Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Bernard Plossu, en el Centro del Carmen de Valencia

El fotógrafo francés Bernard Plossu expone en el Centro del Carmen (calle del Museu, 2, Valencia) su obra titulada “España en color fresson”, que se podrá ver hasta el 15 de septiembre de 2024. El comisario de la misma es Juan Pedro Font de Mora.

Papel fresson
Bernard Plossu es un fotógrafo francés nacido en Vietnam, en 1945. Tiene una larga y reconocida trayectoria, tanto en su país como internacionalmente. La serie que se expone aquí, está compuesta de copias realizadas mediante el proceso de papel fresson, que debe su nombre a Thèodore Henri Fresson. En cierto sentido, se trata de un método parecido al de la goma bicromatada o al proceso al carbón, ya que se trata de sensibilizar con dicromato una gelatina que se extiende sobre un papel de calidad. José Ortiz Echagüe lo utilizó extensivamente a lo largo de toda su obra.
La muestra del Centro del Carmen recoge unas ochenta imágenes captadas por toda España. La organización ha declarado: “Esta muestra nos descubre a un Plossu esplendoroso, apoyado por las fantásticas texturas de estas copias impresas con la técnica fresson y nos invita a introducirnos en un mundo mágico, onírico y romántico. Una verdadera explosión de color”.

Palabras del fotógrafo
“Para mí en estas fotografías no importa el lugar, es el sentimiento de que es España, un barranco en Albarracín, el cabo de Creus en Cataluña, un poste eléctrico en Huérmeda, una farmacia pintada de verde, una vitrina antigua, una cámara vieja, o una puerta azul en una calle geométrica. Es mi sentimiento visual de lo que es España, no son documentos como pudiera hacer National Geographic, es la visión personal de un fotógrafo enamorado de un país”, ha declarado el fotógrafo.

Para más información: https://www.consorcimuseus.gva.es/exposicion/bernard-plossu-espana-en-color-fresson/

“De arroyos, bosques y torrentes”, de Javier Vallhonrat, en el Campo del Moro

Hasta el 29 de septiembre de 2024 se podrá ver en los jardines del Campo de Moro de Madrid (Paseo de la Virgen del Puerto, 1) una exposición al aire libre de Javier Vallhonrat, titulada “De arroyos, bosques y torrentes”, dedicada al Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, ubicado en Segovia. Se trata del primero de tres “Cuadernos campo”, que, en las ediciones de 2024, 2025 y 2026 del festival PhotoEspaña, mostrarán el trabajo de fotógrafos de reconocido prestigio relacionado con los espacios naturales de los Reales Sitios, gestionados por Patrimonio Nacional.

El primer trabajo de un proyecto de tres
Javier Vallhonrat (1953), Premio Nacional de Fotografía en 1995, ha sido el primero de los tres fotógrafos que realizarán los cuadernos de campo. PhotoEspaña no ha desvelado aún quienes son los otros dos fotógrafos que han recibido el encargo del festival sobre los espacios naturales de los Reales Sitios, ni tampoco a cuales de ellos estarán dedicados sus trabajos fotográficos.
El espacio elegido para la edición de este año ha sido el Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, que celebra en 2024 los trecientos años de la finalización de su construcción. Aunque, como ha confesado María Santoya, directora de PhotoEspaña, ha sido por una afortunada coincidencia.
El proyecto está gestionado a tres bandas por PhotoEspaña, Patrimonio Nacional y Acciona, empresa española de promoción y gestión de infraestructuras y energías renovables.

