 piezas híbridas distribuidas físicamente en las rampas de la Galería de las Colecciones Reales y en diversos expositores situados en los jardines del anejo Campo del Moro. El recorrido cuenta con una videoinstalación en el espacio inmersivo denominado “El Cubo”, donde se proyectan diversas imágenes acompañadas por una composición musical contemporánea de inspiración renacentista. La exposición permanecerá abierta al público desde el 4 de junio hasta el 6 de septiembre de 2026, tras lo cual está previsto su traslado al Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Para más información: https://www.galeriadelascoleccionesreales.es/exposicion/las-piedras-del-cielo-isabel-muoz/ca143f4c-a57a-3d3b-554e-49839f6e608e

Volver a imaginar, en el Círculo de Bellas Artes

Como parte de las celebraciones del centenario de su edificio, el pasado 5 de junio se inauguraron en el Círculo de Bellas Artes (calle Alcalá, 42, Madrid) tres exposiciones de la edición 2026 de PHotoEspaña. En concreto, se han inaugurado “Refusal. Second Fracture” (Rechazo. Segunda fractura), del polaco Rafal Milach (1978); “Ruina Montium” (Cortas de minado), de la francesa Raphaëlle Peria (1989); y la colectiva “Volver a imaginar”, en un diálogo de obras de trece artistas, diez españoles, dos de los Países Bajos —país invitado a esta edición de PHotoEspaña—, y un suizo. Todas las exposiciones se podrán visitar hasta el 27 de septiembre de 2026.

Volver a imaginar
La colectiva “Volver a imaginar”, cuyas comisarias son Geaninne Gutiérrez-Guimarães (1980), conservadora asociada, de origen peruano, de los Museos Guggenheim de Bilbao y Nueva York, y Maíra Villela, responsable de programas y actividades de PHotoEspaña, toma su nombre del lema de la edición de 2026, cuya premisa, en palabras de la directora del festival, María Santoyo, es apostar por la fotografía como herramienta creativa que explora los límites de la imagen. Para ello, hay que contar con creadores que “rompen las costuras de la fotografía”, ya sea por sus temáticas, por los formatos que utilizan o la combinación de la fotografía con otros medios. En definitiva, reivindicar la imaginación al servicio de la fotografía.
Según Geaninne Gutiérrez-Guimarães, la exposición se estructura en cuatro ejes principales: identidad, autoridad, memoria y territorio. La misma constituye una reflexión sobre la condición humana y el paso del tiempo, a la vez que lo técnico y lo estético se articulan en una desmaterialización del proceso fotográfico mediante una experimentación tanto material como conceptual.
Los fotógrafos participantes son el suizo Yann Gross (1981); los neerlandeses Rob Hornstra (1975) y Anoek Steketee (1974); y los españoles Txema Salvans (1971), Javier Arboledas (1974), Eduardo Nave (1976), Ira Lombardía (1977), Arguiñe Escandón (1979), Aleix Plademunt (1980), Rafael Trapiello (1980), Lurdes Basolí (1981), Jon Gorospe (1986) y Juan Couder (1988).

Refusal. Second Fracture
La obra “Refusal. Second Fracture”, del polaco Rafal Milach, que ha contado con el apoyo, entre otros, del Instituto Polaco de Cultura en Madrid, es una reflexión sobre los sistemas de propaganda y poder en la Europa del Este, pero fácilmente extrapolable a Europa occidental debido al auge de los populismos ultras que han llegado a los circuitos políticos de poder. Esta exposición toma como punto de partida la figura de Xenia Degelko, a quien Milach fotografió en 2013 como parte de su proyecto “Winners” (Ganadores). Entonces era presidenta de la Unión de la Juventud Republicana de Bielorrusia en el pueblo de Aktyabrsky, había ganado el concurso “Líder del año” en la región de Mogilev, por lo que recibió un bolígrafo grabado con su nombre de manos del dictador Aleksandr Lukashenko (1954) y “soñaba con una casa de dos plantas”. Sin embargo,XeniaDegelko participó en las grandes protestas contra las elecciones bielorrusas de 2020, unos comicios denunciados como fraudulentos, con unas protestas que se saldaron con detenciones, brutalidad policial, torturas y malos tratos.
La tesis de la exposición de Rafal Milach es que los sólidos discursos del sistema se pueden romper si cuentan con una movilización colectiva suficiente, que siempre parte de activistas discretos, que actúan a modo de chispa para encender la hoguera de la rebelión. En cualquier caso, como la realidad nos demuestra, esto no garantiza el éxito, pero la lucha es la única vía posible para acabar con las situaciones de injusticia.