De arroyos, bosques y torrentes
El trabajo de Vallhonrat en La Granja ha sido resultado de una cuidadosa observación, más allá de las conocidas fuentes y jardines franceses, por los que es famoso el palacio. Se ha centrado en la naturaleza que rodea este paisaje segoviano, a los pies de Peñalara, la montaña más alta de la Sierra de Guadarrama, desde donde descienden los arroyos que alimentan de aguas purísimas los ingenios que se encargan de acumularlas, encauzarlas y, finalmente, alimentar esas fuentes.
Las imágenes, que ahora se pueden ver en el Campo del Moro en grandes ampliaciones, pero que a partir de finales de septiembre viajarán a los jardines de La Granja, se centran en detalles a modo de metáforas, ya que “La naturaleza no es sólo paisaje”. Se trata del entorno natural con su sangre, que es el agua, y corre por sus venas, que son los arroyos, que llenan de vida ese idílico paisaje natural serrano, en el que, a su vez, se integran los elementos que, creados por ingenio del hombre, ponen orden en la naturaleza, transformando el caos en cosmos.
La obra expuesta se complementa con una proyección audiovisual en 360° en el llamado cubo inmersivo, que está situado en la planta 3 de la Galería de las Colecciones Reales del Palacio Real. El montaje y el sonido han estado a cargo de Pablo Vallhonrat, hijo del artista.

Una mirada que exige meditar
Vallhonrat ha hecho todas las fotos con su vieja Linhoff de gran formato, que se alimenta de placas de 4 x 5 pulgadas (10,16 x 12,7 cm). Realmente un engorro para moverse por la naturaleza. Es pesada y precisa de trípode, los chasis con las placas abultan mucho, es necesario llevar un fotómetro de mano y un trapo para poder enfocar y encuadrar… Pero no se trata de una elección técnica, sino estética. Cuando le preguntamos el por qué de su uso nos respondió que sería muy prolijo de explicar, pero lo resumió en una frase: “Una mirada que exige meditar”.

Para más información: https://www.patrimonionacional.es/actualidad/exposiciones/cuadernos-de-campo-2024-javier-vallhonrat

“Barrios. Madrid 1976 –1980”, de Javier Campano

La exposición “Barrios. Madrid 1976 –1980”, de Javier Campano (1950), que ilustra esta interesante época de los primeros años de la Transición, se podrá ver en la Sala El Águila (calle Ramírez de Prado 3, Madrid), hasta el 8 de septiembre de 2024. La misma ha sido organizada por la Comunidad de Madrid, por la comisaria a Ana Berruguete, directora de exposiciones de La Fábrica.

Blanco y negro
No fue hasta el año 2010 cuando Javier Campano se volcó en la fotografían en color. Hasta entonces, la mayor parte de su obra la había desarrollado en blanco y negro. Esta exposición muestra fotos inéditas en blanco de un periodo singular en la vida de España, los primeros años de la Transición, centrado en algunos de barrios más populares del extrarradio de Madrid. Pero también alguno del centro, como el de Lavapiés, que hasta su reciente gentrificación también había sido uno de los más populares de la capital.

Un ojo perspicaz
El ojo perspicaz de Campano nos transporta a esos años. Resulta muy tierno constatar un motivo bastante repetido en sus imágenes: los niños. Unos niños que juegan en descampados y que se muestran felices en su inocencia infantil. Esos niños que hoy están a punto de ser sesentones. Asimismo, y de manera sutil, Campano pone de manifiesto los problemas urbanísticos y sociales de la época, con el auge del movimiento vecinal, que tantas reivindicaciones vio satisfechas en los años siguientes, y que hoy no es más que una pálida sombra de lo que fue.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2024/exposicion-photoespana-barrios-madrid-1976-1980-javier-campano

“Las hijas de Minerva”, de Alejandría Cinque y Laura San Segundo, en el Museo del Romanticismo

Coincidiendo con el centenario del Museo del Romanticismo (Calle San Mateo, 13, Madrid), PhotoEspaña lo ha elegido para exponer la singular propuesta artística de Alejandría Cinque y Laura San Segundo, titulada “Las hijas de Minerva”. En ella se realiza una lectura de un salón del museo, con un proyecto específicamente concebido para él, y que tendrá continuación en el tiempo, con actividades paralelas o complementarias, más allá del fin de su exhibición, el 29 de septiembre de 2024.

Dos jóvenes artistas
Alejandría Cinque y Laura San Segundo son dos jóvenes artistas, ambos nacidos en 1990, que pertenecen a una generación plenamente desarrollada en el siglo XXI, pero a que a pesar de ello han mantenido una carrera coherente y exitosa.
PhotoEspaña, en colaboración con el Museo del Romanticismo, que viene cooperando como sede oficial del festival desde 2012, encargó el desarrollo de un proyecto específico para la edición de 2024, que se concretó en “Las hijas de Minerva”.

“Las hijas de Minerva”
Ese título hace referencia a un poema del escritor romántico Lord Byron, uno de cuyos versos están dedicados a las mujeres españolas, de quien dice: “marcha con la bizarría de Minerva por donde el mismo Marte no podría hacerlo sin temor”.
Alejandría Cinque y Laura San Segundo construyen un recorrido fotográfico, lleno de referencias y simbolismo, en la sala aledaña a la de billar del museo. En ella, las mujeres no podían participar más que como meras espectadoras, razón por la que están representadas sólo en los cuadros que cuelgan de sus paredes. Las mujeres de la exposición fotográfica, por el contrario, son protagonistas y convierten la partida de billar en un campo de batalla por su emancipación, donde prima la perspectiva de género.
En definitiva, el Museo del Romanticismo se convierte así no sólo en el lugar donde se exhibe el arte clásico y las costumbres del siglo XIX, sino en generador de lo que será el arte clásico en el futuro.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/actividades/exposiciones/actuales.html

Primera gran retrospectiva de Iwan Baan, en el Museo ICO

Hasta el 8 de septiembre, como parte de la sección oficial de PhotoEspaña, se podrá ver en el Museo ICO (Calle Zorrilla, 3, Madrid) la primera gran exposición retrospectiva del fotógrafo holandés Iwan Baan, especialista de gran renombre de la fotografía arquitectónica.

Instantes en la arquitectura
La exposición, titulada “Iwan Baan. Instantes en la arquitectura”, promovida por el museo alemán Vitra Design Museum, se divide en cuatro secciones: “Perspectivas”, “China”, “Ciudades” y “Continuidades”, a través de las que se muestran obras de Iwan Baan (1975) realizadas desde principios de este siglo hasta la actualidad. Las imágenes expuestas van desde las que se pueden considerar como retratos oficiales de monumentos arquitectónicos, hasta imágenes de Manhattan tras el huracán Sandy, en 2012. Además, se complementa con material fílmico e imágenes hasta ahora poco conocidas de construcciones informales, que van desde un poblado circular chino hasta una iglesia etíope tallada en la piedra, o desde los bloques de pisos de construcción propia en El Cairo hasta la emblemática Torre de David, en Caracas.
Iwan Baan está considerado como uno de los fotógrafos más importantes de todo el mundo en la especialidad de fotografía arquitectónica.

Un enfoque innovador
La fotografía arquitectónica de Iwan Baan es muy reconocida a nivel internacional dado su enfoque innovador. “Su habilidad para narrar historias personales a través de los edificios añade una dimensión humana a la arquitectura, destacando la perspectiva de cómo las construcciones interactúan con su entorno y afectan a la vida de las personas, y viceversa”.
Según explica Iwan Baan: “Lo importante es contar. Y esto es algo muy intuitivo y fluido. No busco tanto imágenes atemporales de una gran arquitectura como el momento específico, el lugar y las personas que se encuentran en él, todos los momentos imprevistos y no planificados que acontecen en un lugar y sus alrededores, cómo vive allí la gente y qué historias surgen de ello”.

Asistencia del artista a la presentación
En la presentación de la exposición, que ha tendido lugar hoy, 6 de junio de 2024, han participado la comisaria de la exposición y del Vitra Design Museum, Mea Hoffmann; su director, Mateo Kries; Roel Nieuwenkamp, embajador de los Países Bajos en España; el director de la Fundación ICO, Lucinio Muñoz; la directora de PhotoEspaña, María Santoyo; y el propio artista Iwan Baan.

Para más información: https://www.fundacionico.es/

La exposiciones “Perpetuum Mobile” y la dedicada al japonés Masahisa Fukase, en el Círculo de Bellas Artes

“El Círculo de Bellas Artes es el corazón del festival”, declaraba Valerio Rocco, director del CBA, refiriéndose a PhotoEspaña, en la presentación de la exposición colectiva “Perpetuum Mobile” (Movimiento perpetuo). Dicho nombre es también el lema de la edición de este año de PhotoEspaña. Además, la exposición “Ravens” (Cuervos) muestra una serie de fotografías del japonés Masahisa Fukase (1934-2012).
Y, efectivamente es como afirma Valerio Rocco. El CBA se ha convertido por mérito propio en uno de los centros nucleares de PhotoEspaña. Hace unos días ya les informamos aquí mismo de la gran exposición dedicada a Cristina García Rodero. Pero desde hace años, a pesar del cambio de directores, el CBA ha venido colaborando con un festival que, tras el fallecimiento el año pasado de su fundador, Alberto Anaut, tiende a reinventarse.