Ruina Montium, de Raphaëlle Peria
Finalmente, en la sala Minerva, en el sótano del CBA, hemos podido contemplar la exposición “Ruina Montium”, de Raphaëlle Peria, que es la que más nos ha conmovido de las tres. Su comisaria es Claude Bussac (1963), quien cedió la dirección de PHotoEspaña —que había ejercido durante 17 años— a María Santoyo, en 2024.
La obra de Raphaëlle Peria —actualmente en residencia artística en la Casa de Velázquez, institución cultural francesa, con sede en Madrid, dedicada al estudio del hispanismo— supone una magistral combinación de fondo y forma; de arte, mensaje y artesanía. A partir de fotografías en gran formato, raspa con cuidado y minuciosidad la superficie con un elemento cortante, lo que genera un dibujo por sustracción. Según comentó la comisaria, Raphaëlle Peria no se considera fotógrafa, por más que su obra sea fotográfica.
El trabajo expuesto, “Ruina Montium”, se centra en Las Médulas, el paraje leonés modelado por los romanos hace miles de años. “Ruina Montium” quiere decir “cortas de minado”, que consiste en una depurada técnica minera, en la que masas de agua a presión se usaban para derrumbar montañas en busca de oro. Pero Las Médulas —Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, desde 1997— no sólo se han visto modificadas por el agua; el fuego calcinó en 2025 los bosques de castaños que sujetan el terreno, que de otra manera se hubiera perdido por completo debido a la erosión.
La extremada delicadeza del tratamiento que hace la autora de los espacios y el mensaje que transmite, hacen de esta exposición algo totalmente conmovedor.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com

Festival Imaginària 2026

El festival Imaginària celebrará hasta el 28 de junio de 2026, su vigesimocuarta edición, con un programa que incluye ocho exposiciones principales y más de cuarenta actividades distribuidas en distintas localidades de la provincia de Castellón. Organizado por la Universitat Jaume I (UJI), dentro del programa UJI_Encultura, se extiende a los municipios de Castellón de la Plana, Benicàssim, Segorbe y Vilafranca. El programa se centra en la producción fotográfica, la perspectiva de género, el apoyo a artistas emergentes y la participación ciudadana.

Exposiciones y sedes
El programa expositivo se distribuye entre distintos espacios con el objetivo de favorecer la itinerancia. En la Llotja del Cànem (Castelló) se presenta “Habitario. Tiempo despacio”, revisión póstuma de Paco Llop. El Menador (Castelló) acoge “I don't know who” (No sé), de Carlos Chavarría —trasladada desde el Mercado Central—, y “Las conseguidoras”, de Clara Marconato.
En el Espacio Cultural Obert Les Aules (Castellón) se muestra “Background”, de Carla Oset (en la imagen). El Museo de Bellas Artes acoge “Tierna es la noche”, de Sakiko Nomura, a partir del 18 de junio. En Benicàssim, el Centro Cultural Melchor Zapata presenta “Kiss”, de Marina Bobo, que tiene por comisaria a Laura San Segundo.
En Segorbe, la Casa Garcerán alberga “Intervalos de sombra”, de Pablo López, y en Vilafranca, las Salas Góticas presentan la propuesta participativa “Vilafranca Club Collage”, de Alberto Feijóo.

Actividades paralelas
El festival se completa con un variado programa de formación y actividades. En la Llotja del Cànem se celebrará el ciclo Diàlegs, con encuentros con expertos. Los días 20 y 21 de junio, María Acaso imparte el taller “Soberanía visual”, centrado en la educación artística.
Asimismo, la programación incluye talleres familiares, como “Fotollibre sense fi” (13 de junio), y la cuarta edición de Pollastre Night, encuentro entre colectivos fotográficos que tendrá lugar el 6 de junio en el Espacio Cultural Obert Les Aules. También se realizarán proyecciones de trabajos de los alumnos del taller de fotografía impartido por Julián Baron (1978),en el Aula de Fotografía del Servicio de Actividades Socioculturales de la UJI.

Para más información: https://www.imaginaria.uji.es/es/imaginaria-es/

Talia Chetrit, en el Museo Lázaro Galdiano

Dentro de la variadísima programación de PHotoEspaña, además de figurones consagrados, que ya hemos desgranado aquí mismo, se tiene la oportunidad de conocer también a artistas cuya carrera, a pesar de su solidez internacional, es menos conocida en España. Este es el caso de la estadounidense Talia Chetrit (1982), cuya obra se podrá ver por primera vez de forma individual en España en el Museo Lázaro Galdiano (calle Serrano 122, Madrid), hasta el 30 de agosto de 2026, en una muestra patrocinada por la Fundación Loewe.