Perpetuum Mobile
La exposición colectiva “Perpetuum Mobile” forma parte de esa reinvención, evolución o movimiento perpetuo en la trayectoria de PhotoEspaña. Se trata de una muestra de la obra de 27 autores, 14 varones y 13 mujeres, que la organización ha denominado como “generación Photoespaña”.
La exposición cuenta con obras de: Roberto Aguirrezabala, Paula Anta, Bego Antón, Patricia Bofill, Alfredo Cáliz, María Cañas, Ricardo Cases, Jon Cazenave, Nicolás Combarro, Soledad Córdoba, Gerardo Custance, Elena de la Rúa, Germán Gómez, Jon Gorospe, Antonio Guerra, Lola Guerrera, Álvaro Laiz, Ira Lombardía, Alejandro Marote, Linarejos Moreno, Marina Núñez, Aitor Ortiz, Juanan Requena, Ixone Sádaba, Mar Sáez, Miguel Ángel Tornero e Irene Zottola.
Muchas de las obras incluidas en la exposición trascienden la bidimensionalidad de la fotografía para transformarse en otra cosa distinta.
En palabras de María Santoyo, directora del festival: “Se trata de una generación cosmopolita, curiosa, librepensadora, más plegada a la experimentación, la narrativa divergente y la creatividad que a las convenciones formales o la puesta en escena tradicional del medio fotográfico”.
Alejandro Castellote, comisario de la exposición y viejo conocido del festival, ya que fue su primer director artístico, además de haber sido director del Área de Fotografía del CBA, ha señalado en la presentación que esta exposición “propone una estructura abierta, una suerte de jardín de especies, que ilustra el ensanchamiento de los límites de la creación fotográfica y las incesantes mutaciones que han ido transformando a lo largo de casi dos siglos el estatuto fundacional del medio: la mímesis de la realidad (…) Cada generación escribe su propia época, su propio relato”. Es la época de la generación PhotoEspaña, pues.

Ravens
La obra personal del japonés Masahisa Fukase estuvo originalmente centrada, durante unos diez años, en fotografiar a su esposa, Yoko Wanibe, con quien se casó en 1964. Aunque su primer libro, llamado “Juego” en japonés, pero que se ha traducido como “Homo Ludens”, no se centra sólo en ella, sino también en el Japón de los años sesenta, con una mirada que no se puede por menos que calificar de inquietante.
Tras su divorcio, Fukase emprendió un viaje a su isla natal, Hokkaido, al norte del archipiélago, donde, en medio de una crisis personal, comenzó la serie que se expone en CBA, “Ravens”. Se trata principalmente de imágenes de cuervos en blanco y negro, aunque no sólo de aves, en una conmovedora reflexión personal.
Esta exposición se podrá ver también a partir del mes de septiembre en el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS).

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/exposiciones/

“Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, de Miguel Rio Branco, en el Centro Niemeyer

El Centro Niemeyer (Avenida del Zinc, s/n, Avilés, Asturias) exhibirá la muestra titulada “Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, del fotógrafo brasileño Miguel Rio Branco (1946), desde el 28 de junio hasta el 3 de noviembre de 2024.