Selección retrospectiva
La muestra, titulada “Bunny” (Conejito), recoge la obra de Talia Chetrit desde sus inicios en la adolescencia—fotografía desde los 13 años— hasta sus obras más recientes de este mismo año. Se trata de una exposición muy escueta, apenas 20 imágenes en color y en blanco y negro de distintos tamaños. Lo que ha supuesto un gran trabajo de su comisaria, la italiana Stella Bottai —conservadora principal del Aspen Art Museum (Colorado, EE UU) y comisaria del Pompeii Commitment, primer programa de arte contemporáneo establecido por el Parque Arqueológico de Pompeya (Italia)—, a la hora de dar sentido y unidad a fotografías de épocas tan distintas, algo que ha resuelto de manera sobresaliente.

Bunny
La exposición del Museo Lázaro Galdiano representa un gran contraste entre una institución centrada básicamente en el arte hasta el siglo XIX y la fotografía contemporánea. El propio título “Bunny” podría hacer referencia tanto al conejo como animal, a los peluches de conejos, a Bugs Bunny (El conejo de la suerte) o a las “bunny girls” o “conejitas” de la revista “Playboy”. A nosotros se nos ocurren algunas coincidencias más, que podrán leer en la edición impresa de FV 307, que saldrá a la venta a primeros de julio de 2026, dado el carácter desinhibido de la obra de Talia Chetrit, como señaló la directora de PHotoEspaña, María Santoyo.
Las obras expuestas en “Bunny” plantean preguntas sin dar respuestas, de forma que exigen un esfuerzo activo por parte del espectador. Tampoco están acompañadas de los tochos explicativos que algunas obras de fotografía contemporánea necesitan. Talia Chetrit da pistas, pero no sabemos si estamos ante una escenificación o un hecho genuinamente natural y espontáneo
Una de las exposiciones más sugerente de esta edición del festival.

Para más información: https://www.museolazarogaldiano.es/

“Instantes de luz”, en Blanca Berlín

La galería Blanca Berlín (calle del Limón, 28, Madrid), como parte del Festival Off de PHotoEspaña, presenta la exposición “Instantes de luz. 12 premios nacionales de fotografía”.

Doce nombres clave de la fotografía en España
La muestra, inaugurada el pasado 23 de mayo, reúne obras de doce autores distinguidos con el Premio Nacional de Fotografía, algunos de los cuales ya estaban vinculados a la galería antes de recibir este reconocimiento. Blanca Berlín celebrará en 2027 el vigésimo aniversario de su apertura. En este tiempo, se ha convertido en una de las galerías de referencia en el ámbito de la fotografía, no sólo en Madrid, sino en España
La exposición, que se podrá visitar hasta el 17 de octubre de 2026, aunque la galería permanecerá cerrada en agosto, incluye trabajos de Carlos Pérez Siquier (1930-2021), Cristina García Rodero (1949), Cristóbal Hara (1946), Eugeni Forcano (1926-2018), Gabriel Cualladó (1925-2003), Isabel Muñoz (1951), Joan Colom (1921-2017), Juan Manuel Castro Prieto (1958), Ouka Leele (1957-2022), Rafael Sanz Lobato (1932-2015), Ramón Masats (1931-2024) y Toni Catany (1942-2013).
La inauguración contó con la presencia, entre otros, de Gabriel Cualladó (1950), hijo del fotógrafo del mismo nombre, quien intervino para recordar la figura de su padre y comentar algunos aspectos de las imágenes expuestas.

La labor de las galerías de arte
Las galerías comerciales realizan una doble labor: por una parte, ponen a disposición del público obras de fotógrafos del fuste de los anteriormente mencionados y, por otra, ofrecen la posibilidad de disfrutar de las obras que cuelgan de sus paredes. En este sentido, la galería facilita la visita tanto a quienes estén interesados en la adquisición de obra como a quienes deseen acercarse a la fotografía expuesta.
Aunque no se tenga intención de comprar, el personal de la galería e, incluso a veces la propia Blanca Berlín, no tendrán inconveniente en atender a los visitantes e ilustrarlos sobre autores y obras.

Para más información: https://blancaberlingaleria.com/