Un viaje al Japón
El origen de este proyecto se encuentra en un viaje de Rio Branco a Japón, cuyo arte admira mucho Miguel Rio Branco.
Las imágenes de la primera parte del proyecto provienen del trabajo realizado por Rio Branco en paralelo con el fotógrafo japonés Daido Moriyama (1938), que mantienen visiones fotográficas muy distintas. Mientras que uno es más cinematográfico, el otro resulta más simbólico, meditativo, pictórico.
Entre los trabajos expuestos podemos destacar “Tokyo Long Neck”, una obra de gran complejidad que ocupará 17 metros de la sala de exposición, y que para Rio Branco representa la síntesis de lo que sintió por Japón en aquel momento.
“Hago conexiones entre imágenes, ya representen ellas a personas, a objetos o a lugares; son construcciones con fotografías que pueden ser o no de un mismo lugar y tiempo. Se trata de crear un discurso con imágenes, con piezas atemporales donde lo documental no impera más que el documental, sino que existe lo simbólico, la poesía, la visión personal (…). Este espacio curvo del montaje lleva a nuevas lecturas que considero que tal vez sea más fluido. Son creados varios diálogos: vida y muerte, Occidente y Oriente, sol y sombra, nuevas tensiones, nuevos ritmos…, una danza barroca que nos lleva al Auditorio donde tal vez se esté interpretando un Réquiem de Mozart”, comenta Miguel Rio Branco.

Para más información: https://www.centroniemeyer.es/

Exposiciones de Consuelo Kanaga y David Goldblatt, en la Fundación Mapfre de Madrid

La sala de exposiciones de la Fundación Mapfre, en Madrid (Paseo de Recoletos, 23), presenta, hasta el 25 de agosto de 2024, sendas exposiciones de la norteamericana Consuelo Kanaga (1894-1978) y el sudafricano David Goldblatt (1930-2018).
A pesar de ser fotógrafos que pertenecen a generaciones fotográficas muy distintas, su sutil visión del mundo y sus problemas los hacen extraordinariamente cercanos. Ambas exposiciones, que forman parte de la sección oficial de PhotoEspaña 2024, establecen un singular diálogo, que satisfará a los aficionados al arte de la fotografía.

Consuelo Kanaga
Tras su paso por el Centro de Fotografía KBr, que Fundación Mapfre tiene en Barcelona, y antes de viajar a Nueva York, la exposición titulada “Atrapar el espíritu”, dedicada a la obra de la fotógrafa norteamericana Consuelo Kanaga, recala en Madrid. Kanaga tuvo una carrera fulgurante y su trabajo, que empezó en el reporterismo gráfico, fue muy apreciado hasta la segunda mitad de su vida, en la que trabajos alimenticios le alejaron del merecido lugar que había alcanzado. Con el paso de tiempo, su figura ha quedado algo oscurecida y olvidada, por lo que esta exposición retrospectiva, la primera que se le dedica en Europa, de Fundación Mapfre, viene a ponerla en su sitio.
Consuelo Kanaga fue una fotógrafa comprometida con los movimientos de izquierdas —perteneció a la Photo League—, fue precursora del movimiento de vanguardia y luchó contra los estereotipos y contra el racismo. Su fotografía, aunque combativa, es de lo más sutil. No es efectista, pero resulta conmovedora. Tan conmovedora como profunda en sus retratos. No sólo los de personajes anónimos, sino también los que hizo de artistas durante los años treinta y cuarenta, cuando empieza a decaer.

David Goldblatt
De David Goldblatt podíamos decir algo parecido a lo indicado sobre Consuelo Kanaga. Su fotografía denuncia la vergüenza del apartheid (segregación entre razas en Sudáfrica, entre 1948 y 1992), pero no retratando violencia explícita, sino aquella más soterrada, que se siente en las tripas y que obliga a pensar. De hecho, en cierto sentido como Kanaga, no fue lo bastante comprendido por sus coetáneos, que le tacharon de tibio, o no lo bastante directo, con el apartheid.
Judy Ditner, conservadora asociada de Fotografía y Medios Digitales en la Galería de Arte de la Universidad de Yale y Leslie M. Wilson, directora asociada de Compromiso Académico e Investigación del Instituto de Arte de Chicago, comisarias ambas de la exposición, han optado por realizar un recorrido temático no cronológico, que hubiera sido muy sencillo, dados los numerosos libros que publicó Goldblatt. En forma de diálogo entre imágenes de distintas épocas, tanto en color como en blanco y negro.
El nombre del la exposición, “Segundas intenciones”, hace referencia a la coletilla que ponía en los anuncios para buscar posibles modelos a los que fotografiar.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/david-goldblatt/